Стати партнером
Мобільний застосунок
Допомога
UA
Профіль
Вішлісти
Всі акції
Відкрити картку
Жінкам
Чоловікам
Субсидій
Кешбек
Взуття
Потрібнички
Дітям
Дім
Наше
Білизна
Аксесуари
Спорт
Краса
Premium
triangle
Знайдено 232 товари

Art books

x artart creation скетчбукскетчбук art creation
Вид
кешбек від 485 ₴
розстрочка
-29%
Вік Від 14 років / Аудиторія Для дітей
Хочеш додати унікальності та шарму своєму читальному куточку 📚? Ми пропонуємо ідеальне рішення — мініатюрний будиночок-букенд Book Nook DIY. Цей інтерєрний конструктор не лише захопить тебе, а й стане справжньою знахідкою для твоїх друзів-книголюбів, особливо якщо вони мають власну домашню бібліотеку. Завдяки винятковій деталізації меблів, декору та LED-підсвітці, цей букнунк створює атмосферу казковості як вдень, так і вночі, дозволяючи перенестися в крихітний паралельний світ. Особливою родзинкою є набір "Detective Agency Bookend", який є даниною творчості Артура Конан Дойля та його відомому детективу Шерлоку Холмсу. Уявіть, як цей ретельно спроектований мініатюрний куточок, що відтворює атмосферу агенції на Бейкер-стріт 221B, прикрашатиме вашу полицю. Крихітні меблі, детективні інструменти, старовинні прикраси та затишне світлодіодне підсвічування роблять цей комплект по-справжньому унікальним. Він не лише доповнить інтерєр, а й занурить вас у світ класичних детективів. Музичний механізм додає чарівності, створюючи атмосферу старого Лондона, де кожна деталь, від антикварних інтерєрів до звуків вулиць, оживляє сторінки улюблених творів. Цей мініатюрний світ можна створити власноруч, придбавши оригінальний набір "Famous Detective Agency". А як приємний бонус 🎁 від Simple Art — до комплекту ми додамо додаткові корисні аксесуари для зручного складання румбоксу. Ось що ви знайдете в оригінальному наборі: LED-підсвітка для створення чарівної атмосфери; паперові шаблони для вирізання деталей; мініатюрний клей (1 шт.); викрутка для зручного збирання; музичний механізм; пакети з деталями; інструкція англійською мовою з ілюстраціями (легка у використанні). А наш подарунковий комплект 🎁 включає: додатковий клей для надійного збирання; батарейки AA 1,5V (2 шт). Цей набір стане справжньою прикрасою для будь-якого шанувальника літератури та класичних детективів, даруючи не лише естетичне задоволення, а й справжнє занурення у світ улюблених героїв.
кешбек від 16 ₴

Ідея того, що climbing tree for shelter, або тільки для того, щоб бачити, що з іншої від думок, це як людство. У цьому неодноразово повідомленню, вивчити деякі наші арбітражні урочистості з найбільшим, бездоганним, і нав'язуючим будинками в центрі світу. structures, від househouse, restaurant, hotel, і children's playhouse до simple perches from which to contemplate life, enjoy the view, and discover that tree houses take as many forms as the imagination can offer. З величезними фотографіями і ілюстраціями, це є альтернативним життям, де граючий imagination може eco-sensitive finesse. Його Taschen Books включають Homes для нашого часу серії і monographs на численних архітекторів, включаючи Norman Foster, Tadao Ando, Renzo Piano, Jean Nouvel, і Zaha Hadid. Ідея забратися на дерево, щоб сховатись чи просто подивитися на землю з іншого боку, стара як людство. Від романтичних до сучасних, від знаменитих архітекторів до маловідомих майстрів - ви підніметеся на висоту, щоб відвідати всілякі споруди на деревах, від чайного будиночка, ресторану можна споглядати життя, насолоджуватися виглядом і виявити, що будинки на деревах набувають стільки форм, скільки може запропонувати уяву. Велика кількість чудових фотографій та ілюстрацій - це ода альтернативного життя, де грайлива уява поєднується з екологічною акуратністю. Серед його книг, виданих TASCHEN, - серія «Дома для нашого часу» та монографії про багатьох великих архітекторів, включаючи Нормана Фостера, Тадао Андо, Ренцо П'яно, Жана Нувеля та Заху Хадід.
кешбек від 16 ₴

“Як це є, Giger's art digs down в наших психологах і Touchs наші дуже глибокий prim ininscts and fears. Його арт stands в категорії його життя. Розбіжність цих речей в intensity його праці та imagination, які я може тільки подумати про Hieronymus Bosch і Francis Bacon в їхніх владах до сприяння і disturb.” - Ridley ScottSwiss artist HR Giger (1940–2014) є найбільш популярним для його створення космічного monster в Ridley Scott's 1979 року horror sci-fi film Alien, який здобув його Oscar. Yet this was just one of the best popular expressions of Giger's biomechanical arsenal of creatures, which consistently merged hybrids of human and machine in images haunting power and dark psychedelia. The visions drew on demons of the past, як добре, як evoking mythologies for the future. Або всі, вони ловлять вираз до загальних труднощів і fantasies свого літа: кілька атомів, пом'якшення і кинутих ресурсів, і майбутніх в яких наші body depend on machines for survival. це affordable anniversay edition pays homage to Giger's unique vision. Книжка показує повний ряд з Giger's життя і мистецтва, його скульптури, фільм дизайн, і iconic album поєднується як добре, як heritage я тримаю його в своєму own artist's museum і self-designed bar в Swiss Alps. In in-depth essay, Giger scholar Andreas J. Hirsch plunges в теми артист's oeuvre while an extensive biography draws on contemporary quotes and Giger's own statements.About the seriesTASCHEN is 40! Без того, як ми працювали як культурні археологи в 1980 році, TASCHEN був synonymous s accessible publishing, helping bookworms за світом curate їх своєю library art, anthropology, і aphrodisia at unbeatable. Today we celebrate 40 years incredible books by staying true to our company credo. The 40 series presents new editions of some of the stars of our program-now more compact, friendly in price, and still realized with the same commitment to impeccable production.About the AuthorAndreas J. Hirsch, born 1961 в Vienna, є автор, curator і художній фотограф. Його літератури включають книги на Pablo Picasso, Tina Modotti, Friedensreich Hundertwasser і HR Giger. З 2009 до 2014 року, він був помічником в KunstHausWien і організував експедиції на Henri Cartier-Bresson, Linda McCartney і HR Giger, за іншими. Його TASCHEN публікації включають в себе колекціонери Edition Jeff Koons, Christopher Wool, Albert Oehlen, Ai Weiwei, і David Hockney SUMO A Bigger Book, як добре, як monographs як XXL-вміщений Jean-Michel Basquiat.HR Giger (1940-2014) designer, який поєднується з surrealist influences and dark fantasies до створення його дуже own biomechanickого universe. Він був першим отриманий аккалім в 1960-х роках з його озброєними fantasies post-apocalyptic creatures and landscapes, і зірка на славу через високий profil movie work, most notably the creation of monster in Alien, which won the Academy Awards for Best Visual HR Giger був намічений у цій фізкультурі і фантастичному комплексі в 2013 році. «За своєю суттю мистецтво Гігера проникає в нашу психіку і зачіпає найглибші первісні інстинкти та страхи. Його мистецтво стоїть у окремій категорії. Доказом цього є інтенсивність його роботи та уяви, які я можу порівняти тільки з Ієронімом Босхом і Френсісом Беконом за їхньою здатністю провокувати і турбувати». – Рідлі СкоттШвейцарський художник Л. Р. Гігер (1940-2014) найбільш відомий тим, що створив космічного монстра у фантастичному фільмі жахів Рідлі Скотта «Чужий» 1979, за що був удостоєний премії «Оскар». Однак це був лише один із найпопулярніших проявів біомеханічного арсеналу істот Гігера, в якому гібриди людини та машини послідовно зливались в образи примарної сили та похмурої психоделії. Ці видіння спиралися на демонів минулого, і навіть викликали міфології майбутнього. Перш за все, вони виражали колективні страхи і фантазії його епохи: страх перед атомом, забрудненням навколишнього середовища і розтратою ресурсів, а також перед майбутнім, в якому виживання наших тіл залежатиме від машин. Гігер. У книзі представлена повна історія життя та творчості Гігера, його скульптури, дизайн фільмів та культові обкладинки альбомів, а також спадщина, яку він залишив нам у своєму власному музеї художника та самостійно спроектованому барі у швейцарських Альпах. У докладному есе дослідник творчості Гігера Андреас Дж. Хірш поринає у теми творчості художника, а велика біографія спирається на цитати сучасників і висловлювання самого Гігера.
кешбек від 13 ₴

