Стать партнером
Мобильное приложение
Помощь
RU
Профиль
Вишлисты
Все акции
Открыть карту
Женщинам
Мужчинам
Субсидий
Кешбэк
Обувь
Потрібнички
Детям
Дом
Наше
Белье
Аксессуары
Спорт
Красота
Premium
triangle
Найдено 237 товаров

Art books

x artart creation скетчбукскетчбук art creation
Вид
кешбэк от 16 ₴
-5%

Since the dawn of modernism, visual and music production have had a particularly intimate relationship. From Luigi Russolo’s 1913 Futurist manifesto L’Arte dei Rumori (The Art of Noise) to Marcel Duchamp’s 1925 double-sided discs Rotoreliefs, the 20th century saw ever more fertile exchange between sounds and shapes, marks and melodies, and different fields of composition and performance. In Francesco Spampinato’s unique anthology of artists’ record covers, we discover the rhythm of this particular cultural history. The book presents 450 covers and records by visual artists from the 1950s through to today, exploring how modernism, Pop Art, Conceptual Art, postmodernism, and various forms of contemporary art practice have all informed this collateral field of visual production and supported the mass distribution of music with defining imagery that swiftly and suggestively evokes an aural encounter. Along the way, we find Jean-Michel Basquiat’s urban hieroglyphs for his own Tartown record label, Banksy’s stenciled graffiti for Blur, and a skewered Salvador Dali butterfly on Jackie Gleason’s Lonesome Echo. There are insightful analyses and fact sheets alongside the covers listing the artist, performer, album name, label, year of release, and information on the original artwork. Interviews with Tauba Auerbach, Shepard Fairey, Kim Gordon, Christian Marclay, Albert Oehlen, and Raymond Pettibon add personal accounts on the collaborative relationship between artists and musicians. About the series TASCHEN is 40! Since we started our work as cultural archaeologists in 1980, TASCHEN has become synonymous with accessible publishing, helping bookworms around the world curate their own library of art, anthropology, and aphrodisia at an unbeatable price. Today we celebrate 40 years of incredible books by staying true to our company credo. The 40 series presents new editions of some of the stars of our program-now more compact, friendly in price, and still realized with the same commitment to impeccable production. Со времен зарождения модернизма визуальное и музыкальное творчество находились в особенно близких отношениях. От футуристического манифеста Луиджи Руссоло «Искусство шума» («L'Arte dei Rumori») 1913 года до двухсторонних дисков «Роторельефы» Марселя Дюшана 1925 года - в XX веке происходил все более плодотворный обмен между звуками и формами, знаками и мелодиями, различными областями композиции и исполнения.В уникальной антологии Франческо Спампинато, посвященной обложкам пластинок художников, мы открываем для себя ритм этой особой культурной истории. В книге представлено 450 обложек и пластинок визуальных художников с 1950-х годов до наших дней. Мы исследуем, как модернизм, поп-арт, концептуальное искусство, постмодернизм и различные формы современной художественной практики привнесли в эту сопутствующую область визуального производства и поддержали массовое распространение музыки с помощью определяющих образов, которые быстро и настойчиво вызывают слуховое восприятие.Попутно мы находим городские иероглифы Жана-Мишеля Баския для его собственного звукозаписывающего лейбла Tartown, трафаретные граффити Бэнкси для Blur и перекошенную бабочку Сальвадора Дали на альбоме Джеки Глисона Lonesome Echo. Рядом с обложками представлены подробные аналитические обзоры и фактологические справки с указанием артиста, исполнителя, названия альбома, лейбла, года выпуска и информации об оригинальном художественном оформлении. Интервью с Таубой Ауэрбах, Шепардом Фейри, Кимом Гордоном, Кристианом Марклеем, Альбертом Оэленом и Раймоном Петтибоном рассказывают об отношениях сотрудничества между художниками и музыкантами.О серииКомпании TASCHEN исполнилось 40 лет! С тех пор как в 1980 году мы начали свою работу в качестве культурных археологов, TASCHEN стал синонимом доступной издательской деятельности, помогая книжным червям по всему миру создавать свою собственную библиотеку искусства, антропологии и афродизии по непревзойденной цене. Сегодня мы отмечаем 40 лет невероятных книг, оставаясь верными своему кредо. В серии «40» представлены новые издания некоторых звезд нашей программы - более компактные, по более доступной цене, но выполненные с тем же стремлением к безупречному производству.
кешбэк от 40 ₴
-5%

In a fleeting 14-year period between two world wars, Germany's Bauhaus School of Art and Design changed the face of modernity. With utopian ideas for the future, the school developed a pioneering fusion of fine art, craftsmanship, and technology, which they applied across media and practices from film to theater, sculpture to ceramics. This book is made in collaboration with the Bauhaus-Archiv/Museum fur Gestaltung in Berlin, the world's largest collection on the history of the Bauhaus. Some 550 illustrations including architectural plans, studies, photographs, sketches, and models record not only the realized works but also the leading principles and personalities of this idealistic creative community through its three successive locations in Weimar, Dessau, and Berlin. From informal shots of group gymnastics to drawings guided by Paul Klee, from extensive architectural plans to an infinitely sleek ashtray by Marianne Brandt, the collection brims with the colors, materials, and geometries that made up the Bauhaus vision of a "total" work of art. As we approach the Bauhaus centennial, this is a defining account of its energy and rigor, not only as a trailblazing movement in modernism but also as a paradigm of art education, where creative expression and cutting-edge ideas led to simultaneously functional and beautiful creations. Featured artists include Josef Albers, Marianne Brandt, Walter Gropius, Gertrud Grunow, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe, and Lilly Reich. За короткий 14-летний период между двумя мировыми войнами немецкая школа искусства и дизайна Баухауз изменила облик современности. С утопическими идеями о будущем школа разработала новаторский сплав изобразительного искусства, мастерства и технологий, который применялся во всех сферах - от кино до театра, от скульптуры до керамики. Эта книга составлена в сотрудничестве с Bauhaus-Archiv/Museum fur Gestaltung в Берлине, крупнейшей в мире коллекцией по истории Баухауза. Около 550 иллюстраций, включая архитектурные планы, этюды, фотографии, эскизы и модели, рассказывают не только о реализованных работах, но и о ведущих принципах и личностях этого идеалистического творческого сообщества на протяжении трех сменявших друг друга периодов его существования - в Веймаре, Дессау и Берлине. От неформальных снимков групповой гимнастики до рисунков Пауля Клее, от обширных архитектурных планов до бесконечно изящной пепельницы Марианны Брандт - коллекция наполнена цветами, материалами и геометрией, которые составляли представление Баухауза о «полном» произведении искусства. В преддверии столетнего юбилея Баухауза эта коллекция является определяющим свидетельством его энергии и строгости не только как движения, прокладывающего путь в модернизме, но и как парадигмы художественного образования, где творческое самовыражение и передовые идеи приводили к созданию одновременно функциональных и красивых творений. Среди художников - Йозеф Альберс, Марианна Брандт, Вальтер Гропиус, Гертруд Грунов, Пауль Клее, Людвиг Мис ван дер Роэ и Лилли Райх.
кешбэк от 10 ₴
-5%

The sense of a scene: Pieter Bruegel’s mastery of composition and community The great Flemish painter Pieter Bruegel the Elder (c. 1526/31-1569) was an astoundingly inventive painter and draftsman, who made his art historical mark with beautiful, evocative landscapes as well as religious subjects, both notable for their vernacular language and attention to everyday, contemporary life.Immersing himself in rural or small-town communities, Bruegel is particularly notable for his depiction of peasant experience and folk culture, earning the artist nickname “Peasant Bruegel.” Whether hunters shivering in the snow or a boisterous country fair, Bruegel raised the farming, festivals, gatherings, and games of peasant culture to the status of high art. Bruegel’s imposing religious and moral subjects, meanwhile, such as The Triumph of Death and The Tower of Babel are as awestriking and influential today as they were in the 16th century, inspiring contemporary culture from The Lord of the Rings cinematic battle scenes to Don DeLillo’s novel Underworld. From the corn harvest to the conversion of Saul, from quaint wedding processions to Christ’s road to Calvary, this book brings together the rich range of Bruegel’s subjects to introduce his powerful compositions of both biblical and earthly tableaux. About the Series:Each book in TASCHEN’s Basic Art series features: a detailed chronological summary of the life and oeuvre of the artist, covering his or her cultural and historical importance a concise biography approximately 100 illustrations with explanatory captions Ощущение сцены: мастерство Питера Брейгеля в композиции и изображении сообщества Великий фламандский художник Питер Брейгель Старший (ок. 1526/31–1569) был удивительно изобретательным живописцем и рисовальщиком, который оставил свой след в истории искусства благодаря прекрасным, выразительным пейзажам, а также религиозным сюжетам, отличающимся народным языком и вниманием к повседневной современной жизни.Погрузившись в жизнь сельских и провинциальных общин, Брейгель особенно прославился своими изображениями крестьянской жизни и народной культуры, что принесло художнику прозвище «Крестьянский Брейгель». Будь то дрожащие от холода охотники в снегу или шумная деревенская ярмарка, Брейгель возвысил сельское хозяйство, праздники, собрания и игры крестьянской культуры до уровня высокого искусства. В то же время, впечатляющие религиозные и моральные сюжеты Брейгеля, такие как «Триумф смерти» и «Вавилонская башня», сегодня вызывают такое же благоговейное восхищение и имеют такое же влияние, как и в XVI веке, вдохновляя современную культуру от кинематографических сцен сражений в «Властелине колец» до романа Дона Делилло «Подземный мир». От сбора урожая кукурузы до обращения Саула, от причудливых свадебных процессий до пути Христа на Голгофу — эта книга объединяет богатый спектр тем Брейгеля, чтобы представить его мощные композиции как библейских, так и земных сцен. О серии:Каждая книга из серии «Basic Art» издательства TASCHEN содержит:подробное хронологическое изложение жизни и творчества художника с освещением его культурного и исторического значения;краткую биографию;около 100 иллюстраций с пояснительными подписями.
кешбэк от 16 ₴
-5%

