Стать партнером
Мобильное приложение
Помощь
RU
Профиль
Вишлисты
Все акции
Открыть карту
Женщинам
Мужчинам
Субсидий
Кешбэк
Обувь
Потрібнички
Детям
Дом
Наше
Белье
Аксессуары
Спорт
Красота
Premium
triangle
Найдено 232 товарa

Art books

x artart creation скетчбукскетчбук art creation
Вид
кешбэк от 485 ₴
рассрочка
-29%
Возраст От 14 лет / Аудитория Для детей
Хочешь добавить уникальности и шарма своему читальному уголку 📚? Мы предлагаем идеальное решение – миниатюрный домик-букенд Book Nook DIY. Этот интерьерный конструктор не только увлечет тебя, но и станет настоящей находкой для твоих друзей-книголюбов, особенно если у них есть собственная домашняя библиотека. Благодаря исключительной детализации мебели, декору и LED-подсветке этот букнунк создает атмосферу сказочности как днем, так и ночью, позволяя перенестись в крошечный параллельный мир. Особой изюминкой является набор "Detective Agency Bookend", являющийся данью творчества Артура Конан Дойля и его известному детективу Шерлоку Холмсу. Представьте, как этот тщательно спроектированный миниатюрный уголок, воспроизводящий атмосферу агентства на Бейкер-стрит 221B, будет украшать вашу полку. Крошечная мебель, детективные инструменты, старинные украшения и уютная светодиодная подсветка делают этот комплект по-настоящему уникальным. Он не только дополнит интерьер, но и погрузит вас в мир классических детективов. Музыкальный механизм придает очарование, создавая атмосферу старого Лондона, где каждая деталь, от антикварных интерьеров до звуков улиц, оживляет страницы любимых произведений. Этот миниатюрный мир можно создать собственноручно, приобретя оригинальный набор "Famous Detective Agency". А как приятный бонус 🎁 от Simple Art – в комплект мы добавим дополнительные полезные аксессуары для удобной сборки румбокса. Вот что вы найдете в оригинальном наборе: LED-подсветка для создания волшебной атмосферы; бумажные шаблоны для вырезания деталей; миниатюрный клей (1 шт.); отвертка для удобной уборки; музыкальный механизм; пакеты с деталями; инструкция на английском языке с иллюстрациями (легкая в использовании). А наш подарочный комплект 🎁 включает: дополнительный клей для надежной уборки; батарейки AA 1,5V (2 шт). Этот набор станет настоящим украшением любого почитателя литературы и классических детективов, даря не только эстетическое удовольствие, но и настоящее погружение в мир любимых героев.
кешбэк от 16 ₴

The idea of climbing a tree for shelter, or just to see the earth from another perspective, is as old as humanity. In this neat TASCHEN edition, take a tour of some of our finest arboreal adventures with the most beautiful, inventive, and enchanting tree houses around the world.From romantic to contemporary, from famed architects to little-known craftsmen, you’ll scale the heights to visit all manner of treetop structures, from a teahouse, restaurant, hotel, and children’s playhouse to simple perches from which to contemplate life, enjoy the view, and discover that tree houses take as many forms as the imagination can offer. With an abundance of gorgeous photographs and illustrations, this is an ode to alternative living, where playful imagination meets eco-sensitive finesse.About the AuthorPhilip Jodidio studied art history and economics at Harvard and edited Connaissance des Arts for over 20 years. His TASCHEN books include the Homes for Our Time series and monographs on numerous major architects, including Norman Foster, Tadao Ando, Renzo Piano, Jean Nouvel, and Zaha Hadid. Идея забраться на дерево, чтобы укрыться или просто посмотреть на землю с другой стороны, стара как человечество. В этом издании TASCHEN вы увидите самые красивые, изобретательные и очаровательные дома на деревьях по всему миру.От романтических до современных, от знаменитых архитекторов до малоизвестных мастеров - вы подниметесь на высоту, чтобы посетить всевозможные сооружения на деревьях, от чайного домика, ресторана, отеля и детского игрового домика до простого места, с которого можно созерцать жизнь, наслаждаться видом и обнаружить, что дома на деревьях принимают столько форм, сколько может предложить воображение. Обилие великолепных фотографий и иллюстраций - это ода альтернативной жизни, где игривое воображение сочетается с экологической щепетильностью.Об автореФилипп Джодидио изучал историю искусства и экономику в Гарварде и более 20 лет редактировал журнал Connaissance des Arts. Среди его книг, изданных TASCHEN, - серия «Дома для нашего времени» и монографии о многих крупных архитекторах, включая Нормана Фостера, Тадао Андо, Ренцо Пьяно, Жана Нувеля и Заху Хадид.
кешбэк от 16 ₴