Для останніх кількох років, Steven Heller і Julius Wiedemann повинні були переглянути останні розробки в ілюстрації по всьому світу-і для всіх людей, які зробили цифровий герой, що кінець ери, вони мають бути встановлені для запису. Будинок, back in the day when illustration was the primary means of illuminating the word on paper—all the way to today, when we get our words and images on screens as small as a watch face. У цьому середовищі, сьогодні's designers і артистів є холдингу свого власного brilliantly. Ілюстрація є більш вільним і варіювати, ніж вона, і це є ubiquitous у всіх речах медіа, від паперу для малюнок до books, пакети, clothing, cars, і restaurants. right now. Художники в цій колекції є типом tip of proverbial iceberg, але вони являють собою поєднання сприймання стилів, технологій, і використання барвистих артистів по всьому світу. Ви можете пишатися своїми власниками. His titles include the Illustration Now! і Record Covers series, як добре, як infographics collection і books про advertising and visual culture. Currently he is cofounder і cochair of MFA Design program в School of Visual Arts, New York. Протягом останніх кількох років Стівен Хеллер і Юліус Відеманн відстежували останні досягнення в галузі ілюстрації по всьому світу, і для всіх тих, хто вважав, що цифрові технології означають кінець епохи, вони прийшли, щоб виправити ситуацію. До того, як засоби масової інформації змінили наші глядацькі звички, існували незвичайні ілюстрації слова на папері - і так до сьогоднішнього дня, коли ми отримуємо слова та зображення на екранах розміром із циферблат годинника. У цих умовах сучасні дизайнери та художники тримаються молодцем. Ілюстрація стала більш вільною і різноманітною, ніж будь-коли, і вона повсюдно зустрічається у всіх видах медіа - від паперу та екрану до книг, упаковок, одягу, автомобілів та ресторанів. Художники, представлені в цій колекції, - лише верхівка горезвісного айсберга, але вони є переконливим знімком стилів, технік і використання кольору художниками по всьому світу. Сміємо сподіватися, що ви оберете своїх фаворитів. Редактори: Юліус Відеманн вивчав графічний дизайн та маркетинг і працював художнім редактором у газетах та журналах з дизайну в Токіо, перш ніж приєднатися до TASCHEN у 2001 році. Серед його видань – серії «Ілюстрація зараз!» та «Обкладинки рекордів», а також колекція інфографіки та книги про рекламу та візуальну культуру. Стівен Хеллер випустив понад 200 книг з візуальної комунікації та опублікував незліченну кількість статей у міжнародних журналах з дизайну. В даний час він є співзасновником та співголовою програми MFA Design у Школі візуальних мистецтв у Нью-Йорку.
кешбек від 33 ₴

Born in Berlin в 1920, Helmut Newton тренувався як teenager з легендарним photographer Yva, дотримуючись її веде в натхненних pastures of fashion, portraiture and nudes. Націлений на палку Nazis aged only 18, Newton never left Berlin behind. Після його кар'єри exploded в Парижі в 1960-х роках, повертаючись регулярно до магазинів як Constanze, Adam, Vogue, Conde Nast's Traveler, ZEITmagazin, Manner Vogue, Max і Suddeutsche Zeitung Magazine як добре, як його власника. 1979, нововідповіданий німецький Vogue комісія про його відновлення повідомлень про його життя до capture the fashion moment. За результатами portfolio, Berlin, Berlin!, захищений від title exhibition which celebrates 20 years of Helmut Newton Foundation. clubs and restaurants, nude portraits in boarding houses he knew from youth, and the Berlin film scene, featuring Hanna Schygulla and Wim Wenders на Berlin Wall, John Malkovich і David Bowie. foundation, housed in Museum of Photography before the Zoologischer Garten station-the very station from which he fled Berlin in the winter of 1938. Це публікування цього closes circle в центрі його величезного життя і праці. He є member of the German Society of Photography and advisory council member of the European Month of Photography. Head curator of Helmut Newton Foundation in Berlin з 2004, і since 2019 the Foundation's director, he has writen numeros articles for art magazines, books and exhibition catalogues. Він був першим визнаним міжнародним зірком в 1970 році, коли працював, в основному, для різних міжнародних editions of Vogue, де він був оголошений для його споконвічних сценаріїв і здатності до того, як невдовзі запланований фотографій, що існують і динамічно. Його багато титулів і нагород включають Commandeur dans l'Ordre des Arts et des Lettres. Хельмут Ньютон народився Берліні в 1920 року. У підлітковому віці він навчався у легендарної фотографки Іви, яка привела його до захоплюючого світу моди, портретної фотографії та ню. Вимушений тікати від нацистів у віці лише 18 років, Ньютон ніколи не забував Берлін. Після того як його кар'єра злетіла в Парижі в 1960-х роках, він регулярно повертався, щоб знімати для таких журналів, як Constanze, Adam, Vogue, Conde Nast's Traveler, ZEITmagazin, Manner Vogue, Max і Suddeutsche Zeitung Magazin, а також для свого власного журналу Helmut Newton. німецький Vogue доручив йому простежити шлях своєї юності, щоб сфотографувати модні моменти. Вийшов портфоліо Berlin, Berlin! надихнула назва виставки, присвяченої 20-річчю Фонду Хельмута Ньютона. берлінська кіноіндустрія з Ханною Шигуллою і Вімом Вендерсом біля Берлінської стіни, Джоном Малковичем і Девідом Боуї. 1938 року. Таким чином, ця публікація замикає коло в історії його незвичайного життя та творчості. Про автора Матіас Хардер вивчав історію мистецтв, класичну археологію та філософію в Кілі та Берліні. Він є членом Німецького товариства фотографії та членом консультативної ради Європейського місяця фотографії. З 2004 року він є головним куратором Фонду Хельмута Ньютона у Берліні, а з 2019 року – директором Фонду. Він написав безліч статей для художніх журналів, книг та каталогів виставок. Хельмут Ньютон (1920–2004) був одним із найвпливовіших фотографів усіх часів. Він вперше досяг міжнародної популярності в 1970-х роках, працюючи в основному для різних міжнародних видань Vogue, де його цінували за провокаційні сценарії та здатність зробити ретельно сплановану фотографію свіжою та динамічною. Серед його численних звань та нагород – Commandeur dans l’Ordre des Arts et des Lettres.
кешбек від 101 ₴