A book that gets under the skin in every sense, containing hundreds of vivid photographs of intricate anatomical waxworks, created more than two centuries ago to astounding levels of accuracy. The models were intended to advance medical understanding at a time when scientific curiosity and intellectual fervor were sweeping Europe. Housed in Florence’s La Specola museum, which opened its doors in 1775 to visitors of all social classes-itself a visionary notion at the time-, the specimens have served as both educational tools and objects of public fascination ever since. Each model is a unique fusion of art and science, meticulously crafted to reveal the hidden wonders of the human body. From detailed musculature to finely rendered organs, they serve as a testament to the skill and dedication of their creators, names like Gaetano Giulio Zumbo and Clemente Susini, who achieved incredible accuracy centuries before body imaging technologies came about. An extended essay on the history of the collection and the museum explains how the models were commissioned and produced-some required as many as 200 corpses for reference-and each chapter has a text explaining the human anatomy in lay terms. Today, La Specola’s collection offers a rare glimpse into the ambition and artistry of a past era, when society began pursuing knowledge with zeal and sharing it widely. This compelling book invites all fans of natural history to marvel at these relics of our scientific heritage, treasures that continue to inspire for their beauty, realism, and enduring contribution to human understanding. Книга, которая проникает под кожу во всех смыслах, содержит сотни ярких фотографий сложнейших анатомических восковых фигур, созданных более двух столетий назад с поразительной точностью. Эти модели были призваны продвинуть медицинское знание в эпоху, когда научное любопытство и интеллектуальный подъём охватывали Европу. Размещённые во флорентийском музее Ла Спекола, открывшем свои двери в 1775 году для посетителей всех социальных слоёв — само по себе революционное решение на тот момент, — они с тех пор служат и учебными инструментами, и объектами общественного восхищения.Каждая модель — уникальное сочетание искусства и науки, созданное с кропотливой тщательностью, чтобы показать скрытые чудеса человеческого тела. От детальной мускулатуры до тончайшей проработки органов — они служат свидетельством мастерства и преданности своих создателей, таких как Гаэтано Джулио Зумбо и Клементе Сузини, достигших невероятной точности за столетия до появления технологий визуализации тела.Расширенное эссе об истории коллекции и музея объясняет, как заказывались и создавались эти модели — некоторые из них требовали до 200 тел для изучения — а каждая глава сопровождается текстом, объясняющим анатомию человека простыми словами.Сегодня коллекция Ла Спеколы предлагает редкую возможность заглянуть в амбиции и искусность ушедшей эпохи, когда общество с энтузиазмом стремилось к знаниям и широко делилось ими. Эта захватывающая книга приглашает всех любителей естественной истории восхищаться этими реликвиями нашего научного наследия — сокровищами, которые продолжают вдохновлять своей красотой, реалистичностью и неизменным вкладом в понимание человека.
кешбэк от 50 ₴
-5%

Defining Decadence The legacy of Gustav Klimt A century after his death, Viennese artist Gustav Klimt (1862-1918) still startles with his unabashed eroticism, dazzling surfaces, and artistic experimentation. This monograph gathers all of Klimt's major works alongside authoritative art historical commentary and privileged access to the artist's archive with some 179 letters, cards, writings, and other documents. With top quality illustration, including new photography of the celebrated Stoclet Frieze, the book follows Klimt through his prominent role in the Secessionist movement of 1897, his candid rendering of the female body, and his lustrous "golden phase" when gold leaf brought a shimmering tone and texture to such beloved works as The Kiss and Portrait of Adele Bloch-Bauer I, also known as The Woman in Gold. Through luminous spreads and carefully curated details, the monograph traces the repertoire of Japanese, Byzantine, and allegorical stimuli that informed Klimt's flattened perspectives, his symbolic vocabulary, and his mosaic-like textures. Drawing upon contemporary critics and voices, the book also examines the art world's polarized reception to Klimt's pictures as much as his own stylistic trajectory. From his landscape painting to erotic works to the controversial ceiling for the Great Hall of the University of Vienna, we see how Klimt's admixture of tradition and daring divided the press and public, becried by some as a pornographer, hailed by others as a modern maestro. Определяя декаданс Наследие Густава Климта Спустя столетие после своей смерти венский художник Густав Климт (1862-1918) по-прежнему поражает своим неприкрытым эротизмом, ослепительными поверхностями и художественными экспериментами. В этой монографии собраны все основные работы Климта, а также авторитетные искусствоведческие комментарии и привилегированный доступ к архиву художника, содержащему около 179 писем, открыток, записей и других документов. Благодаря высококачественным иллюстрациям, включая новую фотографию знаменитого фриза Штокле, книга прослеживает путь Климта через его выдающуюся роль в движении сецессионистов 1897 года, его откровенную передачу женского тела и его блестящую «золотую фазу», когда сусальное золото придало мерцающий тон и текстуру таким любимым работам, как «Поцелуй» и «Портрет Адель Блох-Бауэр I», также известный как «Женщина в золоте». Через светящиеся развороты и тщательно подобранные детали монография прослеживает репертуар японских, византийских и аллегорических стимулов, которые легли в основу уплощенных перспектив Климта, его символического словаря и мозаичных текстур. Опираясь на мнение современных критиков, книга также рассматривает полярную реакцию мира искусства на картины Климта, а также его собственную стилистическую траекторию. От его пейзажной живописи до эротических работ и спорного потолка для Большого зала Венского университета - мы видим, как смесь традиций и смелости Климта разделила прессу и публику. Одни осуждали его как порнографа, другие приветствовали как современного маэстро.
кешбэк от 10 ₴
-5%

glasgow styl: жизнь и работа glasgow school pioneer, Charles Rennie MackintoshScottish architect, designer, и painter Charles Rennie Mackintosh (1868–1928) был один из earliest pioneers of modern architecture and design. While he never received major recognition в его домашнем городе Glasgow, его белый слой simplity и poetic details inspired modernists across Europe. Его multi-faceted oeuvre оборудованы архитектурой, архитектурой, graphic design, landscapes, and flower studies. Он укрепляет сильные линии, современные модели, и природные motivy, сочетая здравоохранение japonisme with modernist sensibility for function. Это preferred bold black typography, затруднены shapes, и бег, generous windows suffusing rooms with light.Mackintosh's projects in Glasgow включает в себя известные Willow Tearooms, private residence Windyhill and The Hill House, и Mackintosh Build considered его masterwork. Множество его работы было colabortive practice with wife, fellow artist Margaret Macdonald. В 1999 году в 1998 году в 1999 году в 2011 году в Глосгове коллекция называется “The Four”; другие два были Margaret's sister, Frances, and ее husband, Herbert MacNair.On континент, этот “Глазорский стиль” был met with delight. В Италии, Германии, и, в особенности, Austria, артисты из Вьеннской церемонии и Art Nouveau drew much from its rectilinear, yet lyrical, forms. В этой introductory book, ми в Маккинтос's практики природного мистецтва, архітектури, і дизайну, щоб explorovat свою особливу комбинацию статуи и чувства и его значительную influence на модернистском expression across Europe.
кешбэк от 16 ₴
-5%

