Стати партнером
Мобільний застосунок
Допомога
UA
Профіль
Вішлісти
Всі акції
Відкрити картку
Супер кешбек
Великдень
Техніка
Жінкам
Чоловікам
Субсидій
Новинки
Взуття
Потрібнички
Дітям
Дім
Наше
Білизна
Аксесуари
Спорт
Краса
Premium
triangle
ГоловнаБрендиTaschen
Taschen
|
3 стежать

    Каталог TASCHEN - 2026

    Категорія
    Колір
    Ціна
    від
    до
    Обкладинка
    Мова видання
    Ілюстрації
    Кількість сторінок
    Тип паперу
    Рік видання
    ¯\_(ツ)_/¯
    У вас немає обраних фільтрів
    Вид
    кешбек від 164 ₴
    -15%

    Сантьяго Калатрава — всесвітньо відомий архітектор, інженер-конструктор, скульптор і художник. Від Олімпійського спортивного комплексу Афін 2004 року до транспортного вузла Всесвітнього торгового центру на Манхеттені він демонструє рідкісну подвійну майстерність естетики та інженерії, одночасну чутливість як до зовнішнього вигляду, так і до «анатомії» споруди. Його впливи надзвичайно широкі: підхід Огюста Родена до скульптури та архітектури, принципи класицизму та грецького кікладського мистецтва, космічний дизайн NASA та глибоке захоплення природою, яку він вважає одночасно матір'ю та вчителем. Таким чином, творіння Калатрави одночасно аеродинамічні та органічні за своїми асоціаціями, з природними формами та людським рухом, що інформують багато його проєктів. Він виявляє особливий інтерес до точки зустрічі рівноваги та динаміки. Ця компактна монографія містить детальні записи, фотографії та оригінальні акварельні ескізи, які виділяють Калатраву як унікального творчого майстра. Вона включає багато його оригінальних спільних робіт та проєкти, такі як станція Медіопадана в Реджо-Емілії, Італія, Музей завтрашнього дня в Ріо-де-Жанейро, а також нещодавні роботи, як-от Павільйон ОАЕ на Expo 2020 у Дубаї, грецька церква Святого Миколая на Граунд-Зіро в Нью-Йорку та Constellation, велика скульптура в парку River Point у Чикаго.
    кешбек від 490 ₴
    -5%

    З того моменту, як «Зоряні війни» вперше вийшли на екран у 1977 році, глядачі були однаково зачаровані та вражені гібридом людини та машини — Дартом Вейдером. У 1999 році творець саги Джордж Лукас почав розповідати історію про те, як Енакін Скайвокер виріс, навчався як джедай під керівництвом Обі-Вана Кенобі, знайшов кохання з королевою Набу Падме Амідалою, а потім звернувся до темної сторони своєї натури і став більше машиною, ніж людиною. Ставши рушійною силою розвитку зароджуваних цифрових технологій, Джордж Лукас усвідомив, як можна створювати нових істот і нові світи в небаченому раніше масштабі. Він створив перший цифровий блокбастер і зіткнувся з жорстким опором, просуваючи повсюдне використання цифрових камер, декорацій, персонажів і проєкцій — усього того, що сьогодні застосовується по всій кіноіндустрії. Фактично він популяризував сучасний спосіб створення фільмів. Створений за повною співпрацею з Джорджем Лукасом і Lucasfilm, цей другий том присвячений створенню трилогії приквелів — «Епізод I: Прихована загроза», «Епізод II: Атака клонів» і «Епізод III: Помста ситхів» — і включає ексклюзивні інтерв'ю з Лукасом та його співавторами. Книга багато ілюстрована сторінками сценаріїв, виробничими документами, концепт-артом, розкадровками, фотографіями зі знімального майданчика, кадрами з фільмів і постерами.
    кешбек від 490 ₴
    -5%

    Global travel can be a wearying business: mass tourism, overcrowded planes, chaotic airports, heightened security, cookie-cutter hotel chains, well-worn tourist trails. Finding even a sliver of adventure can sometimes feel impossible. But take heart: for all of us with an unfulfilled spirit of wanderlust, The Golden Age of Travel evokes an era when traveling the world was a thrilling new possibility for those with the resources, time, imagination, and daring.This richly illustrated volume charts the travel heyday of 1869 to 1939. Bedecked with ephemera and precious turn-of-the-century photochroms, it follows six classic tours favored by Western adventurers in the prewar era, including such famous traveler-writers as Charles Dickens, Jules Verne, F. Scott Fitzgerald, Mark Twain, and Goethe. From the Grand Tour of Europe, a traditional rite of passage for young English aristocrats, to the Far East, barely touched by Western influence, to the famous Trans-Siberian Railway, we follow each journey through its itinerant stops and various modes of transport: trains, boats, cars, planes, horses, donkeys, and camels.With pages brimming with archival travel posters, guides, tickets, leaflets, brochures, menus, and luggage stickers, the book evokes all the romance, elegance, not to mention the sheer sense of novelty, that enthralled these golden-age passengers. Through decadent new cities, or wild, rugged terrains, this is your passport to a long-lost epoch of adventure and wide-eyed wonder at the world.
    кешбек від 197 ₴
    -15%

    Від Game Boy до Gucci Американська реклама в бурхливих 1990-х Від заворушень у Лос-Анджелесі до масового вбивства в школі Колумбайн — американці були свідками подій і купували товари, які відображали найкраще і найгірше в цьому десятилітті. Президентство Білла Клінтона було під загрозою, настала ера цифрових технологій, а Кремнієва долина впливала на всіх жителів планети. Тим часом оголені тіла та секс заполонили сторінки журналів, рекламуючи все від високої моди до парфумерії та мікрохвильових печей. Nirvana розважала покоління X, а «найвеличніше покоління» роздумувало про покупку Probe та чогось під назвою Hummer. Super Soakers та ігрові приставки Game Boy і PlayStation стали новими іграшками, а Super Mario World, Gran Turismo та Sonic the Hedgehog захоплювали розуми молоді по всьому світу. Розкішні бренди були в моді: покупці жадали сумок Gucci, сумок Louis Vuitton, шарфів Hermes або суконь Prada. TWA та Continental Airlines, як і раніше, літали повітряними маршрутами, а Volkswagen переосмислив Beetle. Це було десятиліття, яке здавалося безпечним і нешкідливим, але було наповнене подіями та споживанням у грандіозних масштабах, підготувавши ґрунт для 21 століття. Шість розділів, що охоплюють широкий спектр реклами, від їжі та моди до розваг та автомобілів, а також рекламні хіти, гідні операції «Буря в пустелі», роблять All-American Ads of the ’90s обов'язковим збірником для кожного громадянина 1990-х років, який колекціонує Beanie Babies, дивиться «Сімпсонів», збирає pog та любить Гаррі Поттера.
    кешбек від 1144 ₴
    -5%