Visual Language of architect Tadao Ando's sketches and drawings Цей hugely revealing journey через mind and memory of one of architecture's great poets is told in Tadao Ando's own words. A дуже особистісний обсяг, його трасування п'ять декадів з prolific creativity, витрачаючи понад 750 наклейок, моделі, і технічні drawings що оминає їхню практику. З небагатьох світоглядів туристичних ліній до точки зору технічних drawings, witness the evolution of many of his most famous projects- among them Row House in Sumiyoshi, Rokko Housing, Chichu Art Museum, Bourse de Commerce-not as isolated moments проекти, shaped by time, travel, and reflection. Більше ніж monograph, це є map of Ando's inner landscape. Він помічає світло скелі монастырі в південному Франції, глибокий стислий резонанс степель в Ахмедабаді, і лабіринтина містерія кавових квітів в Cappadocia. Досвідчений протягом своїх ранніх робіт в його житті, ці пам'ятки became seeds. Дослідження як ці фрагменти випробування, фільтровані через тіло і емоції, переміщені як сильні стислі драми, викинуті в конкретні, світла і світла. Ando має залишатися надійним до злагоди з hand-drawn line. Для нього, це не нестерпний риси цифрових моделей, але строглі і спонтанності склеювання, що зображені true heartbeat of architecture. У цій knihe є рекорд і reverie: meditation on how buildings begin, and how they belong to the flow of time, to memory, and enduring pursuit of beauty. Крім того, включений is appendix with a complete listing of Ando's built and unbuilt projects. In Ando's own words: “Наші imaginations можуть expand endlessly, shaping the invisible scenes in our minds—this is the never-ending story of architecture.” Візуальна мова архітектора Ескізи та малюнки Тадао Андо Це вражаюча відверта подорож за думками та спогадами одного з поетів сучасної архітектури розказана словами самого Тадао Андо. Глибоко особисте видання охоплює п'ять десятиліть його плідної творчості, поєднуючи понад 750 ескізів, макетів та технічних креслень, що розкривають суть його методу. Від живої безпосередньості олівцевих ліній до точності архітектурних схем — читач стає свідком еволюції багатьох з його найвідоміших проектів, серед яких Row House in Sumiyoshi, Rokko Housing, Chichu Art Museum і Bourse de Commerce — представлених не як ізольовані спалахи натхнення, а як живі архітектурні процеси. більше, ніж монографія - це карта внутрішнього світу Андо. Він згадує світло кам'яного монастиря на півдні Франції, глибоке просторове звучання ступінчастої криниці в Ахмедабаді та лабіринтну загадковість печерних жител Каппадокії. Пережиті в роки юності під час подорожей, ці враження стали насінням, з яких виросли потужні просторові драми, втілені в бетоні, склі та світлі. Андо залишається вірним крихкості лінії, проведеної рукою. Він справжня архітектура виявляється над бездоганності цифрових моделей, а боротьбі і спонтанності малювання, у якій народжується її живе серце. Ця книга — одночасно документ і роздум: медитація про те, як народжуються будинки, як вони вплітаються протягом часу, на згадку і в нескінченне прагнення краси. У додатку представлений повний список реалізованих та нереалізованих проектів Андо. Слова самого Андо: «Наша уява може розширюватися нескінченно, формуючи невидимі сцени у нашій свідомості – це нескінченна історія архітектури».
кешбек від 33 ₴

A la carte Appetite для арт: за один рік з menu graphics Until restaurants became commonplace in the late 1800s, printed menus для meals були rary commodities reserved for special occasions. Як restaurants proliferated, в menu became more than just a culinary listing. Design of the menu became integrated part of eating out and as such menus became marketing tool and a favored keepsake. Menu Design is omnibus showcasing the best examples of this graphic art. З близько 800 екземплярів, що ілюструються в вибраній фарбі, цей величезний розмір не тільки показує, що ця величезна колекція ефемера, але є history of restaurants and dining out in America. У доповнення до menu covers, багато menu interiors є featured providing epicurean tour and insight to more than hundred years of dining out. На ілюстрації з історії дизайну дизайну графічного дизайну повідомить Steven Heller і розширив візит до літературного história Джона Mariani співпрацює з меню через книгу. Різні фотографії готельних ресторанів з цього компеденції, що буде appeal до будь-якого хлопця, що займаються і його графічної і gastronomic history. Неподалік 800 розрахунків з основним дизайном меню Більше 100 років з exquisite vintage design Text in English, French, and German A la carte Апетит до мистецтва: більше ста років графічного дизайну меню До того як ресторани стали повсюдним явищем наприкінці 1800-х років, були друкованими для меню. Зі зростанням числа ресторанів меню стало чимось більшим, ніж просто списком страв. Дизайн меню став невід'ємною частиною відвідування ресторану, і таким чином меню перетворилося на маркетинговий інструмент та популярний сувенір. «Дизайн меню» - це збірка, в якій представлені найкращі зразки цього виду графічного мистецтва. Цей розкішний том, що містить майже 800 яскравих кольорових ілюстрацій, не лише демонструє цю незвичайну колекцію паперових ефемерид, а й є історією ресторанів та ресторанного бізнесу в Америці. Крім обкладинок меню, у книзі представлені багато внутрішніх сторінок меню, які дають уявлення про більш ніж столітню історію ресторанного бізнесу. Введення в історію дизайну меню від письменника-графічного дизайнера Стівена Хеллера та докладні підписи від кулінарного історика Джона Маріані супроводжують меню протягом усієї книги. Різні фотографії ресторанів доповнюють цю збірку, яка сподобається всім, хто любить ресторани та їхню графічну та гастрономічну історію. Майже 800 чудових прикладів дизайну меню Охоплює більше століття вишуканого вінтажного дизайну Текст англійською, французькою та німецькою мовами
кешбек від 100 ₴

У середовищі реальної-лісування художньої атмосфери останньої готичної та сучасної ренасації, Німеччини готелю Hieronymus Bosch (c. 1450-1516) was more than an anomaly. Bosch's paintings є populated with grotesque scenes of fantastical creatures succumbing до всієї manner of human desire, fantasy, and angst. Одна з його величезних внесків була взяти на фігурні і мальовничі твори відомі як drolleries, які використовують monstrous і grotesque для ілюстрації сон і еvil, і для transfer them з marginalia illuminated manuscripts в великі-формати panel paintings. У середньому традиційні hybrids of man and beast, such as centaurs, and mythological creatures such as unicorns, devils, dragons, and griffins, we also counter countless mixed creatures freely invented by the artist. Багато subsidiary scenes illustrate proverbs and figures of speech in common use в Bosch's day. У його Temptation of St Anthony triptych, для прикладу, художній shows messenger ділового wearing ice skates, evoking the popular expression that the world був “skating on ice”—meaning it had gone astray. В його ілюстрації ілюстрації, в особливій мірі, Bosch був дуже популярний. Сьогодні тільки 20 paintings і eight drawings є confidently assigned to Bosch's oeuvre. He continues to be seen as visionary, a portrayer of dreams and nightmares, and the painter par excellence of hell and its demons. artist's complete works. Discover Bosch's pictorial inventions in splendid reproductions with copious details and a huge fold-out spread, over 110 cm (43 in.) Long, of The Garden of Earthly Delights. Художнє мистецтво і визнання Bosch expert Stefan Fischer вивчає, як він був Bosch і його фарбування, що робилося з неодмінно influential.The author: Stefan Fischer вивчав мистецтво, history, і класичної архітектури в Munster, Amsterdam, і Bonn. У 2009 році він усвідомив свою медичну схему “Hieronymus Bosch: Malerei als Vision, Lehrbild und Kunstwerk.” Його особливі поля були Нідерландські фарби 15-го до 17-го центру і музейології. В умовах реалістичного художнього клімату пізньої готики та раннього Відродження нідерландський художник Ієронім Босх (бл. 1450-1516) був більш ніж аномалією. Картини Босха сповнені гротескних сцен з фантастичними істотами, що піддаються всіляким людським бажанням, фантазіям і страхам. Одним із його найбільших винаходів було використання фігуральних та сценічних зображень, відомих як «дролерії», в яких жахливі та гротескні образи використовуються для ілюстрації гріха та зла, та перенесення їх із маргіналій ілюмінованих рукописів на великоформатні панно. Поряд із традиційними гібридами людини та тварини, такими як кентаври, та міфологічними істотами, такими як єдинороги, демони, дракони та грифони, ми також зустрічаємо незліченну кількість змішаних істот, вільно придуманих художником. Багато другорядні сцени ілюструють прислів'я і постаті промови, що широко використовуються в епоху Босха. Наприклад, у триптиху «Спокуса святого Антонія» митець зображує диявола-посланника у ковзанах, нагадуючи про популярний вислів, що світ «катається на льоду», тобто збився зі шляху. Зокрема, у своєму образотворчому перекладі прислів'їв Босх був справжнім новатором. Босх, справжнє ім'я якого було Йеронімус ван Акен, був широко копійований та імітований: кількість робіт послідовників Босха, що збереглися, перевищує власну творчість майстра більш ніж у десять разів. Сьогодні лише 20 картин та вісім малюнків з упевненістю ставляться до творчості Босха. Він, як і раніше, вважається провидцем, зображувачем снів і кошмарів, а також чудовим художником, що зображує пекло і його демонів. Відкрийте для себе мальовничі винаходи Босха в чудових репродукціях з великою кількістю деталей і величезним розворотом довжиною понад 110 см (43 дюйми) із зображенням «Саду земних насолод». Мистецтвознавець і визнаний експерт з Босху Стефан Фішер досліджує, що саме в Босху та його живописі справив такий величезний вплив. Автор: Штефан Фішер вивчав історію мистецтва, історію та класичну археологію в Мюнстері, Амстердамі та Бонні. У 2009 році він захистив докторську дисертацію «Ієронім Босх: живопис як бачення, навчальний посібник та витвір мистецтва». Його спеціалізація — нідерландський живопис XV–XVII століть та музеєзнавство.
кешбек від 16 ₴