Mythologies for the Future The powerful world of HR Giger Swiss artist HR Giger (1940–2014) is most famous for his creation of the space monster in Ridley Scott’s 1979 horror sci-fi film Alien, which earned him an Oscar. Yet this was just one of the most popular expressions of Giger’s biomechanical arsenal of creatures, which consistently merged hybrids of human and machine into images of haunting power and dark psychedelia. The visions drew on demons of the past, as well as evoking mythologies for the future. Above all, they gave expression to the collective fears and fantasies of his age: fear of the atom, of pollution and wasted resources, and of a future in which our bodies depend on machines for survival. Following the SUMO-sized monograph which was begun shortly before the artist's unexpected death, this affordable anniversay edition pays homage to Giger’s unique vision. The book shows the complete story of Giger’s life and art, his sculptures, film design, and iconic album covers as well as the heritage he left us in his own artist’s museum and self-designed bar in the Swiss Alps. In an in-depth essay, Giger scholar Andreas J. Hirsch plunges into the themes of the artist’s oeuvre while an extensive biography draws on contemporary quotes and Giger’s own statements. Мифологии будущегоМощный мир Ганса Руди ГигераШвейцарский художник Ганс Руди Гигер (1940–2014) наиболее известен как создатель инопланетного чудовища в научно-фантастическом фильме ужасов Ридли Скотта «Чужой» (1979), за который он был удостоен премии «Оскар». Однако это лишь одна из самых известных манифестаций его биомеханического арсенала существ, в которых Гигер неизменно соединял гибриды человека и машины, создавая образы зловещей силы и мрачной психоделии. Его видения опирались на демонов прошлого, но одновременно вызывали к жизни мифологии будущего. Прежде всего, они воплощали коллективные страхи и фантазии своей эпохи — страх перед атомом, загрязнением и истощением ресурсов, а также перед будущим, где наше выживание зависит от машин.Следуя за монографией формата SUMO, начатой незадолго до внезапной смерти художника, это юбилейное издание отдаёт дань уважения уникальному видению Гигера. Книга раскрывает полную историю его жизни и творчества — скульптуры, кинодизайн, культовые обложки альбомов — а также наследие, оставленное им в собственном музее и созданном им баре в швейцарских Альпах. В содержательном эссе исследователь творчества Гигера Андреас Й. Хирш глубоко анализирует темы его произведений, а обширная биография основана на современных отзывах и собственных высказываниях художника.
кешбэк от 13 ₴

For the last couple of years, Steven Heller and Julius Wiedemann have traced the latest developments in illustration around the globe—and for all those who thought digital heralded the end of an era, they’re here to set the record straight.There were extraordinary eras before mass media changed our viewing habits, back in the day when illustration was the primary means of illuminating the word on paper—all the way to today, when we get our words and images on screens as small as a watch face. In this environment, today’s designers and artists are holding their own brilliantly. Illustration is more free and varied than ever, and it is ubiquitous in all kinds of media, from paper to screen to books, packages, clothing, cars, and restaurants.This book celebrates the sheer quality, diversity, intensity, comedy, vivacity, and exceptionality of the work being created by illustrators right now. The artists in this collection are just the tip of the proverbial iceberg, but they represent a compelling snapshot of the styles, techniques, and use of color by artists around the world. We dare you to pick your favorites.The editors: Julius Wiedemann studied graphic design and marketing and was an art editor for newspapers and design magazines in Tokyo before joining TASCHEN in 2001. His titles include the Illustration Now! and Record Covers series, as well as the infographics collection and books about advertising and visual culture.Steven Heller has produced over 200 books on visual communication and published countless articles in international design magazines. Currently he is cofounder and cochair of the MFA Design program at the School of Visual Arts, New York. На протяжении последних нескольких лет Стивен Хеллер и Юлиус Видеманн отслеживали последние достижения в области иллюстрации по всему миру, и для всех тех, кто считал, что цифровые технологии означают конец эпохи, они пришли, чтобы исправить ситуацию.До того, как средства массовой информации изменили наши зрительские привычки, существовали необыкновенные эпохи, когда иллюстрация была основным средством иллюстрации слова на бумаге - и так до сегодняшнего дня, когда мы получаем слова и изображения на экранах размером с циферблат часов. В этих условиях современные дизайнеры и художники держатся молодцом. Иллюстрация стала более свободной и разнообразной, чем когда-либо, и она повсеместно встречается во всех видах медиа - от бумаги и экрана до книг, упаковок, одежды, автомобилей и ресторанов.Эта книга посвящена качеству, разнообразию, интенсивности, комичности, живости и исключительности работ, создаваемых иллюстраторами прямо сейчас. Художники, представленные в этой коллекции, - лишь верхушка пресловутого айсберга, но они представляют собой убедительный снимок стилей, техник и использования цвета художниками по всему миру. Смеем надеяться, что вы выберете своих фаворитов.Редакторы:Юлиус Видеманн изучал графический дизайн и маркетинг и работал художественным редактором в газетах и журналах по дизайну в Токио, прежде чем присоединиться к TASCHEN в 2001 году. Среди его изданий - серии «Иллюстрация сейчас!» и «Обложки рекордов», а также коллекция инфографики и книги о рекламе и визуальной культуре.Стивен Хеллер выпустил более 200 книг по визуальной коммуникации и опубликовал бесчисленное количество статей в международных журналах по дизайну. В настоящее время он является соучредителем и сопредседателем программы MFA Design в Школе визуальных искусств в Нью-Йорке.
кешбэк от 33 ₴