    кешбек від 261 ₴
    -10%

    Коли життя дає вам лимони… Гастрономічна подорож через мистецтво, кіно, літературу та рецепти Обманливо простий лимон займає центральне місце у другому томі співпраці TASCHEN з The Gourmand, майстрами багатого перетину їжі та мистецтва. Зірка садів епохи Відродження, що сформувала династію Медічі, має силу запобігати цинзі, брала участь у формуванні мафії, а її сік з 600 року н. е. використовувався як невидимі чорнила для написання таємних повідомлень, ці радісні жовті сфери сповнені інтриг. The Gourmand досліджує дивовижно складну генеалогію фрукта, вивчає його роль як літературного прийому для таких авторів, як Джоан Дідіон, Ф. Скотт Фіцджеральд, Том Вулф та Джеймс Джойс, і розглядає його унікальне представлення американської мрії через лимонадні кіоски. Улюблений об'єкт гігантів історії мистецтва, лимон зачаровує в натюрмортах старих майстрів і надихнув на прориви сучасних візіонерів, таких як Пікассо, Матісс і Воргол. Лимони також опиняються на передньому краї дизайну в культовому Juicy Salif Філіпа Старка та скромному, але революційному Jif Lemon. Їхня присутність поширюється на декоративне мистецтво, прикрашаючи все — від шпалер у стилі «арт-енд-крафт» до міфологічної кераміки. Навіть знаменита Блумсберійська група мала лимони, заплутані в їхніх літературних любовних зв'язках. До цих цитрусових анекдотів додаються передмова від шеф-кухаря та відомого кулінарного письменника Саймона Хопкінсона та вступ від арт-критика та автора Дженніфер Хіггі, а також понад 60 рецептів з лимоном у різних світових кухнях та на будь-який випадок — включаючи ідеальну птицю, вишукані соуси, класичні коктейлі та розкішні десерти, з авторською фотографією Боббі Доерті.
    кешбек від 198 ₴
    -20%

    «Бонд. Джеймс Бонд». Відтоді, як Шон Коннері вимовив ці безсмертні слова у 1962 році, найчарівніший секретний агент в історії кіно зачаровує та захоплює глядачів у всьому світі. Цей бездоганно британський персонаж, створений письменником Яном Флемінгом, знявся у 25 фільмах, вироблених EON, і за сім десятиліть його зіграли шість різних акторів. Пол Дункан, який упорядкував цей том, що охоплює кожен фільм про Джеймса Бонда, починаючи з «Доктор Ноу» (1962) і закінчуючи «Не час помирати» (2021), мав доступ до офіційного архіву Бонда з фотографіями, дизайнами, розкадровками та виробничими матеріалами. Багатство рідкісних фотографій, дизайнів декорацій, розкадровок та виробничих нотаток є даниною легенді про Бонда, Джеймса Бонда. JAMES BOND, 007 та пов'язані з Джеймсом Бондом авторські права та/або торгові марки дозволені до використання Metro-Goldwyn-Mayer Studios Inc., ексклюзивним ліцензіатом London Operations LLC. © 2025 Metro-Goldwyn-Mayer Studios Inc. Всі права захищені.
    кешбек від 1144 ₴
    -5%

    Northern Star Exploring the brilliance, ambition, and timeless impact of a true innovator Albrecht Durer is the undisputed genius of the Northern Renaissance, a visionary unbound by a single medium. He carved a career spanning painting, printmaking, drawing, and art theory, mastering each with dazzling skill. Famous in his own lifetime for his portraits of princes and patricians, his luminous drawings and watercolors transformed the sketch into an art form in its own right: works such as Young Hare stand as marvels of observation, capturing life with a precision and sensitivity that still amaze today. He was native to the bustling city of Nuremberg, but his travels brought him face-to-face with Renaissance humanism, Venetian color, and classical ideals of beauty. These he absorbed and reimagined with northern precision. As court artist to Maximilian I, and confidant of humanists like Erasmus, he moved easily among the great minds of his age, his musings on measurement and proportion establishing him as one of Europe’s great thinkers. But he never stopped producing work of startling intimacy, from unflinching self-portraits and elaborate prints to meticulously observed studies of nature. Featuring every known painting—many reproduced with brand-new photography—and nearly 500 drawings, this graceful volume captures the sweep of Durer’s genius. From monumental altarpieces to intimate portraits, from delicate studies of the world around him to bold experiments, it reveals an artist both of his time and ahead of it, an innovator whose vision still feels urgent today. More than a compendium, it is a celebration of a polymath who continues to astonish and inspire.
    кешбек від 392 ₴
    -5%

    Шлях Кісокайдо через Японію був започаткований на початку 1600-х років тодішнім правителем країни Токугавою Іеясу, який розпорядився створити поштові станції вздовж усього важкого шляху між Едо (сучасний Токіо) та Кіото. Для втомлених мандрівників були відкриті заїжджі двори, крамниці та ресторани, де вони могли отримати їжу та ночівлю. У 1835 році відомому майстру ксилографії Кейсаю Ейсену було доручено створити серію робіт, присвячених подорожі Кісокайдо. Після створення 24 гравюр Ейсен був замінений Утаґавою Хіросіґе, який завершив серію з 70 аркушів у 1838 році. І Ейсен, і Хіросіґе були видатними майстрами гравюри. У серії «Шістдесят дев’ять станцій Кісокайдо» чітко проявляються як відмінності їхніх художніх стилів, так і спільна майстерність. Від жвавої початкової станції Ніхонбасі до замкового міста Івамурата Ейсен обирає більш приглушену палітру, але чудово працює з фігурами, особливо зображуючи витончених жінок, і з задоволенням зображує сцени життя вздовж маршруту — від підковування коня до віяння рису. Хіросіґе демонструє свою майстерність пейзажу у величних та виразних сценах — чи то спокійні береги річки Ота, суворий перевал Вада, чи то місячний підйом між Явата та Мотидзукі. Загалом серія «Шістдесят дев’ять станцій» є не лише шедевром ксилографічного мистецтва зі сміливими композиціями та експериментальним використанням кольору, але й чарівною панорамою Японії XIX століття, задовго до настання індустріалізації. Це видання TASCHEN відроджує серію в належному масштабі та пишноті. Засноване на єдиному відомому майже повному комплекті першого видання, це легендарне видання відтворено у найвищій якості, переплетене в японській традиції та надруковане на нерозрізаному папері. Ідеальне доповнення до книги TASCHEN «Сто знаменитих видів Едо», воно є водночас візуальною насолодою та важливим артефактом минулої епохи Імператорської Японії.
    кешбек від 198 ₴
    -20%