Деканди'' вгорі зображення мають бути роз'єднані вниз до 512 сторінок з фотографій в цьому останньому retrospective колекції Nobuyoshi Araki's work, selected by artist himself. delves deep in Araki's best-known imagery: Tokyo street scenes; faces and foods; colorful, sensual flowers; female genitalia; and the Japanese art of kinbaku, або bondage. As girls lay bound but defiant and glistening petals assume suggestive shapes, Araki plays constantly with patterns of subjugation and emancipation, death and desire and with slippage between serene image and shock.Describing his bondage photographs “ Araki seeks to come closer to his female subjects through photography, emphasizing role of spoken conversation між himself and the model. У його природному Japan, він має статевий статевий статус для багатьох жінок, які задовольнили його передачу до фотографії зображення з їхньої стійкості. Без того, як ми працювали як культурні археологи в 1980 році, TASCHEN був synonymous s accessible publishing, helping bookworms за світом curate їх своєю library art, anthropology, і aphrodisia at unbeatable. Today we celebrate 40 years incredible books by staying true to our company credo. The 40 series presents new editions of some of the stars of our program—now more compact, friendly in price, and still realized with the same commitment to impeccable production. У цій ретроспективній збірці робіт Нобуєсі Аракі, відібраних самим художником, усі зображення десятиліть були зведені до 512 сторінок фотографій. харчування, барвисті, чуттєві квіти, жіночі геніталії та японське мистецтво кінбаку, або бондаж. Коли дівчата лежать пов'язані, але непокірні, а блискучі пелюстки набувають привабливих форм, Аракі постійно грає з моделями поневолення та звільнення, смерті та бажання, а також зі ковзанням між безтурботним зображенням і шоком. фотографію, підкреслюючи роль розмовної мови між собою та моделлю. У рідній Японії він став культовим для багатьох жінок, які почуваються розкутими завдяки його готовності сфотографувати вираз їхнього бажання. Про серію TASCHEN виповнюється 40 років! З того часу, як у 1980 році ми розпочали свою роботу як культурні археологи, TASCHEN став синонімом доступного книговидання, допомагаючи книжковим черв'якам по всьому світу збирати свою власну бібліотеку мистецтва, антропології та афродизії за безпрецедентними цінами. Сьогодні ми відзначаємо 40 років неймовірних книг, залишаючись вірними своєму кредо. У серії «40» представлені нові видання деяких зірок нашої програми - компактніші, за більш доступною ціною, але виконані з тим самим прагненням до бездоганного виробництва.
кешбек від 20 ₴

Для розбудови tarot є explorourourselves, щоб бути спрямований на универсальність нашого тривалого для навчання, для purpose і для зв'язку до divine. Ця 600-рокова традиція рефлексії не є лише history of seekers, але нашого ярмарку художнього становища і способів, щоб комунікувати нашому колективному людському столі. Для багатьох в West, Tarot exists в човні місця нашої cultural consciousness, metaphysical tradition покладається на твердий смужку кабінетів в arcane. Це історія, тривалий і омріяний, він буде проходити донизу через secret writing, oral tradition, і школярські походи з philosophers and sages. Багато років і кілька творчих речей? Author Jessica Hundley traces це fascinating history в Tarot, дебют volume в TASCHEN's Library of Esoterica series. Book explores symbolic meaning behind more than 500 cards and works of original art, 2 thirds of which have never been published outside of decks themselves. Це перша довжина visual compendium of its kind, spanning from Medieval to modern, and artfully arranged according to sequencing of 78 cards of the Major and Minor Arcana. Вона розкриває потужну influence of Tarot як мусить до артистів як Salvador Dali і Niki de Saint Phalle і включати дошки близько 100 diverse contemporary артистів від навколишнього світу, всі, у яких еmbraced medium для його capacity до стрілялки культурної identity. Rounding out the volume are excerpts from thinkers such as Eliphas Levi, Carl Jung, and Joseph Campbell; a foreword by artist Penny Slinger; guide to reading the cards by Johannes Fiebig; and an essay on oracle decks by Marcella Kroll. Понад серіями Бібліотека езотерики розкриває центри артистів, які мають природу для мислення, перекладають arcane і oscure в enduretion, visionary works of art. Її підприємство показує, що через сучасні і архівні зображення походить від приватних collectors, libraries, і museums по всьому світу. Результати форм inclusive visual history, study of our primal pull to dream and nightmare, and creative ways strive to connect to the divine. Вивчати Таро - значить вивчати самих себе, отримувати нагадування про загальне прагнення сенсу, мети та зв'язку з божественним. Ця 600-річна традиція відбиває не лише історію шукачів, а й наш шлях художнього самовираження та способи передачі нашої спільної людської історії. Для багатьох на Заході Таро існує в тіні нашої культурної свідомості, як метафізична традиція, віднесена до курних скляних шаф арканів. Його історія, довга і незрозуміла, передавалася через таємні письмена, усну традицію та вчені томи філософів та мудреців. Сотні років і сотні творчих рук - містиків та художників, які часто працюють у співпраці, - перетворили те, що було по суті салонною грою, на джерело передбачень та систему самодослідження, а кожне нове покоління прагнуло розвинути форму і по-новому інтерпретувати засіб. Автор Джесіка Хандлі простежує цю захоплюючу історію у книзі «Таро» – дебютному томі серії «Бібліотека езотерики» видавництва TASCHEN. У книзі розкривається символічний зміст понад 500 карт та творів оригінального мистецтва, дві третини з яких ніколи не публікувалися за межами самих колод. Це перший у своєму роді візуальний компендіум, що охоплює період від Середньовіччя до сьогодення та майстерно розташований відповідно до послідовності 78 карт Великих та Мінорних арканів. У книзі досліджується потужний вплив Таро як музи на таких художників, як Сальвадор Далі та Нікі де Сен-Фалль, а також представлені колоди майже 100 сучасних художників з усього світу, кожен з яких використав цей інструмент для розвитку культурної ідентичності. Завершують книгу уривки з творів таких мислителів, як Еліфас Леві, Карл Юнг та Джозеф Кемпбелл, передмова художниці Пенні Слінгер, посібник з читання карт Йоханнеса Фібіга та есе про колоди оракулів Марселли Кролл. Про серію У «Бібліотеці езотерики» досліджується, як художники століттями надавали форми містицизму, втілюючи таємне та незрозуміле у невиліковні, провидницькі витвори мистецтва. Кожна тема розкривається за допомогою сучасних та архівних зображень, зібраних у приватних колекціонерів, у бібліотеках та музеях у всьому світі. В результаті вийшла всеосяжна візуальна історія, дослідження нашої первісної потягу до снів та кошмарів, а також творчих шляхів, якими ми прагнемо встановити зв'язок із божественним.
-31%
Склад Штучна шкіра / Вид Чохол / Бренд Toto / Вага, кг 0.1 кг / Приналежність Смартфони, телефони і аксесуари / Вага в упаковці, кг 0.2 кг / Країна бренду Україна / Колір Чорний
-31%
Склад Штучна шкіра / Вид Чохол / Бренд Toto / Вага, кг 0.1 кг / Приналежність Смартфони, телефони і аксесуари / Вага в упаковці, кг 0.2 кг / Країна бренду Україна / Колір Чорний
кешбек від 40 ₴