Frank Frazetta has reigned as the undisputed king of fantasy art for 50 years, his fame only growing in the years since his death. With his paintings now breaking auction records (Egyptian Queen sold for $ 5.4 million in 2019) he’s long overdue for this ultimate monograph.Born to a Sicilian immigrant family in Brooklyn, 1928, Frazetta was a minor league athlete, petty criminal and serial seducer with movie star looks and phenomenal talent. He claimed to only make art when there was nothing better to do – he preferred playing baseball - yet began his professional career in comics at age 16. Strip work led him to the infamous EC Comics, then to oils for Tarzan and Conan pulp covers. Both characters were interpreted by many before him, but as he explained in the 1970s, “I’m very physical minded. In Brooklyn, I knew Conan, I knew guys just like him,” and he used this first-hand knowledge of muscle and macho to redefine fantasy heroes as more massive, more menacing, more testosterone-fueled than anything seen before. As counterbalance he created a new breed of women, nude as censorship allowed, with pixie faces and multiparous bodies: thick thighed, heavy buttocked, breasts cantilevered out to there, yet still, with their soft bellies and hints of cellulite, believably real. Add in the action, the creatures, the twilit worlds of haunting shadow and Frazetta’s art is addictive as potato chips.About the AuthorDan Nadel is curator-at-large for the Manetti Shrem Museum of Art at the University of California, Davis, and a contributor to the New York Review of Books and Artforum. Nadel’s books and exhibitions include Peter Saul: Professional Artist Correspondence 1945–1976 (2020), Chicago Comics, 1960s to Now at the Museum of Contemporary Art Chicago (2021), and the forthcoming biography of Robert Crumb (Scribner, 2024). He lives and works in Brooklyn, New York.Zak Smith is an artist whose work is included in several public collections including The Museum of Modern Art, New York; The Saatchi Gallery, London; and The Whitney Museum of American Art. He is the author of several books, writes a regular column for Artillery magazine and lives and works in Los Angeles.Dian Hanson is a senior editor and writer for TASCHEN, with over 50 books to her credit. In addition to ARNOLD, her recent works include The Art of Pin-up, Masterpieces of Fantasy Art, and The Fantastic Worlds of Frank Frazetta. Фрэнк Фразетта был бесспорным королем фэнтези-искусства на протяжении 50 лет, и его слава только росла в годы после его смерти. Его картины бьют рекорды на аукционах (в 2019 году «Египетская королева» была продана за 5,4 миллиона долларов), и ему давно пора выпустить монографию. Фразетта родился в семье сицилийских иммигрантов в Бруклине в 1928 году и был спортсменом из мелкой лиги, мелким преступником и серийным соблазнителем с внешностью кинозвезды и феноменальным талантом. Он утверждал, что занимается искусством только тогда, когда ему нечем заняться - он предпочитал играть в бейсбол, - но профессиональную карьеру в комиксах начал в 16 лет. Работа над полосами привела его в печально известный EC Comics, а затем к маслам для обложек Тарзана и Конана. Оба персонажа были интерпретированы многими до него, но, как он объяснял в 1970-х годах, «я очень физически развит». В Бруклине я знал Конана, я знал таких же парней, как он», и он использовал это знание мускулов и мачо из первых рук, чтобы переосмыслить фэнтезийных героев как более массивных, более грозных, более насыщенных тестостероном, чем все, что было раньше. В противовес он создал новую породу женщин, обнаженных настолько, насколько позволяла цензура, с пикси-лицами и многопарными телами: толстые бедра, тяжелые ягодицы, выпирающие груди, но все же, с их мягкими животами и намеками на целлюлит, правдоподобно реальные. Добавьте к этому действие, существ, мрачные миры с призрачными тенями, и искусство Фразетты начнет вызывать привыкание, как картофельные чипсы.Об автореДэн Нейдел - куратор по совместительству Музея искусств Манетти Шрем при Калифорнийском университете в Дэвисе, а также автор New York Review of Books и Artforum. Среди книг и выставок Наделя - «Питер Сол: Профессиональная переписка художников 1945-1976» (2020), „Чикагские комиксы, 1960-е - настоящее время“ в Музее современного искусства Чикаго (2021), а также готовящаяся к изданию биография Роберта Крамба (Scribner, 2024). Он живет и работает в Бруклине, Нью-Йорк.Зак Смит - художник, чьи работы находятся в нескольких публичных коллекциях, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке, галерею Саатчи в Лондоне и Музей американского искусства Уитни. Он является автором нескольких книг, ведет регулярную колонку в журнале Artillery, живет и работает в Лос-Анджелесе.Диана Хансон - старший редактор и писатель компании TASCHEN, на ее счету более 50 книг. Помимо ARNOLD, среди ее последних работ - «Искусство пин-ап», «Шедевры фэнтези-арта» и «Фантастические миры Фрэнка Фразетты».
кешбэк от 10 ₴
-5%

A key figure in the international avant-garde, Piet Mondrian (1872–1944) was at once an extraordinary painter and leading art theoretician whose influence resonates to this day. Coining the term “Neo-plasticism”, he pursued a style of painting composed only of primary colors against a grid of black vertical and horizontal lines and a white base background. Mondrian’s vision was that this essential painting would help to achieve a society in which art as such has no place, but rather exists for the total realization of “beauty.” With stints in Amsterdam, Paris, London, and New York, Mondrian drew upon the modern metropolis and modern music, especially jazz, as points of inspiration. In 1917, he cofounded De Stijl, originally a publication, and subsequently a circle of practitioners, committed to a strictly geometrical art of horizontals and verticals. With key works and succinct texts, this introductory book presents Mondrian's distinctive and pioneering oeuvre, an abiding inspiration for fashion, art, architecture, and design, from White Stripes album covers to Yves Saint Laurent dresses. Ключевая фигура международного авангарда, Пит Мондриан (1872–1944) был одновременно выдающимся художником и ведущим теоретиком искусства, чьё влияние ощущается и по сей день. Создав термин «неопластицизм», он стремился к стилю живописи, состоящему исключительно из основных цветов на фоне сетки из чёрных вертикальных и горизонтальных линий и белой основы.Видение Мондриана заключалось в том, что такая «основополагающая живопись» поможет достичь общества, в котором искусство как таковое не занимает отдельного места, а существует ради полного воплощения «красоты». Живя и работая в Амстердаме, Париже, Лондоне и Нью-Йорке, он черпал вдохновение в образе современного мегаполиса и в современной музыке, особенно в джазе. В 1917 году он стал соучредителем движения De Stijl, которое начиналось как публикация, а затем превратилось в объединение практиков, приверженных строго геометрическому искусству горизонталей и вертикалей.В этом вводном издании представлены ключевые работы Мондриана и краткие тексты, раскрывающие его самобытное и новаторское наследие, которое и сегодня остаётся источником вдохновения для моды, искусства, архитектуры и дизайна — от обложек альбомов White Stripes до платьев Ива Сен-Лорана.
кешбэк от 40 ₴
-5%

A city built on two millennia of history, Paris is entering the third century of its love story with photography.It was on the banks of the Seine that Niepce and Daguerre officially gave birth to this new art that has flourished ever since, developing a distinctive language and becoming a vital tool of knowledge. Paris: Portrait of a City leads us through what Goethe described as a “universal city where every step upon a bridge or a square recalls a great past, where a fragment of history is unrolled at the corner of every street.” The history of Paris is recounted in photographs ranging from Daguerre’s early incunabula to the most recent images-an almost complete record of over a century and a half of transformations and a vast panorama spanning more than 600 pages and 500 photographs. This book brings together the past and the present, the monumental and the everyday, objects and people. Images captured by the most illustrious photographers-Daguerre, Marville, Atget, Lartigue, Brassai, Kertesz, Ronis, Doisneau, Cartier-Bresson, and many more-but also by many unknown photographers, attempt to bottle just a little of that “Parisian air,” something of that particular poetry given out by the stones and inhabitants of a constantly changing city that has inspired untold numbers of writers and artists over the ages. Presenting an exciting patchwork of images from past and present, Paris: Portrait of a City is a huge and unique photographic study that, in a way, is the true family album of all Parisians. It is to them, and to all lovers of this capital city, that this vibrant, loving, and tender testimony is dedicated. Город, построенный на двух тысячелетиях истории, Париж вступает в третий век своей истории любви с фотографией. Именно на берегах Сены Ньепс и Дагерр официально подарили жизнь этому новому искусству, которое с тех пор процветает, развивая свой особый язык и становясь важнейшим инструментом познания.Paris: Portrait of a City ведёт нас по тому, что Гёте называл «универсальным городом, где каждый шаг на мосту или площади напоминает о великом прошлом, где на каждом углу улицы разворачивается фрагмент истории». История Парижа рассказывается через фотографии — от ранних инкунабул Дагерра до самых свежих снимков, представляя собой почти полную летопись полутора веков преобразований и грандиозную панораму на более чем 600 страницах и 500 фотографиях. Эта книга объединяет прошлое и настоящее, монументальное и повседневное, вещи и людей. Снимки, сделанные самыми знаменитыми фотографами — Дагерром, Марвилем, Атже, Лартигом, Брассаи, Кертесом, Ронисом, Дуанно, Картье-Брессоном и многими другими, а также множеством неизвестных авторов, — пытаются уловить хотя бы частицу того «парижского воздуха», ту особую поэзию, которую излучают камни и жители вечно меняющегося города, вдохновившего бесчисленное множество писателей и художников на протяжении веков.Представляя захватывающий калейдоскоп образов прошлого и настоящего, Paris: Portrait of a City — это обширное и уникальное фотопроизведение, которое в каком-то смысле является настоящим семейным альбомом всех парижан. Оно посвящено им, а также всем любителям этой столицы — как яркое, любящее и трепетное свидетельство.
кешбэк от 10 ₴
-5%