    Widely regarded як один з most influential fashion і portrét photographers, Mario Testino є відповідальним за створення emblematics images, transmitting emotion and energy in open and intimate way. Через його чотирирічну кар'єру, Testino буде been on journey before the world of fashion capturing Earth's traditions and cultures with unparalleled access and extraordinarial unique point of view. Peruvian by birth, Testino's intimate connection до Італії повідомлені його листи в його Italian heritage, але blossomed when he experienced country for himself. Розповсюдження Італії був, для Тестіно, synonymous with discovering його passion for fashion. “Rome був все про те, що hottest, останні тенденції та короткий новий styling, і я хотів, щоб італійці могли стежити за останнім випадком для будь-якого нового thing without ever losing their own identity.” У Ciao, Testino handpicks його найкращі зображення з Італії, в країні, що помітно вірно в його житті, з його ділових шипів і breathtaking vistas до п'ятнадцяти років Italian iconic fashion shoots and Italians’ ever-evolving allure to the. Відображаючи три розділи, OUT AND ABOUT, ІНФАСІОН, і AT SEA, результат є висока особистий день роботи над територією через Testino's lens paying homage до Italy, і it's culture як добре, як хроніка 40 years Широко визнаний одним із найвпливовіших фотографів у галузі моди та портрету, Маріо Тестіно створив знакові зображення, що передають емоції та енергію відкритим та інтимним способом. Протягом своєї сорокарічної кар'єри Тестіно здійснював подорож за межі світу моди, зображуючи традиції та культури Землі з неперевершеним доступом і винятково унікальним поглядом. Народився в Перу, Тестіно відчував свій тісний зв'язок з Італією завдяки італійським корінням, але вона розквітла, коли вона розквітла, коли вона розквітла. Відкриття Італії стало для Тестіно синонімом відкриття його пристрасті до моди. «Рим був про найгарячіші, останні тренди і новий свіжий стиль, і мені подобалося, як італійці могли скинути черговий модний образ заради чогось ще більш нового, не втрачаючи при цьому своєї індивідуальності». модних зйомок і чарівності її мешканців, що вічно змінюється, з їх іскристим способом життя. У трьох розділах — OUT AND ABOUT, IN FASHION та AT SEA — представлений глибоко особистий шлях країною через об'єктив Тестіно, данина Італії та її культурі, а також хроніка 40 років фотографій, що визначили жанр.
    кешбек від 164 ₴
    -15%

    “У GENESIS, моя камера дозволяла природа до слова до мене. And it was my privilege to listen.” -Sebastiao Salgado На дуже короткий день в 1970, 26-року Sebastiao Salgado була камера для першого часу. When he looked through the viewfinder, he experienced a revelation: suddenly life made sense. З того дня наперед-попри це мова року в hard work до того, як він попросив, що ніч його життя, як фотограф-камера became його інструмент для спілкування з світом. Salgado, який “всі prefered the chiaroscuro palette з black-and-white зображення,” shot дуже малі кольори в його ранній кар'єрі перед тим, як це збирається повністю. Розміщений на фермі в Brazília, Salgado посідав глибокий love and respect for nature; Він був особливо чутливий до тих речей, в яких людські проблеми були завдані їхнім захопленням соціально-економічним умовам. З Myriad праці Salgado has produced в його виявлених career, три довгі терміни проекти stand out: Workers (1993), documenting the vanishing way of life of manual laborers across the world; Migrations (2000), tribute to mass migration driven by hunger, natural disasters, environmental degradation and demographic pressure; і цей новий оpus, GENESIS, результат епік вісім-років expedition до розгортання mountains, deserts and oceans, animal and people that have so shaped imprint of modern society-land and life of still-pristine planet. “Якщо 46% їхньої планети є все, що вона була в часі genesis,” Salgado reminds us. “We must preserve what exists.” GENESIS проект, що продовжується з Salgados' Institut Terra, є спрямований на показ природи нашої планети, відновлюючи домашнє життя до нього, і preserving it for the future. Понад 30 trips-traveled by foot, light aircraft, seagoing vessels, canoes, і навіть balloons, через extreme heat and cold і в sometimes неабиякі умови-Salgado створена колекція зображень зображень на натурі, animal, and indigenous peoples в. What does one discover в GENESIS? The animal species and volcanoes of the Galapagos; penguins, sea lions, cormorants, and whales of the Antarctic and South Atlantic; Brazilian alligators and jaguars; African lions, leopards, and elephants; the isolated Zo'e tribe deep in the Amazon джунглі; the Stone Age Korovai люди з West Papua; nomadic Dinka cattle farmers в Судан; Nenet nomads and their reindeer herds in the Arctic Circle; Mentawai jungle communities on islands west of Sumatra; icebergs of Antarctic; the volcanoes of Central Africa and the Kamchatka Peninsula; Saharan deserts; the Negro and Jurua rivers in the Amazon; the ravines of the Grand Canyon; the glaciers of Alaska... and beyond. Маючи dedicated з моїм часом, енергією, і здоров'я до виконання цієї роботи, Salgado calls GENESIS “ми love letter to the planet.” «У Genesis моя камера дозволила природі говорити зі мною. І для мене було честю – слухати.» — Себастьян Салгаду У вдалий день 1970 26-річний Себастьян Салгаду вперше взяв камеру в руки. Заглянувши у видошукач, він пережив одкровення: раптово життя набуло сенсу. З того дня — хоч йому знадобилися роки наполегливої праці, перш ніж він зміг заробляти фотографією — камера стала його інструментом взаємодії зі світом. Салгаду, який «завжди віддавав перевагу палітрі світлотіні чорно-білих зображень», на початку кар'єри знімав дуже трохи кольорового і невдовзі зовсім відмовився від кольору. він також був особливо чутливим до того, як на людей впливають руйнівні соціально-економічні умови. Серед безлічі робіт, створених ним за видатну кар'єру, особливо виділяються три довгострокові проекти: Workers (1993) — документ про працю робітників, що зникає, по всьому світу; Migrations (2000) - данина масової міграції, викликаної голодом, природними катастрофами, деградацією навколишнього середовища та демографічним тиском; і цей новий опус — GENESIS, результат грандіозної восьмирічної експедиції у пошуках гір, пустель і океанів, тварин і народів, які досі не торкнулися слідів сучасної цивілізації — землі та життя все ще первозданної планети. "Близько 46% планети все ще такі ж, якими були в часи створення світу", - нагадує Салгаду. — «Ми маємо зберегти те, що існує». Проект GENESIS, як і Instituto Terra Салгаду, присвячений тому, щоб показати красу нашої планети, звернути назад завдану їй шкоду і зберегти її для майбутніх поколінь. дозволили Салгаду створити колекцію зображень, що показують природу, тварин та корінні народи у захоплюючій дух красі. Що можна побачити у Genesis? Тварин та вулкани Галапагосів; пінгвінів, морських левів, бакланів та китів Антарктики та Південної Атлантики; бразильських алігаторів та ягуарів; африканських левів, леопардів та з
    кешбек від 1634 ₴
    -5%