Петро Lindbergh і Azzedine Alaia, photographer і couturier, були спрямовані на їхню love of black, love that they would cultivate alike in silver print and solid color color garments. Ліндберг неухильно кинувся в чорне і біле, щоб підтвердити його вишукування для вірогідності в faces я brought до світла. Alaia drew на monochrome timeless clothes для створення справжніх скульптур для тіла. Ілюструючи свою громадськість spirit, його зображення є дійство своїх артистичних партнерів і випробувань до своїх history-making achievements in photography and fashion. На той час як Lindbergh's reputation в Німеччині був зростаючий тільки до його роботи в Stern magazine, і він набув його студію в Парижі в 1978, Alaia був кутуєр зламався в discretion, який має важливу технологію, Coature.Alaia became the architect of bodies, reviveling і unveiling them, при якому Lindbergh відрізнявся ним з shining a light on their soul and personality. Step by step, they became the creators that dominated their respective disciplines. Both rejected any artifice що distracted from the true subject, and is is with great ease that they came together for number of powerful collaborations.Shared inspirations and aesthetic values are visible throughout their work. На пляжі в Le Touquet і streets of old Paris reference mutual love of black and white cinema and vast panoramas. Замок технічного закладу ілюструє пам'ятник промислового німецького ландшафту для одного і повідомлень про необмежену партію для функціонального дизайну і архітектури, що випливає з інших. Alaia's clothes act as pedestals for smiles and eyes of women who wear them: Nadja Auermann, Mariacarla Boscono, Naomi Campbell, Anna Cleveland, Dilone, Lucy Dixon, Vanessa Duve, Helene Fischer, Pia Frithiof, Jade Jag Koester, Ariane Koizumi, Yasmin Le Bon, Madonna, Kristen McMenamy, Tatjana Patitz, Linda Spierings, Tina Turner, Marie-Sophie Wilson, Lindsey Wixson. Для Lindbergh, який побудував свої notoriety на зображеннях цих супермоделей, вірогідність своїх треків є всі, що матір. У результаті є потужний чорний і білий каталог того, що переміщається з truthfulness і beauty. Ville de Paris, Paolo Roversi, photographer, і Olivier Saillard, художній історик і директор з Fondation Azzedine Alaia, Paris. Американський Vogue покрив під Editor-in-Chief Anna Wintour, bringing dotherther for first time a group of young women who would become the '90s supermodels, and numerous exhibitions in renovated institutions including Victoria & Albert Museum in London and Centre Pompidou in Paris Bahnhof, Berlin Museum for Contemporary Art, Bunkamura Museum of Art in Tokyo, Pushkin Museum of Fine Arts in Moscow, and Kunstpalast in Dusseldorf. Фотограф Пітер Ліндберг та кутюр'є Аззедін Алайя були об'єднані любов'ю до чорного кольору, яку вони однаково культивували у срібних відбитках та однотонних вбраннях. Ліндберг постійно звертався до чорно-білого кольору, щоб підкреслити своє прагнення автентичності в обличчях, які він виводив на світ. Алайя використовував монохромність позачасового одягу, щоб створювати справжні скульптури для тіла. У цій книзі унікальний діалог між двома художниками увічнений у пресі. Ілюструючи їхню духовну спорідненість, зображення є святкуванням їхнього художнього партнерства і свідченням їх історичних досягнень у фотографії та моді. У той час як репутація Ліндберга в Німеччині росла завдяки його роботі в журналі Stern, і він відкрив свою студію в Парижі в 1978 році, Алайя був кутюр'є, оповитим таємницею, чиї складні техніки були потаємним секретом серед найважливіших клієнтів Haute Couture.Алайя став архітектором, їх, висвітлюючи їхню душу і особистість. Крок за кроком вони стали творцями, які домінують у своїх дисциплінах. Обидва відкидали будь-які хитрощі, що відволікають від їхнього справжнього предмета, і з великою легкістю об'єдналися для низки потужних спільних проектів. Загальні натхнення та естетичні цінності простежуються у всіх їхніх роботах. Пляж у Ле-Туку та вулиці старого Парижа відображають загальну любов до чорно-білого кіно та великих панорам. Фон машин
кешбек від 16 ₴

У 1965, Том Фінланд почав flirting з думкою про налаштування характеру для його panel stories, ultimate Tom's Man. He tried out blond намічений Vicky-a загальна особлива назва в Фінлянті-захоплена Tarzan-inspired Jack. Then в 1968 Tom settled on Kake, a dark-haired, муштував leatherman who often wore a tight white T-shirt bearing the motto “Fucker.” Kake опинився в цьому монікері, sort of post-Stonewall, hyper-masculine Johnny Appleseed вивчає світ на його motorcycle, щоб розібрати seeds liberated, mutually satisfying, ecstatically explicit gay sex. Tom живе з багатьох своїх особливих fantasies через Kake, і Kake's міжнародні fans зробити його template for what came to be knowown as the gay clone look of the 1970s. Between 1968 and 1986, Tom публікував 26 епізодів з Kake adventures, most as 20-page booklets. Повернутися з ловом до дня, коли людина була людина, sex був вільним, і всі wore a big thick mustache. У відношенні до АРНОЛД, її новими роботами включають арт-pin-up, Masterpieces of Fantasy Art, і фантастичні світи Франка Фразетта. Його favorite subjects були rough manly men of his native Finland. Він став успіхом у Finnish advertising industry але secretly continued creating his increasingly erotic drawings hyper-masculine men. У 1957 році було підписано деякі drawings до американського магазину Physique Pictorial і “Tom of Finland” legend was born. By the late 60s Tom's “dirty drawings” became the standard for gay art, and Tom's Men template for new gay masculinity. 1965 року Том Фінляндський почав загравати з ідеєю постійного персонажа для своїх панельних історій, остаточного варіанта Людини Тома. Він спробував блондина на ім'я Вікі – звичайне чоловіче ім'я у Фінляндії – і потім Джека, натхненного Тарзаном. Потім у 1968 році Том зупинився на Каке, темноволосому, усатому шкіряній людині, яка часто носила білу футболку, що обтягує, з девізом «Fucker». Кейк виправдовував це прізвисько - такий собі постстоунволлський, гіпермужній Джонні Яблуко, що подорожує світом на мотоциклі, щоб поширювати насіння розкутого, взаємно задовольняючого, екстатично відвертого гей-сексу. Том втілив у життя багато своїх особистих фантазій через Kake, а міжнародні шанувальники Kake зробили його зразком того, що стало відомо як гей-клони 1970-х років. У період з 1968 по 1986 рік Том опублікував 26 епізодів пригод Каке, більшість з яких були 20-сторінковими буклетами. Поверніться разом з Яке в ті часи, коли чоловіки були чоловіками, секс був безтурботним, а всі носили великі густі вуса. Крім ARNOLD, серед її останніх робіт - «Мистецтво пін-ап», «Шедеври фентезі-арту» і «Фантастичні світи Френка Фразети». Про те, як все починалося, читайте тут. Його улюбленими сюжетами були брутальні мужні чоловіки його рідної Фінляндії. Він досяг успіху у фінської рекламної індустрії, але потай продовжував створювати свої дедалі більш еротичні малюнки гіпермужніх чоловіків. У 1957 році він відправив кілька малюнків до американського журналу Physique Pictorial, і народилася легенда про Тома Фінського. До кінця 60-х років «брудні малюнки» Тома стали стандартом гей-мистецтва, а «Люди Тома» - взірцем нової гей-мужності.
кешбек від 10 ₴