Born in Berlin in 1920, Helmut Newton trained as a teenager with legendary photographer Yva, following her lead into the enticing pastures of fashion, portraiture and nudes. Forced to flee the Nazis aged only 18, Newton never left Berlin behind. After his career exploded in Paris in the 1960s, he returned regularly to shoot for magazines like Constanze, Adam, Vogue, Conde Nast's Traveler, ZEITmagazin, Manner Vogue, Max and the Suddeutsche Zeitung Magazin as well as his own magazine Helmut Newton’s Illustrated.In 1979, the newly relaunched German Vogue commissioned him to retrace the footsteps of his youth to capture the fashion moment. The resulting portfolio, Berlin, Berlin!, inspired the title of the exhibition which celebrates 20 years of the Helmut Newton Foundation.This collection includes Newton’s most iconic Berlin images, as well as many unknown shots from the 1930s to the 2000s: nightcrawlers in uber-cool clubs and restaurants, nude portraits in the boarding houses he knew from his youth, and the Berlin film scene, featuring Hanna Schygulla and Wim Wenders at the Berlin Wall, John Malkovich and David Bowie.In October 2003, only months before his death, Newton moved large parts of his archive to his new foundation, housed in the Museum of Photography beside the Zoologischer Garten station-the very station from which he fled Berlin in the winter of 1938. This publication thus closes a circle in the story of his extraordinary life and work.About the AuthorMatthias Harder studied art history, classical archaeology, and philosophy in Kiel and Berlin. He is a member of the German Society of Photography and an advisory council member of the European Month of Photography. Head curator of the Helmut Newton Foundation in Berlin from 2004, and since 2019 the Foundation's director, he has written numerous articles for art magazines, books and exhibition catalogues.Helmut Newton (1920–2004) was one of the most influential photographers of all time. He first achieved international fame in the 1970s while working principally for the different international editions of Vogue, where he was celebrated for his controversial scenarios and the ability to make a thoroughly planned photograph seem fresh and dynamic. His many titles and awards include Commandeur dans l’Ordre des Arts et des Lettres. Хельмут Ньютон родился в Берлине в 1920 году. В подростковом возрасте он учился у легендарной фотографки Ивы, которая привела его в увлекательный мир моды, портретной фотографии и ню. Вынужденный бежать от нацистов в возрасте всего 18 лет, Ньютон никогда не забывал Берлин. После того как его карьера взлетела в Париже в 1960-х годах, он регулярно возвращался, чтобы снимать для таких журналов, как Constanze, Adam, Vogue, Conde Nast's Traveler, ZEITmagazin, Manner Vogue, Max и Suddeutsche Zeitung Magazin, а также для своего собственного журнала Helmut Newton’s Illustrated.В 1979 году недавно перезапущенный немецкий Vogue поручил ему проследить путь своей юности, чтобы запечатлеть модные моменты. Получившийся портфолио Berlin, Berlin! вдохновил название выставки, посвященной 20-летию Фонда Хельмута Ньютона.Эта коллекция включает в себя самые знаковые фотографии Ньютона, сделанные в Берлине, а также многие неизвестные снимки с 1930-х по 2000-е годы: ночные гуляки в суперкрутых клубах и ресторанах, обнаженные портреты в пансионах, которые он знал с юности, и берлинская киноиндустрия с Ханной Шигуллой и Вимом Вендерсом у Берлинской стены, Джоном Малковичем и Дэвидом Боуи.В октябре 2003 года, всего за несколько месяцев до своей смерти, Ньютон перенес большую часть своего архива в свой новый фонд, расположенный в Музее фотографии рядом со станцией Zoologischer Garten — той самой станцией, с которой он бежал из Берлина зимой 1938 года. Таким образом, эта публикация замыкает круг в истории его необыкновенной жизни и творчества.Об автореМатиас Хардер изучал историю искусств, классическую археологию и философию в Киле и Берлине. Он является членом Немецкого общества фотографии и членом консультативного совета Европейского месяца фотографии. С 2004 года он является главным куратором Фонда Хельмута Ньютона в Берлине, а с 2019 года — директором Фонда. Он написал множество статей для художественных журналов, книг и каталогов выставок.Хельмут Ньютон (1920–2004) был одним из самых влиятельных фотографов всех времен. Он впервые добился международной известности в 1970-х годах, работая в основном для различных международных изданий Vogue, где его ценили за провокационные сценарии и способность сделать тщательно спланированную фотографию свежей и динамичной. Среди его многочисленных званий и наград — Commandeur dans l’Ordre des Arts et des Lettres.
кешбэк от 101 ₴