Over the course of his artistic career, Wassily Kandinsky (1866–1944) transformed not only his own style, but the course of art history. From early figurative and landscape painting, he went on to pioneer a spiritual, emotive, rhythmic use of color and line and is today credited with creating the first purely abstract work.As much a teacher and theorist as he was a practicing artist, Kandinsky’s interests in music, theater, poetry, philosophy, ethnology, myth, and the occult, were all essential components to his painting and engraving. He was involved with both the influential Blaue Reiter and Bauhaus groups and left a legacy not only of dazzling visual work, but also of highly influential treatises such as Concerning the Spiritual in Art. Key tenets included the connections between painting, music and mystical experience, and the purification of art away from material realism and towards an emotional expression, condensed in particular by color.This book presents key Kandinsky works to introduce his repertoire of vivid colors, forms, and feelings. Tracing the artist’s radical stylistic development, it shows how one painter’s progression paved the way for generations of abstract expression to come. На протяжении своей художественной карьеры Василий Кандинский (1866–1944) преобразил не только собственный стиль, но и ход истории искусства. От ранних фигурных и пейзажных картин он перешёл к духовному, эмоциональному, ритмическому использованию цвета и линии и сегодня считается создателем первой чисто абстрактной работы. Будучи не только практикующим художником, но и педагогом и теоретиком, Кандинский интересовался музыкой, театром, поэзией, философией, этнологией, мифологией и оккультизмом — всё это было неотъемлемыми составляющими его живописи и гравюры. Он был связан как с влиятельной группой «Синий всадник», так и с Баухаусом, оставив в наследие не только ослепительные визуальные работы, но и чрезвычайно влиятельные трактаты, такие как «О духовном в искусстве». Ключевые положения включали связи между живописью, музыкой и мистическим опытом, а также очищение искусства от материального реализма в сторону эмоционального выражения, особенно сконцентрированного в цвете. Эта книга представляет ключевые работы Кандинского, чтобы познакомить с его репертуаром ярких цветов, форм и чувств. Прослеживая радикальное стилевое развитие художника, она показывает, как путь одного живописца проложил дорогу поколениям абстрактного выражения.
кешбэк от 10 ₴
-5%

Art is for Everybody: The artist as activistOne of the key figures in the New York art world of the 1980s, Keith Haring (1958–1990) created a signature style that blended street art, graffiti, Pop, and cartoon elements to unique, memorable effect. With thick black outlines, bright colors, and kinetic figures, his public (and occasionally illegal) interventions, sculptures, and works on canvas and paper have become instantly recognizable icons of 20th century visual culture.From his first chalk drawings in the New York City subway stations, to his renowned “Radiant Baby” symbol, and his commissions for Swatch Watch and Absolut Vodka, Haring’s work was both emblematic of the manic work ethic of 1980s New York, yet distinctive for its social-awareness. Belying their bright, playful aesthetics, his pieces often tackled intensely controversial socio-political issues, including racism, capitalism, religious fundamentalism, and the increasing impact of AIDS on New York’s gay community, the latter foreshadowing his own death from the disease in 1990.In this vivid introduction to Haring’s work, we explore the dynamic life and innovative spirit of this singular artist, who spent little more than a decade in the spotlight, but through the accessibility of his visual vocabulary and the strength of his political commitment became one of the most significant artists to emerge from New York’s vibrant, downtown community.About the series:Each book in TASCHEN’s Basic Art series features: a detailed chronological summary of the life and oeuvre of the artist, covering his or her cultural and historical importance a concise biography approximately 100 illustrations with explanatory captions Искусство для всех: Художник как активистОдна из ключевых фигур нью-йоркского мира искусства 1980-х годов, Кит Харинг (1958-1990) создал фирменный стиль, в котором смешались стрит-арт, граффити, поп-музыка и элементы карикатуры, создав уникальный, запоминающийся эффект. Благодаря толстым черным контурам, ярким цветам и кинетическим фигурам, его публичные (а иногда и незаконные) интервенции, скульптуры и работы на холсте и бумаге стали мгновенно узнаваемыми иконами визуальной культуры XX века.От его первых рисунков мелом на станциях нью-йоркского метро до знаменитого символа «Лучезарный ребенок» и заказов для Swatch Watch и Absolut Vodka - работы Харинга одновременно олицетворяли маниакальную рабочую этику Нью-Йорка 1980-х годов и отличались социальной осведомленностью. За яркой, игривой эстетикой его работ часто скрывались противоречивые социально-политические проблемы, включая расизм, капитализм, религиозный фундаментализм и растущее влияние СПИДа на нью-йоркское сообщество геев, причем последнее предвещало его собственную смерть от этой болезни в 1990 году.В этом ярком введении в творчество Харинга мы исследуем динамичную жизнь и новаторский дух этого необычного художника, который провел в центре внимания чуть больше десяти лет, но благодаря доступности своего визуального словаря и силе своей политической приверженности стал одним из самых значительных художников, вышедших из оживленной нью-йоркской общины даунтауна.О серии:В каждой книге серии «Основы искусства» от TASCHEN представлены:подробное хронологическое изложение жизни и творчества художника, охватывающее его культурное и историческое значениекраткая биографияоколо 100 иллюстраций с пояснительными подписями
кешбэк от 10 ₴
-5%

An icon of 1980s New York, Jean-Michel Basquiat (1960–1988) first made his name under the graffiti tag “SAMO,” before establishing his studio practice and catapulting to fast fame at the age of 20. Although his career lasted barely a decade, he remains a cult figure of artistic social commentary, and a trailblazer in the mediation of graffiti and gallery art.Basquiat’s work drew upon diverse sources and media to create an original and urgent artistic vocabulary, biting with critique against structures of power and racism. His practice merged abstraction and figuration, poetry and painting, while his influences spanned Greek, Roman, and African art, French poetry, jazz,and the work of artistic contemporaries such as Andy Warhol and Cy Twombly. The results are vivid, visceral mixtures of words, African emblems, cartoonish figures, daubs of bold color, and beyond.This book presents Basquiat’s short but prolific career, his unique style, and his profound engagement with ever-relevant issues of integration and segregation, poverty and wealth.About the seriesBorn back in 1985, the Basic Art Series has evolved into the best-selling art book collection ever published. Each book in TASCHEN’s Basic Art series features:a detailed chronological summary of the life and oeuvre of the artist, covering his or her cultural and historical importancea concise biographyapproximately 100 illustrations with explanatory captions Икона Нью-Йорка 1980-х годов Жан-Мишель Баския (1960-1988) впервые заявил о себе под граффити-тегом «SAMO», а затем основал свою студию и быстро прославился в возрасте 20 лет. Хотя его карьера длилась всего десять лет, он остается культовой фигурой художественного социального комментария и первопроходцем в посредничестве граффити и галерейного искусства.В своих работах Баския использовал различные источники и средства массовой информации, чтобы создать оригинальный и актуальный художественный словарь, язвительно критикуя структуры власти и расизм. В его творчестве соединились абстракция и фигуративность, поэзия и живопись, а влияние оказали греческое, римское и африканское искусство, французская поэзия, джаз и творчество таких современников, как Энди Уорхол и Сай Туомбли. В результате получились яркие, тягучие смеси слов, африканских эмблем, карикатурных фигур, смелых цветовых пятен и не только.Эта книга рассказывает о короткой, но плодотворной карьере Баскии, его уникальном стиле и глубоком взаимодействии с постоянно актуальными проблемами интеграции и сегрегации, бедности и богатства.О серииСерия «Основы искусства», родившаяся в 1985 году, превратилась в самую продаваемую коллекцию книг по искусству из когда-либо изданных. Каждая книга серии «Основы искусства» от TASCHEN содержит:подробный хронологический обзор жизни и творчества художника, охватывающий его культурное и историческое значениекраткая биографияоколо 100 иллюстраций с пояснительными подписями
кешбэк от 13 ₴
-5%