    A Treasury of the Watchmaker's Art 100 of the most legendary and coveted timepieces of all time Цей величезний double volume веде на connoisseurial roundup of the world's ultimate watches, від попереднього aviators' timepieces by to likes серед інших, Patek Philippe, Rolex, і Audemars Piguet до State-of-The-Art contemporary pieces. Також включно з horological masterworks legendary George Daniels і його prodigy, Roger W. Smith, як добре, як інші відомі незалежні watchmakers, включаючи Philippe Dufour, Francois-Paul Journe, Kari Voutilainen, і Rexhep Rexhepi. Одна висока помітно valuable wristwatches showcased в цій meticulously curated і beautifully ilustrated book надає rare insight в sublime artistry і комплекс engineering з haute horlogerie. Цей титул також дає невиразний історичний overview з luxury watchmaking, від його pocket-watch origins до сьогодні's revival of interest в bespoke, handcrafted timepieces. Відображаючи 100 розкішних “grail” wristwatches, їх fascinating design-and-development backstories є expertly recounted, впродовж page-after-page of sublime imagery specially generated by world's leading watch photographers. Також включали різні архівні засоби, з дизайну наклейок і технічних drawings до superb period advertisements and photographs. Plus in-depth interviews with leading authorities from the watchmaking and collecting worlds, включаючи Patrick Getreide (OAK Collection), Alexandre Ghotbi (Phillips), Ben Clymer (Hodinkee), Roger W. Smith (watchmaker), Auro Montanari (renowned collector), і Silas Walton (A Collected Man). A Treasury of the Watchmaker's Art100 най легендарніших і бажаних годинників всіх часівЦей розкішний двотомник пропонує витончену добірку найбільших годинників світу - від ранніх авіаторів Longines до легендарних вінтажних хронометрів Patek Philippe, Rolex і Audemars Piguet, а також сучасних. До видання також увійшли роботи легендарного Джорджа Деніелса та його учня Роджера В. Сміта, а також видатних незалежних майстрів, включаючи Філіпа Дюфура, Франсуа-Поля Журна, Карі Вотілайнена і Реджепа Реджепі. Книга також пропонує унікальний історичний огляд розкішної годинникової справи — від походження у вигляді кишенькового годинника до сучасного відродження інтересу до індивідуальних, виготовлених вручну моделей. фотографами. Додатково включені рідкісні архівні матеріали – від ескізів та технічних креслень до чудової реклами та фотографій минулих років. Плюс глибокі інтерв'ю з провідними фахівцями світу годинникового мистецтва та колекціонування: Патріком Гетрайдом (OAK Collection), Олександром Готбі (Phillips), Беном Клаймером (Hodinkee), Роджером Ст. Смітом (годинник), Ауро Монтанарі (відомий колекціонер) та Сайласом Волтоном (A Collected Man).
    кешбек від 327 ₴
    -5%

    Nature’s Penthouses Величезні tree houses, що bring New Meaning to elevated living Above the forest floor, a world of wonder awaits. Tree houses мають завжди captured our imaginations—symbols of escapism, endless youthful summers, and a deep-rooted connection to nature. Але вже, вони'evolved beyond childhood hideaways в архітектурні маркери, що blend sustainability and cutting-edge design. So, climb up and explore 62 elaborate tree houses від навколишнього світу, кожен з його власним fascinating story. Без жодного плану, вони мають багато форм—деякі розрізняються без вежі, інші міміки shapes of trees, деякі шпильки в листі без контакту з trunk. Але всі мають такий самий результат: щоб вибрати closer до натури. Ця приваблива колекція архітектурних структур і майстрів, що займаються світом-революційними архітектурами, як Snohetta і BIG, є розподіленими в 5 chapters. Discover Playful Tree Houses, де хлопчики можуть стріляти boundaries of adventure; Hideaway Tree Houses, які відрізняються відокремленими оздобленнями для писемників, брокерів, і solitude-seekers; Observation Tree Houses, що ведуть front-row seat to the wonders of the wild; Vacation Tree Houses, де м'який рівень luxury makes for unforgettable escapes; and Residential Tree Houses that prove sustainable arboreal living isn’t just for the birds. Всі вони були розроблені для гри, відпочинок, або цілковитого перебування, ці чудові будинки fulfill a глибокий людський longing для authenticity, tranquility, and a new perspective—challenging convention and fashioning a renewed relationship with the environment. Вони remind us that, while our roots must remain in the earth, our imaginations should always reach for the sky. Пентхауси природи Надзвичайні будиночки на деревах, які надають нового сенсу життя на висоті Над лісовою землею відкривається світ чудес. Будиночки на деревах завжди будили нашу уяву — символи втечі від повсякденності, нескінченних літніх канікул та глибокого зв'язку з природою. Але сьогодні вони вийшли за рамки дитячих укриттів, перетворившись на архітектурні шедеври, що поєднують стійкість і передовий дизайн. Не маючи єдиного шаблону, вони набувають різних форм: одні вбудовані в могутні гілки, інші повторюють обриси дерев, деякі ховаються в листі, не торкаючись стовбура. Але ціль у всіх одна — наблизити нас до природи. Відкрийте собі Ігрові будиночки на деревах, де діти досліджують межі пригод; Укриття на деревах, що пропонують усамітнення для письменників, мрійників та тих, хто шукає тишу; Наглядові будиночки на деревах, що надають найкращий вид на дива дикої природи; Будиночки для відпочинку, де комфорт на рівні гнізда створює незабутні враження; і Житлові будиночки на деревах, що доводять, що стійке древожильство підходить не тільки птахам. Створені для ігор, відпочинку або постійного проживання, ці дивовижні будинки втілюють глибоку людську потребу у справжності, спокої та новому погляді на світ — кидаючи виклик традиціям і створюючи оновлений зв'язок з навколишнім. Вони нагадують нам, що, хоча наше коріння має залишатися в землі, наша уява завжди має прагнути неба.
    кешбек від 327 ₴
    -5%