Get your kicks for less! Ліги, ноги, і більше ноги для сонця Багато хто знав Великий Book of Legs, але деякі з них, як і раніше, ведуть велику велику, віжаючи в близько семи квітів. True, it була packed with shapely legs spanning six decades, від першої shy emergence of the ankle in the 1910s, через rolled stockings and rouged knees of the 1920s, to the Betty Grable '40s, the stocked and liberated '60s and '70s, але це мусить залишатися в центрі вашого свого життя, і якщо ви збираєтеся продовжувати. Fortunately here at TASCHEN ми були зараховані до ваших шпигунів agony як добре, як ваші мішки ecstasy; Так, це світло і портативного нового продукту, packing over 100 choicest photos з оригіналу, як добре, як 38 нових зображень, в компактний (і франкально adorable) package. З Betty Grable до Bettie Page, велику ногу 20-го століття може бути зроблено, в виконанні Irving Klaw, Bunny Yeager, і безкомпонентні Elmer Batters, other leg art. There are silk and nylon stockings, high heels in abundance, curvy calves, taut thighs, playful toes and towering arches—with no bothersome text to get in the way. Could leg love get any sweeter? Отримайте свої удари за меншу ціну! Ноги, ноги і ще раз ноги за пісню Багатьом сподобалася «Велика книга ніг», але деякі визнали її занадто великою – вона важить майже сім фунтів. Правда, в ній зібрані зображення струнких ніг, що охоплюють шість десятиліть, від перших боязких появ щиколоток в 1910-х роках, через панчохи і грубі коліна 1920-х, до Бетті Грейбл 40-х, панчох і шпильок 50-х і до сексуально розкутих вм'ятину на ваших власних стегнах, якщо ви занадто довго просидите за читанням. На щастя, ми в TASCHEN прислухаємося до ваших стогонів агонії та екстазу, тому це легке і портативне нове видання, в якому зібрано понад 100 найкращих фотографій з оригінального тому, а також 38 нових фотографій. Від Бетті Грейбл до Бетті Пейдж, найбільші ніжки XX століття, зняті Ірвінгом Клау, Банні Йегер та незрівнянним Елмером Баттерсом, батьком мистецтва ніг. Шовкові і нейлонові панчохи, високі підбори вдосталь, вигнуті ікри, пружні стегна, грайливі пальчики і арки, що підносяться - і ніякого набридливого тексту на шляху. Чи може любов до ніг бути ще солодшою?
кешбек від 84 ₴

Helmut Newton SUMO в XL, revised by June Newton, з макетом booklet Helmut Newton (1920–2004) завжди висловлювалися здоровим розсудливим для легкого або послідовного, так що це не підозрює, що SUMO був irresistible . Ідея книги з розділу приватної експедиції, з особливими зображеннями reproduced до статі-оф-арт-оригінації і printing standards, emerged from an open, experimental dialogue with photographer and publisher. З SUMO віжаючи в-boxed і шорти-забруднені-at 35.4 kg (just під 80 pounds), Newton створений на landmark book що столик head і shoulders above anything previously attempted, both in terms of conceptual extravagance and. Запроваджено в редакції 10,000 затверджених і числових копій, SUMO оголошено після одного після публікації і стрімко multiplied its value. Це нові особливості в багатьох колекціях навколо світу, включаючи New York's Museum of Modern Art. Legendary copy number one, signed by more than 100 of book's featured celebrities, broke the record for the most expensive book published in the 20th century, sold at auction in berlin on april 6, 2000 for-62 317,000 євро. Нині, цей XL edition 20 years of SUMO, результат результату, проведеного Helmut Newton кілька років тому. Revised by his wife June, the volume gathers 394 images and a booklet that takes us through the making-of this publishing venture-a spectacular tribute to the larger-than-life Helmut Newton, now in a friendly format. Helmut Newton SUMO у форматі XL, перероблений Джун Ньютон, з буклетом про створення видання Хельмут Ньютон (1920–2004) завжди демонстрував здорову зневагу до легкого чи передбачуваного, тому не дивно, що проект SUMO виявився для нього непереборним. Ідея книги розміром із приватну виставку, з видовищними зображеннями, відтвореними за найсучаснішими стандартами підготовки та друку, виникла з відкритого, експериментального діалогу між фотографом та видавцем. З SUMO, вага якого - в коробці і упаковці - становить 35,4 кг (трохи менше 80 фунтів), Ньютон створив культову книгу, яка височіла над усім, що робилося раніше, як у плані концептуальної зухвалості, так і в технічних характеристиках. Незабаром після виходу і швидко збільшив свою цінність. Зараз він входить до багатьох колекцій по всьому світу, включаючи нью-йоркський Музей сучасного мистецтва. Легендарний екземпляр під номером один, підписаний більш ніж сотнею знаменитостей, представлених у книзі, побив рекорд найдорожчої книги, опублікованої в XX столітті, і був проданий на аукціоні в Берліні 6 квітня 2000 року за 620 000 німецьких марок - близько 317 000 євро. задуманого Хельмутом Ньютоном кілька років тому. Перероблений його дружиною Джун, тому об'єднує 394 зображення та буклет, що розповідає про створення цього видавничого підприємства — вражаючий триб'ют Ньютону, людині більшого масштабу, тепер у зручному форматі.
кешбек від 1 ₴
-17%

Ольга Кобилянська — видатна українська письменниця, яка працювала у жанрі соціально-філософської та психологічної прози. «Царівна» — соціально-психологічна повість, у якій постає новий образ мислячої жінки. Головна героїня, вольова і духовно багата Наталка, веде боротьбу з буденним споживацьким світом і є справжньою царівною своєї долі.
кешбек від 10 ₴