Clothes define people. A person’s attire, whether it’s a sari, kimono, or business suit, is an essential code to his or her culture, class, personality, even faith. Founded in 1978, the Kyoto Costume Institute recognizes the importance of understanding clothes from sociological, historical, and artistic perspectives. With one of the world’s most extensive clothing collections, the KCI has amassed a wide range of historical garments, underwear, shoes, and fashion accessories dating from the 18th century to the present day. Showcasing the Institute’s vast collection, Fashion History is a fascinating excursion through the last three centuries of clothing trends. Featuring impeccable photography of clothing expertly displayed and arranged on custom-made mannequins, it is a testimony to attire as “an essential manifestation of our very being” and to the Institute's passion for fashion as a complex and intricate art form. The book's authors include some of the smartest minds and sharpest eyes in fashion studies: Akiko Fukai (Chief Curator of The Kyoto Costume Institute), Tamami Suoh (Curator of The Kyoto Costume Institute), Miki Iwagami (Lecturer of fashion history at Sugino Fashion College (Tokyo)), Reiko Koga (Professor of fashion history at Bunka Women’s University), and Rie Nii (Associate Curator of The Kyoto Costume Institute). Одежда определяет людей. Одежда человека, будь то сари, кимоно или деловой костюм, является неотъемлемым кодом его культуры, класса, личности и даже веры. Основанный в 1978 году Киотский институт костюма признает важность понимания одежды с социологической, исторической и художественной точек зрения. Обладая одной из самых обширных в мире коллекций одежды, KCI собрал широкий спектр исторических предметов одежды, нижнего белья, обуви и модных аксессуаров, начиная с XVIII века и до наших дней. Выставка «История моды», демонстрирующая обширную коллекцию Института, - это увлекательный экскурс в последние три столетия модных тенденций. Книга содержит безупречные фотографии одежды, искусно выставленной и разложенной на изготовленных на заказ манекенах, и является свидетельством того, что одежда - «важнейшее проявление нашей сущности», а также страсти Института к моде как к сложной и запутанной форме искусства. Среди авторов книги - одни из самых умных умов и самых зорких глаз в области изучения моды: Акико Фукаи (главный хранитель Института костюма Киото), Тамами Суох (хранитель Института костюма Киото), Мики Ивагами (преподаватель истории моды в колледже моды Сугино (Токио)), Рейко Кога (профессор истории моды в женском университете Бунка) и Рие Нии (младший хранитель Института костюма Киото).
кешбэк от 10 ₴
-5%

Pain and passion: The original and intimate art of Mexico’s most famous female painter The arresting pictures of Frida Kahlo (1907–54) were in many ways expressions of trauma. Through a near-fatal road accident at the age of 18, failing health, a turbulent marriage, miscarriage and childlessness, she transformed the afflictions into revolutionary art.In literal or metaphorical self-portraiture, Kahlo looks out at the viewer with an audacious glare, rejecting her destiny as a passive victim and rather intertwining expressions of her experience into a hybrid surreal-real language of living: hair, roots, veins, vines, tendrils and fallopian tubes. Many of her works also explore the Communist political ideals which Kahlo shared with Rivera. The artist described her paintings as “the most sincere and real thing that I could do in order to express what I felt inside and outside of myself.”This book introduces a rich body of Kahlo’s work to explore her unremitting determination as an artist, and her significance as a painter, feminist icon, and a pioneer of Latin American culture. About the Series:Each book in TASCHEN’s Basic Art series features: a detailed chronological summary of the life and oeuvre of the artist, covering his or her cultural and historical importance a concise biography approximately 100 illustrations with explanatory captions Боль и страсть: Оригинальное и интимное искусство самой знаменитой художницы МексикиЗахватывающие картины Фриды Кало (1907-54) во многом стали выражением травмы. Дорожная авария, едва не приведшая к летальному исходу в возрасте 18 лет, подорванное здоровье, бурный брак, выкидыши и бездетность - все эти страдания она превратила в революционное искусство.В буквальном или метафорическом автопортрете Кало смотрит на зрителя дерзким взглядом, отвергая свою судьбу пассивной жертвы и переплетая выражения своего опыта в гибридный сюрреально-реальный язык жизни: волосы, корни, вены, лозы, усики и фаллопиевы трубы. Многие из ее работ также посвящены коммунистическим политическим идеалам, которые Кало разделяла с Риверой. Художница описывала свои картины как «самое искреннее и реальное, что я могла сделать, чтобы выразить то, что я чувствовала внутри и снаружи себя».Эта книга знакомит с богатым набором работ Кало, исследуя ее непреклонную целеустремленность как художника, а также ее значение как художницы, иконы феминизма и пионера латиноамериканской культуры.О серии:Каждая книга серии «Основы искусства» от TASCHEN содержит:подробное хронологическое изложение жизни и творчества художника, охватывающее его культурное и историческое значениекраткая биографияоколо 100 иллюстраций с пояснительными подписями
кешбэк от 33 ₴
-5%

The Mediterranean is surrounded by three continents – Europe, Africa and Asia – and even though the cultures around this sea are highly diverse, they harmoniously share a pleasant climate, distinctive flora and fauna, and not least the intense blue of the water. Angelika Taschen set out in search of the most beautiful hotels on a great variety of coasts, islands and beaches, taking you on a journey to the luxurious Hotel du Cap-Eden-Roc and the ultra-chic Les Roches Rouges on the Cote d’Azur, to the little-known Pardini’s Hermitage on the Italian island of Giglio, which is only accessible by boat or on foot, and to Bodrum in Turkey, where the elegant Amanruya resort lies hidden in one of the most stunning bays in the Mediterranean. She also presents new hotel concepts, great architecture and creative design – for example the finca Menorca Experimental on the Balearic Islands, the modernist Villa Dubrovnik in Croatia and Dexamenes on the Peloponnese, where new life was breathed into decommissioned wine tanks. Further highlights are the brand-new, stylishly designed Mezzatorre on Ischia and the Torre di Cala Piccola with its enchanting private beach on the Argentario peninsula in Tuscany, an almost unknown location that possesses the aura of 1960s Italy. Another real gem is La Locanda del Barbablu, with just five rooms in the shadow of the mythical volcano on Stromboli. Look forward to staying at the Nord-Pinus in Tangier with its fantastic view of the Strait of Gibraltar, and the charming Coco-Mat Eco Residences on Serifos, or experiencing the originality of Ammos on Crete, where the art and design are as essential as the sun and the beach! Средиземное море окружено тремя континентами — Европой, Африкой и Азией — и, несмотря на огромное разнообразие культур вокруг этого моря, они гармонично разделяют приятный климат, характерную флору и фауну и, не в последнюю очередь, насыщенную синеву воды.Анджелика Ташен отправилась на поиски самых красивых отелей на различных побережьях, островах и пляжах, приглашая вас в путешествие в роскошный Hotel du Cap-Eden-Roc и ультрашикарный Les Roches Rouges на Лазурном берегу, в малоизвестный Pardini’s Hermitage на итальянском острове Джильо, куда можно добраться только на лодке или пешком, а также в Бодрум в Турции, где элегантный курорт Amanruya скрыт в одной из самых впечатляющих бухт Средиземного моря. Она также представляет новые концепции отелей, выдающуюся архитектуру и креативный дизайн — например, finca Menorca Experimental на Балеарских островах, модернистскую Villa Dubrovnik в Хорватии и Dexamenes на Пелопоннесе, где в бывшие винные резервуары вдохнули новую жизнь.Среди дальнейших жемчужин — совершенно новый, стильно оформленный Mezzatorre на Искье и Torre di Cala Piccola с её очаровательным частным пляжем на полуострове Арджентарио в Тоскане — почти неизвестное место, сохраняющее ауру Италии 1960-х годов. Ещё одна настоящая находка — La Locanda del Barbablu, всего с пятью комнатами в тени мифического вулкана на Стромболи. С нетерпением ждите пребывания в Nord-Pinus в Танжере с его фантастическим видом на Гибралтарский пролив, в очаровательных Coco-Mat Eco Residences на Серифосе или уникального опыта в Ammos на Крите, где искусство и дизайн столь же важны, как солнце и пляж!
кешбэк от 13 ₴
-5%