    Friedrich Holderlin є probably Andre Butzer's favorite poet and ranks alongside Walt Disney and Henri Matisse among his “favorite people ever.” Його ідентифікація з поетами аж до п'яти, як Holderlin's day of death is Butzer's own birthday. Як Butzer переміщувався в Los Angeles, територію його життєдайних Dreams, для першого часу в 2001, я got homeick. Домашній хлопець довгий для суду неїther в old world nor in the new. У Каліфорнії, я хотів, щоб Holderlin's Hyperion and shaken: “Як я read, я люблю те, що я хотів, щоб every word. I thought these words came from me.” Butzer recognizes himself в Holderlin's fateful protagonist і invents figure of homeless Wanderer. His home is in painting, and so he sets off down “Hyperion Ave”—the street on which The Walt Disney Studio опубліковано в 1926. Посилання на Butzer, “Holderlin, тільки як Disney, expresses longings. And these can be put to use.” Для Holderlin, poetry is the place that makes human existention on earth possible. Для Butzer, it is painting. У поетрі, він здогадується, що мішкувати до мізерного і розпізнавання extreme contradictions of the world through his painting. У цій артист's book, Butzer has compiled 47 poems written by Holderlin між 1793 і 1843 на чотири місяці. Ці поеми ведуть рамки сідниці з людиною path of life like a parable: the autumnal fulfillment of summer's maturation, blossoming of life in spring and experienced barrenness of winter. Поеми мають звук простий, але в них Holderlin біжить до людської природи в незмінно hopeless conditions: hope, doubt, wonder, longing, love. Matters of the heart, simple, lucid and vulnerable. Just take Holderlin's beloved Diotima. У Untitled (Diotima), шо бореться до нагороди височений з нашого погляду. Чи це ви бачите в ньому всерединінайбільше self or into inaccessible distance? Seeing her see, we recognize ourselves in her gaze. Для створенняпоем, Butzer має створені 40 watercolors. Його iconic characters-Wanderer, Woman, Peace-Siemens-cyclically fade and reappear in the delicate colors. Чотири фігури, будь-хто, будь-який удар, будь-який удар і будь-хто з кольорових кар'єрів йогоself. Yet time and again, a fragile harmony emerges з їх contrary bonding. Book does neither adhere to chronological everyday time nor the 'factual' succession of the seasons. Назавжди, Butzer був placed поеми і watercolors intuitively, що формують Open Constellations. Це відповідає Holderlin's wackily fantastic dating, в яких поем з 1843, для події, може бути віднесений до 1758, 1648 або 1940. У сучасному поетичному часі, past і майбутній є один повний час. In unison words and images ponder man's dwelling upon this earth, in the humblest and most poetic way. Фрідріх Гельдерлін, ймовірно, є улюбленим поетом Андре Бутцера і стоїть в одному ряду з Уолтом Діснеєм та Анрі Матіссом серед його «найулюбленіших людей». Його зв'язок із поетом йде ще далі: день смерті Гельдерліна збігається з днем народження Бутцера. Коли 2001 року Бутцер вперше переїхав до Лос-Анджелеса, землю своїх юнацьких мрій, він засумував за домом. Будинок, яким він сумував, лежав ні в старому, ні в новому світі. У Каліфорнії він прочитав «Гіперіона» Гельдерліна і був вражений: «Читаючи, я відчував, що розумію кожне слово. Я думав, що ці слова походять від мене». Бутцер впізнає себе в доленосному герої Гельдерліна і створює фігуру безпритульного Мандрівника. Його будинок — живопис, і тому він вирушає «Гіперіон-авеню» — вулицею, на якій Walt Disney Studio відкрилася в 1926 році. За словами Бутцера, «Гельдерлін, як і Дісней, висловлює тугу. І це можна використати». Для Гельдерліна поезія - це простір, який уможливлює людське існування на землі. Для Бутцера такий простір є живопис. У поезії він знаходить втіху, що дозволяє йому через живопис примирити та утримати крайні протиріччя світу. У цій художній книзі Бутцер зібрав 47 віршів Гельдерліна, написаних між 1793 і 1843 роками і присвячених чотирма пори року. Ці вірші пов'язують цикл пори року з життєвим шляхом людини, подібно до притчі: осіння наповненість дозрівання літа, весняне пробудження життя і прожита безплідність зими. Вірші можуть здаватися простими, але в них Гельдерлін надає форму людському терпінню в, здавалося б, безнадійних обставинах: надія, сумнів, здивування, туга, любов. Справи серця - прості, ясні та вразливі. Взяти хоча б улюблену Діотіму Гельдерліна. У Без назви (Діотім) вона дивиться в бік, прихований від нашого погляду. Чи дивиться вона в себе чи в недоступну далечінь? Бачачи її погляд, ми впізнаємо себе в ньому. На додаток до віршів Бутцер створив 40 акварелей. Його знакові персонажі - Мандрівник, Жінка, Світ-Зімменс - циклічно зникають і знову з'являються в ніжних відтінках. Кожна фігура, кожна річ, кожен штрих, кожна пляма та кожен тон кольору існує самостійно. І все ж таки раз за разом з їх протилежних з'єднань виникає крихка гар
    кешбек від 392 ₴
    -5%

    French flower painter Pierre-Joseph Redoute (1759–1840) розв'язав його просто тільки для capturing diversity flowering plants в watercolor paintings, які були публіковані як вантажопідйомні, з необхідним botanical descriptions. The darling of wealthy Parisian patrons including Napoleon's wife Josephine, я був dubbed “Raphael of flowers,” і є захищений до цього дня як master of botanical illustration. Це елегантний каталог зображень разом з усіма відтвореннями від Redoute's illustrations of Roses and Choix des plus belles fleurs (Selection of the Most Beautiful Flowers) and the most astounding images of The Lilies. За допомогою vibrant overview of Redoute's admixture of accuracy and beauty, це є також привілеєм glimpse в magnificent gardens and greenhouses of bygone Paris. Французький художник-квітникар П'єр-Жозеф Редуте (1759-1840) присвятив себе виключно зображенню різноманітності квітучих рослин в акварельних картинах, які потім публікувалися у вигляді гравюр на міді із ретельними ботанічними описами. Улюбленець багатих паризьких покровителів, включаючи дружину Наполеона Жозефіну, його прозвали «Рафаелем кольорів» і досі вважається майстром ботанічної ілюстрації. У цьому елегантному каталозі зібрані всі гравюри з ілюстрацій Редута «Троянди» та «Вибір найкрасивіших кольорів», а також найдивовижніші зображення з «Лілій». Це яскравий огляд поєднання точності та краси Редута, а також привілейований погляд на чудові сади та оранжереї Парижа.
    кешбек від 327 ₴
    -5%