The Visual Language of an Architect Tadao Ando’s sketches and drawings This hugely revealing journey through the mind and memory of one of architecture’s great poets is told in Tadao Ando’s own words. A very personal volume, it traces five decades of prolific creativity, gathering over 750 sketches, models, and technical drawings that reveal the essence of his practice. From the raw immediacy of pencil lines to the precision of technical drawings, witness the evolution of many of his most famous projects— among them Row House in Sumiyoshi, Rokko Housing, Chichu Art Museum, Bourse de Commerce—not as isolated moments of inspiration, but as living architectural projects, shaped by time, travel, and reflection. More than a monograph, this is a map of Ando’s inner landscape. He remembers light of a stone monastery in southern France, the deep spatial resonance of a stepwell in Ahmedabad, and the labyrinthine mystery of cave dwellings in Cappadocia. Experienced during his early travels in his youth, these memories became seeds. Learn how these fragments of experience, filtered through body and emotion, reemerged as intense spatial dramas, rendered in concrete, glass and light. Ando has remained faithful to the fragility of the hand-drawn line. For him, it is not the slick perfection of digital models, but the struggle and spontaneity of sketching that captures the true heartbeat of architecture. This book is both a record and a reverie: a meditation on how buildings begin, and how they belong to the flow of time, to memory, and the enduring pursuit of beauty. Also included is an appendix with a complete listing of Ando’s built and unbuilt projects. In Ando’s own words: “Our imaginations may expand endlessly, shaping the invisible scenes in our minds—this is the never-ending story of architecture.” Визуальный язык архитектораЭскизы и рисунки Тадао АндоЭто поразительно откровенное путешествие по мыслям и воспоминаниям одного из поэтов современной архитектуры рассказано словами самого Тадао Андо. Глубоко личное издание охватывает пять десятилетий его плодотворного творчества, объединяя более 750 эскизов, макетов и технических чертежей, раскрывающих суть его метода. От живой непосредственности карандашных линий до точности архитектурных схем — читатель становится свидетелем эволюции многих из его самых известных проектов, среди которых Row House in Sumiyoshi, Rokko Housing, Chichu Art Museum и Bourse de Commerce — представленных не как изолированные вспышки вдохновения, а как живые архитектурные процессы, формируемые временем, путешествиями и размышлениями.Это больше, чем монография — это карта внутреннего мира Андо. Он вспоминает свет каменного монастыря на юге Франции, глубокое пространственное звучание ступенчатого колодца в Ахмедабаде и лабиринтную загадочность пещерных жилищ Каппадокии. Пережитые в годы юности во время путешествий, эти впечатления стали семенами, из которых выросли мощные пространственные драмы, воплощённые в бетоне, стекле и свете.Андо остаётся верен хрупкости линии, проведённой рукой. Для него истинная архитектура выражается не в безупречности цифровых моделей, а в борьбе и спонтанности рисования, в которой рождается её живое сердце. Эта книга — одновременно документ и размышление: медитация о том, как рождаются здания, как они вплетаются в течение времени, в память и в бесконечное стремление к красоте. В приложении представлен полный список реализованных и нереализованных проектов Андо.Слова самого Андо:«Наше воображение может расширяться бесконечно, формируя невидимые сцены в нашем сознании — это бесконечная история архитектуры».
кешбэк от 33 ₴