Timberland The wooden structures of the 21st century Not so very long ago, some might have considered wood a material of the past, long since replaced by more modern components such as concrete and steel. The truth is radically different. Bolstered by new manufacturing techniques and ecological benefits, wood has seen a fabulous resurgence in contemporary construction.This Bibliotheca Universalis edition explores how architects around the world have created and invented with this elementary material. Featuring follies, very large buildings, and ambitious urban renewal schemes, it celebrates the diverse deployment of wood by architects around the world. We see how wood can at once transform urban spaces, as in the Metropol Parasol in Seville by Jurgen Mayer H., and allow for sensitive interventions in natural environments, such as at the Termas Geometricas Hot Springs Complex in Pucon, Chile, by German del Sol.True to all TASCHEN architecture titles, the book pays tribute to many emerging international talents as well as to such renowned figures as Tadao Ando to Renzo Piano. It celebrates each architect’s vision and innovation, as well as investigating the techniques, trends, and principles that have informed their work with wood. It examines the computer guided milling that has allowed for novel new forms, the responsible harvesting that allows wood to align with our environmental concerns, and, above all, wood’s enduring appeal to our senses and psyche, comforting hectic modern lives with a sense of Arcadian simplicity.About the series:Bibliotheca Universalis— Compact cultural companions celebrating the eclectic TASCHEN universe at an unbeatable, democratic price!Since we started our work as cultural archaeologists in 1980, the name TASCHEN has become synonymous with accessible, open-minded publishing. Bibliotheca Universalis brings together nearly 100 of our all-time favorite titles in a neat new format so you can curate your own affordable library of art, anthropology, and aphrodisia.Bookworm’s delight — never bore, always excite!Text in English, French, and German TimberlandДеревянные конструкции XXI векаЕщё совсем недавно кто-то мог бы считать дерево материалом прошлого, давно вытесненным современными компонентами, такими как бетон и сталь. Правда же совершенно иная. Благодаря новым производственным технологиям и экологическим преимуществам дерево переживает великолепное возрождение в современном строительстве.Это издание серии Bibliotheca Universalis исследует, как архитекторы по всему миру создают и изобретают с использованием этого элементарного материала. Здесь представлены как малые архитектурные формы, так и масштабные здания и амбициозные проекты городского обновления, демонстрирующие разнообразие применения дерева архитекторами разных стран. Мы видим, как дерево способно преобразить городские пространства, как в проекте Metropol Parasol в Севилье Юргена Майера Х., и обеспечить деликатное вмешательство в природную среду, как в термальном комплексе Termas Geometricas в Пуконе, Чили, спроектированном Германом дель Соль.Верно традиции архитектурных изданий TASCHEN, книга отдает дань уважения как новым международным талантам, так и признанным мастерам — от Тадао Андо до Ренцо Пьяно. Она показывает видение и инновации каждого архитектора, а также исследует техники, тенденции и принципы, лежащие в основе их работы с деревом. Рассматривается компьютерное фрезерование, позволившее создавать новые формы, ответственная заготовка древесины, соответствующая экологическим задачам, и, прежде всего, неугасающая привлекательность дерева для наших чувств и психики, наполняющая напряжённую современную жизнь ощущением аркадской простоты.О серии:Bibliotheca Universalis — компактные культурные спутники, представляющие эклектичную вселенную TASCHEN по непревзойдённой демократичной цене!С 1980 года, когда мы начали свою работу как культурные археологи, имя TASCHEN стало синонимом доступного и открытого книгоиздания. Bibliotheca Universalis объединяет почти 100 наших любимых изданий в удобном формате, чтобы вы могли создать собственную доступную библиотеку искусства, антропологии и афродизии.Праздник для книголюба — никогда не скучно, всегда захватывающе!Текст на английском, французском и немецком языках
кешбэк от 33 ₴
-5%

At the age of six, Salvador Dali (1904–1989) wanted to be a cook. At the age of seven, he wanted to be Napoleon. “Since then,” he later said, “my ambition has steadily grown, and my megalomania with it. Now I want only to be Salvador Dali, I have no greater wish.” Throughout his life, Dali was out to become Dali: that is, one of the most significant artists and eccentrics of the 20th century. This weighty volume is the most complete study of Dali’s painted works ever published. After years of research, Robert Descharnes and Gilles Neret located painted works by the master that had been inaccessible for years?so many, in fact, that almost half the featured illustrations appear in public for the first time in this book. More than a catalogue raisonne, this book contextualizes Dali’s oeuvre and its meanings by examining contemporary documents, from writings and drawings to material from other facets of his work, including ballet, cinema, fashion, advertising, and objets d’art. Without these crutches to support analysis, the paintings would simply be a series of many images. The study is divided into two parts: the first examines Dali’s beginnings as an unknown artist. We witness how the young Dali deployed all the isms?Impressionism, Pointillism, Cubism, Fauvism, Purism and Futurism?with playful mastery, and how he would borrow from prevailing trends before ridiculing and abandoning them. The second part unveils the conclusions of Dali’s lifelong inquiries, as well as the great legacy he left in works such as Tuna Fishing (1966/67) or Hallucinogenic Toreador (1970). It includes previously unpublished homages to Velazquez or Michelangelo, painted to the same end as the variations on past masters done by his contemporary, Picasso. We discover how, motivated by the desire to tease out the secrets of great works and become a Velazquez of the mid-20th century, Dali became Dali. В шесть лет Сальвадор Дали (1904-1989) хотел стать поваром. В семь лет он хотел стать Наполеоном. «С тех пор, - говорил он позднее, - мои амбиции неуклонно росли, а вместе с ними и мания величия. Теперь я хочу быть только Сальвадором Дали, у меня нет большего желания». Всю свою жизнь Дали стремился стать Дали: то есть одним из самых значительных художников и эксцентриков XX века.Этот увесистый том - самое полное исследование живописных работ Дали из когда-либо опубликованных. После многолетних исследований Робер Дешарн и Жиль Нере нашли работы мастера, которые были недоступны в течение многих лет? Их так много, что почти половина иллюстраций впервые появляется в этой книге.Эта книга, больше чем просто каталог, контекстуализирует творчество Дали и его значения, рассматривая современные документы, от писаний и рисунков до материалов, относящихся к другим аспектам его творчества, включая балет, кино, моду, рекламу и предметы искусства. Без этих костылей для поддержки анализа картины были бы просто серией многочисленных изображений.Исследование разделено на две части: в первой рассматриваются начинания Дали как неизвестного художника. Мы видим, как молодой Дали с игривым мастерством использует все измы - импрессионизм, пуантилизм, кубизм, фовизм, пуризм и футуризм - и как он заимствует преобладающие тенденции, а затем высмеивает их и отказывается от них. Во второй части раскрываются выводы, к которым Дали шел всю жизнь, а также великое наследие, оставленное им в таких работах, как «Рыбалка на тунца» (1966/67) или «Галлюциногенный тореадор» (1970). В него вошли ранее не публиковавшиеся изображения Веласкеса или Микеланджело, написанные с той же целью, что и вариации на тему мастеров прошлого, созданные его современником Пикассо.Мы узнаем, как, движимый желанием разгадать секреты великих произведений и стать Веласкесом середины XX века, Дали стал Дали.
кешбэк от 10 ₴
-5%

With Salvador Dali as its figurehead, the great ship of Surrealism traversed the turbulent seas of the early 20th century with sails billowing with dreams and desires. Inspired by the psychoanalytical practice of Sigmund Freud, the Surrealists championed the unconscious as the domain of truth, uninhibited by the standards or expectations of society.With techniques ranging from hypnotism to nocturnal walks to automatic writing, the likes of Andre Breton, Max Ernst, Brassai, and Meret Oppenheim produced paintings, drawings, texts, and films in which they sought to excavate their most intimate and primal instincts. The results abound with sexual fantasies, with mysterious, menacing creatures, and with the juxtaposition of seemingly contradictory objects or ideas.This book introduces the origins and the sensational legacy of the Surrealist movement, one of the most profound and enduring influences on film, theater, literature, art, and thought.Featured artists: Hans Arp, Andre Breton, Giorgio de Chirico, Salvador Dali, Max Ernst, Alberto Giacometti, Paul Klee, Rene Magritte, Andre Masson, Matta, Joan Miro, Pablo Picasso, Meret Oppenheim, Yves Tanguy С Сальвадором Дали во главе, великий корабль сюрреализма пересёк бурные моря начала XX века с парусами, наполненными снами и желаниями. Вдохновлённые психоаналитической практикой Зигмунда Фрейда, сюрреалисты провозгласили бессознательное царством истины, свободным от стандартов и ожиданий общества. Используя такие методы, как гипноз, ночные прогулки и автоматическое письмо, Андре Бретон, Макс Эрнст, Брассай и Мерет Оппенгейм создавали картины, рисунки, тексты и фильмы, в которых стремились раскопать свои самые интимные и первобытные инстинкты. Результаты изобилуют сексуальными фантазиями, таинственными, угрожающими существами и сочетанием, казалось бы, противоречивых предметов или идей. Эта книга знакомит с истоками и сенсационным наследием движения сюрреализма — одного из самых глубоких и долговечных влияний на кино, театр, литературу, искусство и мышление. Представленные художники: Ханс Арп, Андре Бретон, Джорджо де Кирико, Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Альберто Джакометти, Пауль Клее, Рене Магритт, Андре Массон, Матта, Жоан Миро, Пабло Пикассо, Мерет Оппенгейм, Ив Танги.
кешбэк от 33 ₴
-5%