    кешбек від 164 ₴
    -15%

    При збіжжя з австралійського американського американського' predilection for wanderlust prompted new wave of inventive entrepreneurs to cater to this new mode of transportation. Starting in 1920s, attention-grabbing buildings began to appear те, що будуть draw in passing drivers for snacks, provisions, suvenirs, або quick meal. Архитектурне встановлення дня заборонене цими комерційними будівлями як “monstrosities”. Yet, вони flourished, особливо довкола Америка Sunbelt, і в особливу, в Southern California, як володар їх креативні стимули в формі giant, eccentric constructions - від овочів, долів, шпильок, і ships, to coffee pots and fruit. Їхній символічний намір був guileless, yet they були marginalized by history. Але, перед роком 40 років, California's архітектурні anomalies має відбутися їх integrity, і є зараз, що відбулося в цьому freshly revised compendium of buildings, California Crazy. Завзяття з великими прикладами цієї архітектурної genre, California Crazy включає в себе екскурсії розкриваючи influences, що ускладнює навколишній архітектурний рух, як добре identifying unconventional landscapes і attitudes found on Los Angeles and Hollywood flourish in profusion. У додатку, Каліфорнії Crazy features David Gebhard's definitive essay, які defined цей vernacular рух майже протягом багатьох років тому. Календар Crazy concept expanded включити домашню архітектуру, електричний знак, і автомобіль є фантастичним об'єктом. На зорі автомобільної епохи схильність американців до подорожей спонукала нову хвилю винахідливих підприємців обслуговувати цей новий спосіб пересування. Починаючи з 1920-х років почали з'являтися помітні будівлі, які приваблювали водіїв, що проїжджали, перекусити, поповнити запаси, купити сувеніри або швидко поїсти. Тим часом вони процвітали, особливо в сонячному поясі США і, зокрема, в Південній Каліфорнії, де власники давали волю творчим поривам, створюючи гігантські ексцентричні конструкції — від сов, ляльок і свиней. Їхній символічний задум був простодушним, але історія залишила їх на узбіччі. Однак за останні 40 років архітектурні аномалії Каліфорнії відновили своє значення і тепер святкуються в цих оновлених зборах будівель California Crazy. Крім того, California Crazy включає програмне есе Девіда Гебхарда, який майже сорок років тому визначив цей вернакулярний напрямок. Поняття California Crazy розширено та включає житлову архітектуру, ексцентричну рекламну символіку та автомобіль як об'єкт фантазії.
    кешбек від 327 ₴
    -5%

    “Once there was a nation that went to war, але по тому, що вони позбавлялися континенту їх own country, був відбитий по атомних бомбах... then victors imposed democracy on the vanquished. Для групи прихильників архітекторів, артистів, і дизайнерів, led by visionary, dire situation of their country не був автентичністю, але inspiration to plan and think... однак вони були дуже різними characters, архітектори працювали глибоко до того, щоб зробити їх dreams, постійно підтримується як super-creative bureaucracy and an activist state... Після 15 років з incubation, вони порушили світ з новою архітектурою-Метаболізм-що підтримує radical makeover of entire land... Там newspapers, магазини, і телебачення беруть архітекторів в heroes: thinkers and doers, thoroughly modern men… Через шерсть hard work, discipline, і integration всіх форм creativity, їх Country, Japan, became a shining example... коли олія кризи започаткована наприкінці West, архітектори Japan простягаються над світом, щоб розпізнати спостереження по post-Western aesthetic....” -Rem Koolhaas / Hans Ulrich Obrist Between 2005 and 2011, architect Rebr members of Metabolism-first non-Western avant-garde, launched в Tokyo в 1960, в midst of Japan's postwar miracle. Project Japan features hundreds of never-before-seen images-master plans from Manchuria to Tokyo, intimate snapshots of metabolists в роботі та play, архітектурні моделі, художні зображень, і оздоблення sci-fi urban visions-telling її архітектура. З tabula rasa з колонізованих Manchuria в 1930-х, звільнений Japan після війни, і становлення Metabolism at 1960 World Design Conference в Tokyo до Rise Kisho Kurokawa як перший юрист architect, в Osaka, і його expandion в Middle East and Africa в 1970s: result is vivid documentary of last moment when architecture was public rather than private affair. Орал історії з Рем Koolhaas і Hans Ulrich Obrist Extensive interviews з Arata Isozaki, Toshiko Kato, Kiyonori Kikutake, Noboru Kawazoe, Fumihiko Maki, Kisho Kurokawa, Kenji Ekuan, Atsushi Shimokobe, і Takako і Norita «Колись існувала нація, яка вступила у війну, але після того, як вона завоювала цілий континент, її власна країна була знищена атомними бомбами. потім переможці нав'язали переможеним демократію. Для групи учнів-архітекторів, художників та дизайнерів, очолюваних візіонером, відчайдушний стан їхньої країни став не перешкодою, а джерелом натхнення для планування та роздумів. хоча вони були дуже різними за характером, архітектори тісно працювали разом, щоб реалізувати свої мрії, за активної підтримки надкреативної бюрократії та діяльної держави… після 15 років інкубації вони вразили світ новою архітектурою — метаболізмом, яка пропонувала радикальну перебудову всієї країни… Потім газети, журнали та телебачення перетворили архітекторів на героїв: мислителів і практиків, справді сучасних людей… Завдяки наполегливій праці, дисципліні та інтеграції всіх форм творчості їх країна, Японія, стала сяючим прикладом. коли нафтова криза ознаменувала кінець Заходу, японські архітектори розійшлися по всьому світу, щоб визначити контури постзахідної естетики…» — Рем Колхас / Ханс Ульріх Обрист У період з 2005 по 2011 рік архітектор Рем Колхас і куратор не західного авангарду, що виник у Токіо в 1960 році, у розпал післявоєнного японського економічного дива. Project Japan включає сотні зображень, що раніше не публікувалися - генеральні плани від Маньчжурії до Токіо, особисті знімки метаболістів за роботою і в неформальній обстановці, архітектурні макети, журнальні вирізки і вражаючі науково-фантастичні міські бачення, - розповідаючи історію Японії XX століття через призму її архітектури. 1930-х років, зруйнованої після війни Японії і заснування руху «Метаболізм» на Всесвітній конференції з дизайну 1960 року в Токіо — до піднесення Кісе Курокави як першого «зоряного» архітектора, апофеозу метаболізму на виставці Expo '70 в Осаці та його поширення на Блі. У результаті перед нами яскравий документ останнього моменту, коли архітектура була суспільною, а не приватною справою. Усна історія Рема Колхаса і Ханса Ульріха Обриста. Великі інтерв'ю з Аратою Ісодзакі, Тосіко Като, Кієноорі Кікутаке, Нобору Кавадзое, Фуміхіко Макі, Кісе Курокавай, Кендзі Екваном, Ацусі Сімокоте, Такако і Нора. зображень, архітектурних моделей
    кешбек від 164 ₴
    -15%