Заснований в 1848 році як таємниче товариства, Pre-Raphaelites сприйняли класичні ideals і dominant артистичні genre painting of their era for what they saw as more spiritual, sincere, and naturalistic approach. Відомий William Holman Hunt, John Everett Millais, і Dante Gabriel Rossetti, вони evolved в seven-member “brotherhood”, що включає поети і критиці як добре, як painters. орієнтовані на мідікультуру і художні кольори Quattrocento art for inspiration. Їхні важливі теми були ініціативно religious, але також включали предмети з літератури і поетри, як exemplified by Sir John Everett Millais's famous Ophelia, drawn від Shakespeare's Hamlet. Захищений від теорії Джона Ruskin, вони були також поміщені до довколишнього ступеня натури. beyond. Засновані в 1848 році як таємне суспільство, прерафаеліти відкинули класичні ідеали і панівний жанровий живопис своєї епохи заради, як вони вважали, більш духовного, щирого та натуралістичного підходу. Засноване Вільямом Холманом Хантом, Джоном Евереттом Мілле та Данте Габріелем Россетті, рух незабаром перетворився на семичленное «братство», до якого входили не лише живописці, а й поети та критики. Відмовляючись від класичних композицій, уособлених Рафаелем (звідси і назва групи), прерафаеліти зверталися до середньовічної культури та ювелірних фарб мистецтва Кватроченто. Їх основними темами спочатку були релігійні сюжети, але також і мотиви з літератури та поезії, як у знаменитій «Офелії» сера Джона Еверетта Мілле, натхненної «Гамлетом» Шекспіра. Натхненні теоріями Джона Рескіна, вони також прагнули уважного вивчення природи. Ця книга представляє ключові твори прерафаелітів, щоб познайомити з їх реакційними принципами, сліпучою палітрою кольорів, інтересом до тем любові, смерті і природи, а також з їх великим впливом на пізніший символізм та інші напрямки.
кешбек від 40 ₴

Packaging with Purpose Виконання packaging designs from the 2021 and 2022 Pentawards У нашій 7-й редакції The Package Design Book, we explore the world's leading packaging design innovations from the 2021 and 2022 Pentawards competition. Тепер для першого часу, його показують, що входять до його нової сумісного дизайну категорії, високі освітлення дизайни від встановлених промислових і молодих людей, щоб перешкодити impact packaging на планеті. Це editation strongly фокуси на інноваційному packaging design, що honores sustainability, diversity і inclusive approach to design at its core. Submissions з більш ніж 60 Countries будуть підписані низки visuals для створення meaningful designs, що є як глибокий вираз їх brands' цінності, а також відхилення для споживачів, які будуть. Ця kniha epitomizes beautiful design concepts що були розроблені з integrity. Завдовжки тисячі місіях для змагання, Пентаwards Jury має також величезний до електичного mix of 50 members, що представляють 25 brands and 25 design agencie, включаючи Amazon, Mars Food, Vault49, Estee Lauder, Superunion, Coty, WWF, і. Це величезна кількість статей-оф-арт-packaging design, що не тільки witty, noble, і сучасні, але ілюструють impact of this design discipline. Упаковка з метою Переможці конкурсу Pentawards 2021 та 2022 років У сьомому виданні The Package Design Book ми досліджуємо провідні світові інновації в галузі дизайну упаковки, представлені на конкурсі Pentawards 2021 та 2022 років. Вперше книга включає роботи, що брали участь в новій категорії Sustainable Design (Стійкий дизайн), де представлені проекти як визнаних професіоналів, так і молодих талантів, що прагнуть скоротити вплив упаковки на навколишнє середовище. Це видання акцентує увагу на інноваційному дизайні упаковки, в основі якого лежить стійкий. Роботи з більш ніж 60 країн розширюють межі візуальних рішень, створюючи осмислені проекти, які одночасно відображають цінності брендів та приносять задоволення споживачам. Ця книга втілює приклади прекрасних дизайнерських концепцій, створених з чесністю та відповідальністю. Поряд із тисячами заявок, представлених на конкурс, журі Pentawards також розширилося і тепер включає 50 членів, що представляють 25 брендів і 25 дизайнерських агентств, серед яких Amazon, Mars Food, Vault49, Estee Lauder, Estee Lauder, Super Lauder. Це видання є зібранням найкращих зразків сучасного дизайну упаковки — дотепного, благородного та актуального, що демонструє вплив цієї дисципліни на сучасний світ.
кешбек від 118 ₴

Suave yet short-tempered, Donald Duck був Walt Disney's cartoon bad boy, a more complex foil to ever-optimistic Mickey Mouse і box-office витягнути з його earliest silver screen appearances. Вона була в комунікації, що Donald покликаний бути креативним, тільки до Карла Барка, self-taught cartoonist, який майструє і imaginative work turned the quarrelsome quacker in cultural icon.Spanning 1942 to 1950, Ціни з чотирьох кольорових антологій, включаючи дрібні в Andes, Luck of the North, Donald Duck і Mummy's Ring, і Donald Duck Finds Pirate Gold. Через ці топ-селірні мітинги—Donald Duck комічні стрипки helped keep the Disney studio afloat протягом літніх років з World War II—Barks masterfully blended humor, action, and sharp characterization, crafting stories that remain as wise as exaggerated cartoon characters with lush, realistic backgrounds, some researched from the pages of National Geographic magazine, створений entirely new art form, іmmersing readers в Donald's triumphs and troubles. Запускаючи білий підтримуючи характери як подібні хлопці Huey, Dewey, і Louie, Scrooge McDuck, і лагідний кузин Gladstone Gander, ці поїздки в'їжджають молоді люди, але були від дітей. They were sophisticated, complex, and often dark tales of behavioral insight and graphic brilliance. Legend and comic book king. М'який, але запальний, Дональд Дак був «поганим хлопчиком» мультфільмів Уолта Діснея — складнішим антиподом завжди оптимістичного Міккі Мауса та касовим улюбленцем з перших появ на екрані. Однак саме в коміксах Дональд досяг творчих висот завдяки Карлу Барксу — самоучці-мультиплікатору, чиї майстерні та винахідливі роботи перетворили сварливе селезінка на культурний символ. Охоплюючи період з 1942 по 1950 рік, цей розкішний том поєднує деякі з найраніших і знакових історій Баркса з антології Four Color, включаючи Lost in the Andes, Luck of the North, Donald Duck and Mummy's Ring та Donald Duck Finds Pirate Gold. У всіх цих популярних пригодах — комікси про Дональда Дака допомогли студії Disney вижити у важкі воєнні роки — Баркс віртуозно поєднував гумор, дію та точну психологічну характеристику, створюючи історії, які залишаються настільки ж мудрими, як і кумедними. Синтезуючи перебільшені мультяшні образи з детально опрацьованими реалістичними фонами, нерідко натхненими сторінками журналу National Geographic, Баркс створив абсолютно нову художню форму, яка занурює читача у перемоги та невдачі Дональда. Представляючи улюблених персонажів — племінників Хьюї, Дьюї та Луї, Скруджа МакДака та щасливого кузена Гладстоуна Гандера — ці історії зачаровували юних читачів, але зовсім не були дитячими. Це були витончені, багатошарові і часом похмурі розповіді про людську поведінку та візуальний геній. Сотні чудово відновлених репродукцій та розширене есе історика Disney Джима Феннінга роблять цю збірку гідною даниною герою в матросці та легендарній «людині-качці» — офіційному Легенді Disney та королю коміксів.
кешбек від 16 ₴