Nearly a century before Mondrian made geometrical red, yellow, and blue lines famous, 19th-century mathematician Oliver Byrne employed the color scheme for his 1847 edition of Euclid’s mathematical and geometric treatise Elements. Byrne’s idea was to use color to make learning easier and “diffuse permanent knowledge.” The result has been described as one of the oddest and most beautiful books of the 19th century. The facsimile of Byrne’s vivid publication is now available in a beautiful XL edition. A masterwork of art and science, it is as beautiful in the boldness of its red, yellow, and blue figures and diagrams as it is in the mathematical precision of its theories. In the simplicity of forms and colors, the pages anticipate the vigor of De Stijl and Bauhaus design. In making complex information at once accessible and aesthetically engaging, this work is a forerunner to the information graphics that today define much of our data consumption. За почти столетие до того, как Мондриан прославил геометрические линии красного, жёлтого и синего, математик XIX века Оливер Бирн применил эту цветовую схему в своём издании 1847 года математико-геометрического трактата Евклида «Начала». Идея Бирна заключалась в использовании цвета, чтобы облегчить обучение и «распространять устойчивые знания». Результат был описан как одна из самых странных и красивых книг XIX века.Факсимильное издание яркой публикации Бирна теперь доступно в прекрасном XL-формате. Этот шедевр искусства и науки столь же прекрасен смелостью своих красных, жёлтых и синих фигур и диаграмм, сколь и математической точностью своих теорий. В простоте форм и цветов страницы предвосхищают энергию дизайна Де Стейл и Баухауса. Делая сложную информацию одновременно доступной и эстетически привлекательной, эта работа стала предшественницей информационной графики, которая сегодня определяет большую часть нашего восприятия данных.
кешбэк от 10 ₴
-5%

Building the future The man with a modern mission Born Charles-Edouard Jeanneret, Le Corbusier (1887–1965) is widely acclaimed as the most influential architect of the 20th century. From private villas to mass social housing projects, his radical ideas, designs, and writings presented a whole-scale reinvention not only of individual structures, but of entire concepts of modern living. Le Corbusier’s work made distinct developments over the years, from early vernacular houses in Switzerland through dazzling white, purist villas to dynamic syntheses of art and architecture such as the chapel at Ronchamp and the civic buildings in Chandigarh, India. A hallmark throughout was his ability to combine functionalist aspirations with a strong sense of expressionism, as well as a broader and empathetic understanding of urban planning. He was a founding member of the Congres international d’architecture moderne (CIAM), which championed “architecture as a social art.” This book presents some of Le Corbusier’s landmark projects to introduce an architect, thinker, and modern pioneer who, even in his unrealized projects, offered discussion and inspiration for generations to come. Строя будущееЧеловек с миссией модернизмаРодившийся под именем Шарль-Эдуар Жаннере, Ле Корбюзье (1887–1965) по праву считается самым влиятельным архитектором XX века. От частных вилл до масштабных проектов социального жилья — его радикальные идеи, проекты и труды предложили полное переосмысление не только отдельных построек, но и самого понятия современного образа жизни.Творчество Ле Корбюзье претерпело заметную эволюцию: от ранних народных домов в Швейцарии до ослепительно белых пуристских вилл и далее — к динамичному синтезу искусства и архитектуры, таким как часовня в Роншане и общественные здания в Чандигархе, Индия. Его почерком всегда оставалось умение сочетать функционализм с выразительностью, а также глубокое, гуманное понимание градостроительства. Он был одним из основателей Congres international d’architecture moderne (CIAM) — Международного конгресса современной архитектуры, который отстаивал идею «архитектуры как социального искусства».Эта книга представляет некоторые из знаковых проектов Ле Корбюзье, знакомя читателя с архитектором, мыслителем и пионером модернизма, который даже в своих нереализованных замыслах вдохновлял и будет вдохновлять поколения.
кешбэк от 10 ₴
-5%

Henri Matisse (1869–1954) was a fighting spirit. Despite a cancer diagnosis in 1941, increasing frailty, and the confines of a wheelchair, the indomitable Frenchman never stopped in his quest to make art. With what he called une seconde vie, a second life, he embarked on a remarkable collage period, cutting and pasting pieces of colored paper into gouaches decoupees of birds, plants, flowers, and the female form.Emphasizing color and contrast, the cut-out technique generated both striking lines and vivid juxtapositions. In works such as Icarus (1943), The Blue Nude (1952), The Snail (1953), and The Sheaf (1953), clean forms and elemental structures power a compositional force that belies the work’s decorative appeal, at once tightly organized and infectious with joie de vivre. As his work progressed, Matisse’s excitement with his results fueled ever-larger pieces, advancing from small works to vast wall-sized murals.As his final years approached, Matisse reveled in the simplicity and brilliance of these pieces, avowing, “Only what I created after the illness constitutes my real self: free, liberated…” In this essential introductory book, we revisit this joyful final chapter of Matisse’s long and prodigious career, examining how the cut-outs encapsulated the artist’s many years exploring the possibilities of composition, form, and color. Анри Матисс (1869–1954) был человеком с боевым духом. Несмотря на диагноз рак в 1941 году, всё большую физическую слабость и прикованность к инвалидному креслу, неукротимый француз никогда не прекращал стремления создавать искусство. С тем, что он называл une seconde vie — «вторая жизнь», — он начал поразительный период коллажей, вырезая и наклеивая куски цветной бумаги, создавая gouaches decoupees с изображениями птиц, растений, цветов и женской фигуры. Подчёркивая цвет и контраст, техника вырезок рождала как выразительные линии, так и яркие сопоставления. В таких работах, как «Икар» (1943), «Синяя обнажённая» (1952), «Улитка» (1953) и «Сноп» (1953), чёткие формы и элементарные структуры создают композиционную силу, которая далеко выходит за рамки декоративности, будучи одновременно строго организованной и заражающей радостью жизни. По мере развития его творчества восторг Матисса от собственных результатов подпитывал всё более масштабные произведения, переходя от малых форм к монументальным настенным панно. В последние годы жизни Матисс наслаждался простотой и яркостью этих работ, утверждая: «Только то, что я создал после болезни, составляет моё истинное я: свободное, освобождённое…». В этой важной вводной книге мы возвращаемся к радостной финальной главе долгой и плодотворной карьеры Матисса, исследуя, как его вырезки воплотили в себе многолетние поиски художника в области композиции, формы и цвета.
кешбэк от 40 ₴
-5%

Earth’s Mightiest Heroes Assembling the definitive Marvel Age Avengers антология Byearly 1963 the foundations of the Marvel Universe had been laid. Подробности introduction of Fantastic Four in 1961 came the amazing (Spider-Man), astonishing (Ant-Man), strange (Doctor, что это), неустойчивый (Hulk), invincible (Iron Man) и mighty (Thor). Still, Marvel editor в chief Stan Lee прошел something был missing. “Я был писал эти черты и я думаю, що я можу fun to put them together in a team,” he recalled. Со Lee and artist Jack Kirby assembled Iron Man, Ant-Man и the Wasp, Thor, и Hulk к созданию Avengers. Right away it clear this team was different. If the Fantastic Four were family, then the Avengers were the co-workers you didn’t choose. Нет никакой готовности к Hulk fought with everyone, а трудиться разом з ними, щоб пошкодити боярышника Марвель's плохих ребят, как Локи, Kang the Conqueror, Masters of Evil, и Immortus. The lineup был едва changing: The Hulk departed, Captain America joined, и Ant-Man grew up to become Giant-Man. Это, remarkably, villains Hawkeye, Quicksilver, и Scarlet Witch became heroes—and Avengers—and the group’s founding members shockingly departed, leaving Captain America к вести их непревзойденное heroes. Relive the classic early adventures of Avengers Nos. 1–20 сейчас доступна как компактная торговая версия. TASCHEN has attempted to create an ideal representation of this books as they were produced at the time of publication. Большинство принадлежности, подчеркнутых коммуникации, должны были подвергнуть подъему и фотографировать для репродукции в продолжительной коллекции с ярлыком и проверенной гарантией компании. Ее страница должна быть digital remastered, используя современные методы реагирования к корректным проблемам с эрой inexpensive, imperfect printing—as if hot off a world-class 1960s printing press. Совместимость исторических памятников является оригинал для Марвел Studios President Kevin Feige a in-depth history by Eisner Award-winning writer Kurt Busiek, that's illustrated with original art, little-seen photographs, and rare documents. Это большое собрание о Earth's Mightiest Heroes is worthy of Tony Stark's library—or yours.
кешбэк от 10 ₴
-5%