    кешбек від 164 ₴
    -15%

    Sky-high, ornate, і pinnacle of glamour, both restrictive and liberating, art object and deeply ordinary, shoes tell the story of shifting attitudes toward desire, power, and wealth throughout history. Протягом для туристів через most enviable shoe closet from the permanent collection at the Museum at the Fashion Institute of Technology-and 4 centers of fashion's hardest working accessory. Відображають дизайни від світла Louis Vuitton, Salvatore Ferragamo, Chanel, Gucci, Saint Laurent, Roger Vivier, Christian Louboutin, і більше, Shoes A-Z. Збірка музеїв на FIT відомих фестивалях's most revolutionary and coveted labels з більше 400 стилів selected from the Museum's pristinely preserved collection. Texts from Daphne Guinness, Valerie Steele, Colleen Hill, і The Museum's expert team of curators explore unique legacy of each of featured designers and the lasting cultural impact of the shoe. Також виглядає як поряд з роботами дизайнерів, як ілюстратор Robert Nippoldt. Exclusive access to original sketches, advertisements, and photographs from the designers’ private archives further illuminate the genius behind the functional, sculptural delights we cannot live without. Небувалої висоти, прикрашені та уособлюючі гламур, що одночасно обмежують та звільняють, будучи одночасно художнім об'єктом та повсякденною річчю, взуття розповідає історію мінливих уявлень про бажання, владу та багатство протягом століть. Приготуйтеся до подорожі по найзавиднішому взуттєвому гардеробі з постійної колекції Музею при Інституті моди та технологій — і за чотирма століттями розвитку найпрацьовитішого аксесуара моди.Представляючи моделі від Louis Vuitton, Salvatore Ferragamo, Chanel, Gucci, Saint Laurent A-Z. The Collection of The Museum at FIT віддає данину найреволюційнішим і найбажанішим модним брендам, демонструючи понад 400 моделей, відібраних із бездоганно збереженої колекції музею. Тексти Дафни Гіннесс, Валері Стіл, Коллін Хілл та команди кураторів музею розкривають унікальну спадщину кожного з представлених дизайнерів та довготривалий культурний вплив взуття. Також представлені авторські портрети дизайнерів від ілюстратора Роберта Ніппольдта. Ексклюзивний доступ до оригінальних ескізів, рекламних матеріалів та фотографій з особистих архівів дизайнерів ще глибше розкриває геній, що стоїть за функціональними та скульптурними об'єктами, без яких неможливо уявити наше життя.
    кешбек від 198 ₴
    -20%

    Петро Lindbergh і Azzedine Alaia, photographer і couturier, були спрямовані на їхню love of black, love that they would cultivate alike in silver print and solid color color garments. Ліндберг неухильно кинувся в чорне і біле, щоб підтвердити його вишукування для вірогідності в faces я brought до світла. Alaia drew на monochrome timeless clothes для створення справжніх скульптур для тіла. У цій knihe, unique dialogue між двома артистами є immortalized в print. Ілюструючи свою громадськість spirit, її зображення є відкриття їх художніх партнерів і випробувань до своїх history-making achievements in photography and fashion. Неприпустимо їх geographically одержували оригіни, Lindbergh і Alaia pursued подібні horizons. На той час як Lindbergh's reputation в Німеччині був зростаючий тільки до його роботи в Stern magazine, і він набув його студію в Парижі в 1978, Alaia був кутуєр зламався в discretion, який має важливу технологію, Couture. Alaia became architect of bodies, revealing і unveiling them, коли Lindbergh distinguished them by shining a light on their soul and personality. Step by step, they became the creators that dominated their respective disciplines. Both rejected any artifice що distracted від їх true subject, і це є з великою їжею, що вони біжать один за одним з величезних collaborations. Shared inspirations and aesthetic values are visible через свою роботу. На пляжі в Le Touquet і streets of old Paris reference mutual love of black and white cinema and vast panoramas. Замок технічного закладу ілюструє пам'ятник промислового німецького ландшафту для одного і повідомлень про необмежену партію для функціонального дизайну і архітектури, що випливає з інших. Alaia's clothes act as pedestals for smiles and eyes of women who wear them: Nadja Auermann, Mariacarla Boscono, Naomi Campbell, Anna Cleveland, Dilone, Lucy Dixon, Vanessa Duve, Helene Fischer, Pia Frithiof, Jade Jag Koester, Ariane Koizumi, Yasmin Le Bon, Madonna, Kristen McMenamy, Tatjana Patitz, Linda Spierings, Tina Turner, Marie-Sophie Wilson, Lindsey Wixson. Для Lindbergh, який побудував свої notoriety на зображеннях цих супермоделей, вірогідність своїх треків є всі, що матір. Результатом є potent black and white catalogue, що перетворюється з truthfulness and beauty. З відношеннями до Fabrice Hergott, директора Musee d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paolo Roversi, photographer, та Olivier Saillard, художньої історії та директора Фонду Azzedine Alaia, Paris. Peter Lindbergh і Azzedine Alaia, фотограф та кутюр'є, були об'єднані своєю любов'ю до чорного — любов'ю, яку вони втілювали як у сріблястому друкі, так і в одязі глибоких монохромних відтінків. Ліндберг знову і знову звертався до чорно-білої фотографії, прагнучи через неї висловити свій пошук справжності в особах, які він розкривав. Алайя використав монохром вічних силуетів, створюючи справжні скульптури для тіла. У цій книзі унікальний діалог між двома художниками увічнений на сторінках. Відбиваючи їхню духовну спорідненість, представлені зображення стають святкуванням їхнього творчого партнерства і свідченням їх епохальних досягнень у фотографії і моді. У той час як репутація Ліндберга в Німеччині зростала завдяки його роботі для журналу Stern, і він відкрив свою студію в Парижі в 1978 році, Алайя залишався потайним кутюр'є, чиї віртуозні техніки були цінним секретом серед найважливіших клієнтів Високої моди.Алайя став архітектором тіл, розкриваючи висвітлюючи душу та особистість моделей. Поступово вони стали творцями, які домінували у своїх дисциплінах. Обидва відкидали будь-яке прикраса, що відволікало від їхнього справжнього предмета, і легко знаходили спільну мову, створюючи безліч потужних спільних проектів. Загальні джерела натхнення та естетичні цінності видно у всій їхній творчості. Пляж у Ле-Туку та вулиці старого Парижа відсилають до їхньої спільної любові до чорно-білого кіно та широких панорам. Фон машинного відділу ілюструє пам'ять про індустріальний німецький пейзаж для одного і відображає незмірну пристрасть до функціонального дизайну та архітектури в іншого. Одяг Алайї стає п'єдесталом для усмішок і очей жінок, які його носять: Надя Ауерман, Маріакарла Босконо, Наомі Кемпбелл, Анна Клівленд, Ділон, Люсі Діксон, Ванесса Дюве, Хелен Фішер, Піа Фрітіоф, Джейд Джаггер, Марія Джонсон, Марія Джонсон Коїдзумі, Ясмін Ле Бон, Мадонна, Крістен Макменамі, Тетяна Патіц, Лінда Спірінгс, Тіна Тернер, Марі-Софі Вілсон, Ліндсі Віксон. Для Ліндберга, який створив свою популярність на знімках цих супермоделей, важливою була лише справжність їхніх рис. Результат - потужний чорно-білий каталог, що вібрує правдо
    кешбек від 198 ₴
    -20%