До кінця свого monumental career як painter, sculptor, і lithographer, елегантно, міцно Matisse був нерозумний до stand і use paintbrush for long. У цьому останньому етапі його життя було майже 80 років у віці розробив технологію "зберігати в фарбу," створюючи глибокий, простий cut-outs paper. Тому, що не можна вважати сучасними критичними, як fold of senile old man, they gouaches decoupees (gouache cut-outs) у fact represented revolution in modern art, whole new medium that reimagined age-old conflict between color and line. Award-winning XXL book виступає через короткий історичний контекст до Matisse's cut-outs, торкаючись їхніх копій до його 1930 року до Tahiti і продовжуючи через його кінець років в Nice. У ньому входять багато photos of Matisse, як добре, як деякі зображення з Henri Cartier-Bresson and filmmaker F. W. Murnau, with texts by Matisse, publisher E. Теріада, поети Louis Aragon, Henri Michaux, і Pierre Reverdy, і Matisse's son-in-law Georges Duthuit.У їх видатної simplity, cut-outs achieved both a sculptural quality і явно мінімальний abstraktion, які повинні бути знайомі. Exuberant, multi-hued, і зробили грандіозні в шкалі, ці роботи є true piliers of 20th-century art, і як біль і інноваційні до ходу, як вони були в Matisse's lifetime. До кінця своєї монументальної кар'єри живописця, скульптора та літографа літній, хворий Матісс не міг довго стояти і користуватися пензлем. На цьому пізньому етапі свого життя – йому було майже 80 років – він розробив техніку «вирізування у кольорі», створюючи яскраві, сміливі паперові вирізки. Незважаючи на те, що деякі сучасні критики вважали ці вирізані гуашшю роботи дурістю старого старого, насправді вони стали революцією в сучасному мистецтві, абсолютно новим засобом, який переосмислив споконвічний конфлікт між кольором і лінією. його поїздки на Таїті в 1930 році і аж до останніх років життя в Ніцці. До книги включено безліч фотографій Матісса, а також рідкісні знімки Анрі Картьє-Брессона та режисера Ф. В. Мурнау, тексти Матісса, видавця Еге. Теріада, поетів Луї Арагона, Анрі Мішо і П'єра Реверді, а також зятя Матісса Жоржа Дютуа. Буйні, багатобарвні і найчастіше грандіозні за масштабом, ці роботи є справжніми стовпами мистецтва XX століття, і сьогодні вони виглядають так само сміливо та новаторськи, як і за життя Матісса.
кешбек від 10 ₴

Work of the artist couple Christo (1935–2020) та Jeanne-Claude (1935–2009) resists categorization. Це є hybrid art, urban planning, architecture, and engineering, but above all aesthetic uniquely their own: surreal and ethereal environmental interventions that have graced monuments, public parks, and centers of power alike.This compactbook born on the very same day, met in Paris, fell in love, and became a creative team like no other. З rich illustration, це spans Christo і Jeanne-Claude's earliest проекти в 1950 рр. через The Floating Piers, встановлений в Lake Iseo, Italy, в 2016. Книги відвідують всі кулі's most славнозвісні природні заходи, так само як Gates в Нью-Йорку Центрального парку і загорнуті Reichstag в Берліні, а також помітні ранні drawings і сімейні фотографії невідомі в широкій країні. Творчість художників Крісто (1935–2020) та Жанни-Клод (1935–2009) вислизає від звичної класифікації. Це гібрид мистецтва, містобудування, архітектури та інженерії, але перш за все — це естетика, не схожа на жодну іншу: сюрреалістичні та ефемерні втручання в навколишнє середовище, що перетворюють пам'ятники, громадські простори і центри влади. тих, хто закохався і стали справжньою креативною парою. Багато ілюстроване видання простежує їхній шлях від перших проектів 1950-х років до грандіозного The Floating Piers, встановленого на озері Ізео в Італії в 2016 році. Також тут можна знайти ранні ескізи та сімейні фотографії, раніше невідомі широкому загалу.
кешбек від 13 ₴

У celebration of the world's favorite animal, we bring you over 400 photographs or o dogs. З фотографіями від 19-ої ночі до колекції включають роботи з Man Ray, Eric Fischl, Wolfgang Tillmans, Donna Ruskin, Fatima NeJame, Vincent Versace, і курси Elliott Erwitt і William Wegman. Крім того, їх зображення, unique в стилі, але виконані в canine affection, є вірогідно, якщо всі вони були одними, що psy не є тільки найкращими людьми, але й pure photographic inspiration. Forget #dogsofinstagram, це є справжній canine art, показуючи як камера буде been key witness до psів в всій їхній diversity, характер, і friendship, від pensive pooch portraits до чотирьох-забарвлених акціях шосе. Як intellectually as it is visually stimulating, book includes captivating essays tracing the presence of dogs in the historie of photography and their relationship with human across the decades. На честь найулюбленішої тварини у світі ми представляємо вам понад 400 фотографій собак або їх зображень. У колекції представлені знімки від XIX століття до наших днів, серед яких роботи Ман Рея, Еріка Фішля, Вольфганга Тільманса, Донни Раскін, Фатіми Неджаме, Вінсента Версаче та, звичайно, Еліотта Ервітта та Вільяма Вегмана. Їхні фотографії, унікальні за стилем, але об'єднані собачою прихильністю, свідчать про те, що собаки - не лише найкращі друзі, а й чисте фотографічне натхнення. Забудьте про #dogsofinstagram, це справжнє собаче мистецтво, що показує, як фотокамера була ключовим свідком собак у всій їхній різноманітності, характері та дружбі, від задумливих портретів до екшн-знімків на чотирьох лапах. Книга, як інтелектуальна, так і візуальна, включає захоплюючі есе, що простежують присутність собак в історії фотографії та їх взаємини з людьми протягом десятиліть.
кешбек від 7 ₴

Бриджуючи гап Expressionist pioneer Ernst Ludwig Kirchner був представлений у новому контексті в 20-й річниці оформлення Ernst Ludwig Kirchner (1880–1938) є зареєстрований як один з ключових зображень в 20th-century European art. A Modernist до його статей, я маю seismic waves через художній світ з його hard-edged, значним барвистим фарбуванням і disseminated його думок крізь Die Brucke мистецтво мистецтва і MUIM-Institut School of Modernist drawing, which he cofounded. Kirchner's work reconciled past and present через expresionist prism, reflecting the latest avant-garde ideas in art, while exploring traditional academic approaches and subjects. Його твори викликали соціальні, моральні, і емоційні питання з fierce intensity. Відкинуті особливості, широкі лінії, і незвичайні кольори були основнимизасобами своєї практики, як добре, що беруть участь в захопленні в людській формі, де в сучасній зоні зору, як Berlin Street Scene (1913), або в його знайомому. У цій introductory book, we explore the stretch of Kirchner's career через Germany and Switzerland, включаючи його науку Die Brucke, і його inclusion в Nazis' infamous “degenerate art” exhibition in 1937. Назавжди, нам оголошено природні простори, stark nudes, intense urban settings, and, above all, persistent emphasis on the emocional experience of painter and viewer. Пенер експресіонізму Ернст Людвіг Кірхнер відкрив нову перспективу в живопису XX століття Ернст Людвіг Кірхнер (1880-1938) Модерніст до мозку кісток, він викликав сейсмічні хвилі у світі мистецтва своїми жорсткими, інтенсивно забарвленими картинами і поширив свої ідеї через художній рух Die Brucke і школу модерністського живопису MUIM-Institut, співзасновником яких він був. і одночасно досліджуючи традиційні академічні підходи та теми. Його роботи з жорстокістю порушували соціальні, моральні та емоційні питання. Спотворені ракурси, грубі лінії і незвичайні кольори були основними в його практиці, як і постійний інтерес до зйомки людської форми, будь то в метушливих міських пейзажах, таких як «Сцена на берлінській вулиці» (1913), або в його знаменитій декадентській студії. У цій вступній книзі його заснування Die Brucke і включення до сумнозвісної виставки нацистів «дегенеративне мистецтво» в 1937 році. По дорозі ми зустрінемо яскраві пейзажі, сувору оголену натуру, напружену міську обстановку і, перш за все, постійний акцент на емоційному досвіді художника і глядача. ілюстрацій із пояснювальними підписами