The first-ever exhibition curated by Peter Lindbergh himself, shortly before his untimely death, Untold Stories at the Dusseldorf Kunstpalast served as a blank canvas for the photographer’s unrestrained vision and creativity. Given total artistic freedom, Lindbergh curated an uncompromising collection that sheds an unexpected light on his colossal oeuvre. This book offers an extensive, firsthand look at the highly personal collection.Renowned the world over, Lindbergh’s images have left an indelible mark on contemporary culture and photo history. Here, the photographer experiments with his own oeuvre and narrates new stories while staying true to his lexicon. In both emblematic and never-before-seen images, he challenges his own icons and presents intimate moments shared with personalities who had been close to him for years, including Nicole Kidman, Uma Thurman, Robin Wright, Jessica Chastain, Naomi Campbell, Charlotte Rampling and many more.This volume presents more than 100 photographs—many of them unpublished or short-lived, often having been commissioned by monthly fashion magazines such as Vogue, Harper’s Bazaar, Interview, Rolling Stone, W Magazine, or The Wall Street Journal. An extensive conversation between Lindbergh and Kunstpalast director Felix Kramer, as well as an homage by close friend Wim Wenders, offer fresh insights into the making of the collection. The result is an intimate personal statement by Lindbergh about his work.About the AuthorSince 2003, Felix Kramer has been the curator of many notable exhibitions and the author and editor of numerous publications on modern art. In 2013, he was named Chevalier of the Ordre des Arts et des Lettres. After working at the Hamburger Kunsthalle and the Stadel Museum in Frankfurt am Main, Kramer has been General Director of the Kunstpalast in Dusseldorf since October 2017.Director, author, and photographer Wim Wenders is one of the most prominent German filmmakers today. He is best known for Paris, Texas (1984), Wings of Desire (1987), Pina (2011), and The Salt of the Earth (2014), a documentary about Sebastiao Salgado which he co-directed. Many artists have been influenced by his works, among them his close friend, the late Peter Lindbergh.Peter Lindbergh (1944–2019) was a master of his craft who made his mark in the halls of photography history, with such credits as shooting the first American Vogue cover under Editor-in-Chief Anna Wintour, bringing together for the first time a group of young women who would become the ’90s supermodels. His work has been presented in solo exhibitions at Hamburger Bahnhof, the Berlin Museum for Contemporary Art, Bunkamura Museum of Art in Tokyo, the Pushkin Museum of Fine Arts in Moscow, and Kunstpalast in Dusseldorf. Первая в истории выставка, курируемая самим Питером Линдбергом незадолго до его безвременной кончины, «Нерассказанные истории» в дюссельдорфском Кунстпаласте послужила чистым холстом для безудержного видения и творчества фотографа. Получив полную художественную свободу, Линдберг создал бескомпромиссную коллекцию, которая проливает неожиданный свет на его колоссальное творчество. Эта книга предлагает обширный взгляд из первых рук на его личную коллекцию.Известные во всем мире снимки Линдберга оставили неизгладимый след в современной культуре и истории фотографии. Здесь фотограф экспериментирует с собственным творчеством и рассказывает новые истории, оставаясь верным своему лексикону. В знаковых и никогда ранее не публиковавшихся снимках он бросает вызов своим собственным иконам и представляет интимные моменты, разделенные с личностями, которые были близки ему на протяжении многих лет, включая Николь Кидман, Уму Турман, Робин Райт, Джессику Честейн, Наоми Кэмпбелл, Шарлотту Рэмплинг и многих других.В этом томе представлено более 100 фотографий - многие из них не публиковались или были сделаны в течение короткого времени, часто по заказу ежемесячных модных журналов, таких как Vogue, Harper's Bazaar, Interview, Rolling Stone, W Magazine или The Wall Street Journal. Обстоятельная беседа Линдберга с директором Кунстпаласта Феликсом Крамером, а также воспоминания близкого друга Вима Вендерса позволяют по-новому взглянуть на создание коллекции. В результате получилось интимное личное высказывание Линдберга о своей работе.Об автореС 2003 года Феликс Крамер является куратором многих известных выставок, а также автором и редактором многочисленных публикаций о современном искусстве. В 2013 году он был удостоен звания кавалера Ордена искусств и литературы. После работы в Гамбургском Кунстхалле и Музее Штадель во Франкфурте-на-Майне Крамер с октября 2017 года занимает должность генерального директора Кунстпаласта в Дюссельдорфе.Режиссер, автор и фотограф Вим Вендерс - один из самых выдающихся немецких кинематографистов современности. Он наиболее известен по фильмам «Париж, Техас» (1984), «Крылья желания» (1987), «Пина» (2011) и «Соль земли» (2014), документальному фильму о Себастьяо Сальгадо, одним из режиссеров
кешбэк от 33 ₴
-5%

Peak Pleasure Where to put your head down in Europe's most extensive mountain range The Alps are Europe’s biggest and greatest mountain range. Formed millions of years ago, they became a popular destination for travelers in the late eighteenth century – first for adventurers and explorers, then for artists and writers, and finally for everyone who wanted to spend summer in the fresh air of this wonderful scenery or take part in winter sports. Angelika Taschen has followed in their footsteps and collected the finest hotels in the Alpine nations of Germany, Austria, Switzerland, France, and Italy. They include the Kranzbach near Garmisch-Partenkirchen, built for a British aristocrat, Gasthof Hirschen in the Bregenzerwald, where art-loving visitors have been welcomed since 1755, and the Seehof near Salzburg with its emphasis on contemporary art and fine cuisine. The journey goes to the Schatzalp in Davos, which Thomas Mann immortalized in literature in “The Magic Mountain”, and to picturesque bed & breakfasts with a personal touch such as Brucke49 in Vals and Maison Bergdorf in Interlaken. High above Chamonix, mountaineers have stayed overnight for more than 140 years at Refuge du Montenvers with its view of the Mer de Glace, the largest glacier in France. In the exclusive Megeve, too, which Baroness Noemie de Rothschild put on the tourist map, travelers experience the Alps a la francaise in the chalet hotel L’Alpaga; and a bit of Italian dolce vita is provided by stunning addresses in the South Tyrol such as the Ottmangut in Merano, Villa Arnica in Lana with its nostalgic atmosphere, and Pension Briol near Barbiano, constructed in 1928 in the Bauhaus style and extended in 2021 with the addition of two extremely modern buildings. This opulent book of photographs presents the Alpine range and accommodation in large-format images, short texts, and useful details on prices and how to get there. Walkers, skiers, gourmets, and lovers of good living will find valuable tips and very special accommodation: former monasteries where guests still find peace and seclusion, a mountain hut at the heart of the Dolomites, and a youth hostel occupying what was once a sanatorium, a rare example of modern architecture in Switzerland that was declared a heritage monument in 2002. Пик удовольствияГде остановиться в самом обширном горном массиве ЕвропыАльпы — самый большой и величественный горный массив Европы. Сформировавшиеся миллионы лет назад, они стали популярным местом для путешественников в конце XVIII века — сначала для авантюристов и исследователей, затем для художников и писателей, и, наконец, для всех, кто хотел провести лето на свежем воздухе в окружении прекрасных пейзажей или заняться зимними видами спорта. Ангелика Ташен пошла по их стопам и собрала лучшие отели в альпийских странах: Германии, Австрии, Швейцарии, Франции и Италии.Среди них — отель Kranzbach недалеко от Гармиш-Партенкирхена, построенный для британского аристократа, Gasthof Hirschen в Брегенцервальде, где с 1755 года принимают гостей, любящих искусство, и Seehof недалеко от Зальцбурга, где особое внимание уделяется современному искусству и изысканной кухне. Путешествие продолжается в Шацальп в Давосе, который Томас Манн увековечил в литературе в «Волшебной горе», и в живописные отели типа «постель и завтрак» с индивидуальным подходом, такие как Brucke49 в Вальсе и Maison Bergdorf в Интерлакене.Высоко над Шамони альпинисты уже более 140 лет останавливаются на ночь в Refuge du Montenvers с видом на Мер-де-Глас, самый большой ледник Франции. В эксклюзивном Межеве, который баронесса Ноэми де Ротшильд внесла в туристическую карту, путешественники могут насладиться Альпами по-французски в шале-отеле L’Alpaga; а немного итальянской dolce vita можно почувствовать в потрясающих местах Южного Тироля, таких как Ottmangut в Мерано, Villa Arnica в Лане с ее ностальгической атмосферой и Pension Briol недалеко от Барбьяно, построенный в 1928 году в стиле баухаус и расширенный в 2021 году за счет добавления двух чрезвычайно современных зданий.Эта роскошная книга с фотографиями представляет альпийский хребет и места проживания в формате больших изображений, коротких текстов и полезных сведений о ценах и том, как туда добраться.Пешие туристы, лыжники, гурманы и любители хорошей жизни найдут здесь ценные советы и очень особенные места для проживания: бывшие монастыри, где гости по-прежнему могут найти покой и уединение, горную хижину в самом сердце Доломитовых Альп и молодежный хостел, расположенный в бывшем санатории, редком примере современной архитектуры в Швейцарии, который в 2002 году был объявлен памятником культурного наследия.