    Key contributor to Nouveau Realisme in early 1960s Paris, Niki de Saint Phalle (1930-2002) працював поміж артистами, як Arman, Yves Klein, і Jean Tinguely, шпиляючи реальні предмети в місці традиційних архітектурних матеріалів. Це з'єднує мистецтво для життя з інструментальними домашніми статтями, машинними частинами, і навіть очима для своїх ранніх assemblages. Saint Phalle створений її перший карабель, або Tir, в 1961, і йти на кінець цих заходів в таких різних місцях як Impasse Ronsin в Парижі, займається в Амстердамі, в Sandpit mimo Stockholm, і в Malibu Hills. Reliefs зроблені з пластику, маленькі предмети, фарби, wood, і wire були зроблені з букетів з gun. Ця kniha дає введення в Saint Phalle's work, highlighting деякі з його найбільш важливих contributions до 20th century art. З наповнених матусьми до harbingers of death, його створені soculptures, що відбулися і повідомлені статевої форми в роботах, як Pink Birth (1964) і Hon En Kathedral (1966). Він також використовує реальні життєві фігури як inspiration: її ранні Nana sculptures are named after the artist's women friends and family members. Ваша довжина розширила свою практику до фільмів, як Daddy (1973), артистів books, включаючи AIDS: Ви можете котити його холдингу Hands (1987), і tarot garden, monumental sculpture park з фігурами зображені на 22 намічених cards de major arca Destiny. Ключова учасниця руху Nouveau Realisme у Парижі початку 1960-х років, Нікі де Сен Фаль (1930–2002) працювала поряд з такими художниками, як Арман, Ів Кляйн та Жан Тенглі, використовуючи знайдені реальні предмети замість традиційних художніх матеріалів. Вона поєднувала мистецтво з життям, перетворюючи побутові речі, деталі механізмів і навіть іграшки на елементи своїх ранніх асамбляжів. У 1961 році Сен Фаль створила свою першу «стріляючу картину» - Tir, і потім проводила ці перформанси в різних місцях: на вулиці Імпас Ронсен в Парижі, в саду в Амстердамі, в пісочниці під Стокгольмом і в пагорбах Малібу. Рельєфи з гіпсу, невеликих об'єктів, фарби, дерева і дроту пробивалися кулями з вогнепальної зброї. Від матерів, що народжують, до провісників смерті — вона створювала скульптури, які одночасно прославляли і оголювали жіноче тіло, як у роботах Pink Birth (1964) і Hon En Kathedral (1966). Вона також використовувала реальних людей як натхнення: її ранні скульптури Нана названі на честь подруг і членів сім'ї художниці. Пізніше вона розширила свою практику, створюючи фільми, такі як Daddy (1973), арт-книги, включаючи AIDS: You Can't Catch it Holding Hands (1987), а також Сад Таро - монументальний парк скульптур, фігури якого засновані на 22 старших арканах Таро, карм.
    кешбек від 198 ₴
    -20%

    У минулому 1964, photographer Harry Benson ув'язнено з photo editor editorу London's Daily Express, який поставив його до закриття Beatles' trip to Paris. Вона була починати кар'єру-defining відносини, які будуть мати Benson's name і виготовляють деякі з most intimate photographs ever taken of the Beatles. У Парижі, Benson зображений на Fab Four в середньому пильний бой в Джорджі V Hotel, в нескінченний момент, який біжить до епітомізації spirit of the band—Benson himself has called it the best shot of his career. Останній, що рік, він написав групу на британці для свого запису США. Tour, documenting їх appearance на The Ed Sullivan Show, їх помітний обліковий запис з Cassius Clay, і hysteria of New York Beatlemania. Benson також робив фотографію Джорджа Harrison's honeymoon в Barbados, documented the Beatles on set of their debut movie A Hard Day's Night, і був present on the now infamous 1966 tour when John Lennon said that the Beatles були “more popular than Jesus. Цей покет-залежний editing brings back the best of Benson's luminous black-and-white Beatles portfolio. Досліджено quotes і новини кліпи від періоду, введення в фотографіях йогоself adds exciting особистих тестів до цих iconic images greatest band in musical history. На початку 1964 року фотограф Гаррі Бенсон отримав дзвінок від фоторедактора London's Daily Express, який попросив його висвітлити поїздку "Бітлз" до Парижа. Це стало початком визначальних кар'єру відносин, які зробили ім'я Бенсона і принесли одні з найінтимніших фотографій, коли-небудь зроблених групи. Сам Бенсон називав цей знімок найкращим у своїй кар'єрі. Пізніше того ж року він супроводжував групу під час їхнього дебютного туру США, документуючи їх участь у The Ed Sullivan Show, несподівану зустріч з Кассіусом Клеєм та істерію нью-йоркської бітломанії. Бенсон також фотографував медовий місяць Джорджа Харрісона на Барбадосі, працював з «Бітлз» на зйомках їх дебютного фільму A Hard Day's Night і був присутній під час сумнозвісного туру 1966 року, коли Джон Леннон заявив, що «Бітлз популярніший за Ісуса». чорно-білого портфоліо про «Бітлз». Доповнені цитатами та газетними вирізками на той час, вони супроводжуються вступом самого фотографа, яке додає особисті свідчення до цих культових зображень найбільшої групи історія музики.
    кешбек від 155 ₴

    Decades’ worth of images have been distilled down to 512 pages of photographs in this ultimate retrospective collection of Nobuyoshi Araki's work, selected by the artist himself. First published as a Limited Edition and now back in a new format to celebrate TASCHEN’s 40th anniversary, the curation delves deep into Araki’s best-known imagery: Tokyo street scenes; faces and foods; colorful, sensual flowers; female genitalia; and the Japanese art of kinbaku, or bondage. As girls lay bound but defiant and glistening petals assume suggestive shapes, Araki plays constantly with patterns of subjugation and emancipation, death and desire and with the slippage between serene image and shock. Describing his bondage photographs as “a collaboration between the subject and the photographer”, Araki seeks to come closer to his female subjects through photography, emphasizing the role of spoken conversation between himself and the model. In his native Japan, he has attained cult status for many women who feel liberated by his readiness to photograph the expression of their desire.