A la carte Appetite for art: over one hundred years of menu graphics Until restaurants became commonplace in the late 1800s, printed menus for meals were rare commodities reserved for special occasions. As restaurants proliferated, the menu became more than just a culinary listing. The design of the menu became an integral part of eating out and as such menus became a marketing tool and a favored keepsake. Menu Design is an omnibus showcasing the best examples of this graphic art. With nearly 800 examples, illustrated in vibrant color, this deluxe volume not only showcases this extraordinary collection of paper ephemera but serves as a history of restaurants and dining out in America. In addition to the menu covers, many menu interiors are featured providing a epicurean tour and insight to more than a hundred years of dining out. An introduction on the history of menu design by graphic design writer Steven Heller and extended captions by culinary historian John Mariani accompany the menus throughout the book. Various photographs of restaurants round out this compendium that will appeal to anyone who enjoys dining out and its graphic and gastronomic history. Nearly 800 stunning examples of menu design Covers more than a century of exquisite vintage design Text in English, French, and German A la carte Аппетит к искусству: более ста лет графического дизайна меню До того как рестораны стали повсеместным явлением в конце 1800-х годов, печатные меню для блюд были редким товаром, предназначенным для особых случаев. С ростом числа ресторанов меню стало чем-то большим, чем просто списком блюд. Дизайн меню стал неотъемлемой частью посещения ресторана, и таким образом меню превратилось в маркетинговый инструмент и популярный сувенир. «Дизайн меню» — это сборник, в котором представлены лучшие образцы этого вида графического искусства. Этот роскошный том, содержащий почти 800 ярких цветных иллюстраций, не только демонстрирует эту необыкновенную коллекцию бумажных эфемерид, но и служит историей ресторанов и ресторанного бизнеса в Америке. Помимо обложек меню, в книге представлены многие внутренние страницы меню, которые дают представление о более чем столетней истории ресторанного бизнеса. Введение в историю дизайна меню от писателя-графического дизайнера Стивена Хеллера и подробные подписи от кулинарного историка Джона Мариани сопровождают меню на протяжении всей книги. Различные фотографии ресторанов дополняют этот сборник, который понравится всем, кто любит рестораны и их графическую и гастрономическую историю. Почти 800 потрясающих примеров дизайна меню Охватывает более века изысканного винтажного дизайна Текст на английском, французском и немецком языках
кешбэк от 100 ₴

In the midst of the realist-leaning artistic climate of the Late Gothic and Early Renaissance, Netherlandish painter Hieronymus Bosch (c. 1450–1516) was more than an anomaly. Bosch’s paintings are populated with grotesque scenes of fantastical creatures succumbing to all manner of human desire, fantasy, and angst. One of his greatest inventions was to take the figural and scenic representations known as drolleries, which use the monstrous and the grotesque to illustrate sin and evil, and to transfer them from the marginalia of illuminated manuscripts into large-format panel paintings. Alongside traditional hybrids of man and beast, such as centaurs, and mythological creatures such as unicorns, devils, dragons, and griffins, we also encounter countless mixed creatures freely invented by the artist. Many subsidiary scenes illustrate proverbs and figures of speech in common use in Bosch’s day. In his Temptation of St Anthony triptych, for example, the artist shows a messenger devil wearing ice skates, evoking the popular expression that the world was “skating on ice”—meaning it had gone astray. In his pictorial translation of proverbs, in particular, Bosch was very much an innovator.Bosch—whose real name was Jheronimus van Aken—was widely copied and imitated: the number of surviving works by Bosch’s followers exceeds the master’s own production by more than tenfold. Today only 20 paintings and eight drawings are confidently assigned to Bosch’s oeuvre. He continues to be seen as a visionary, a portrayer of dreams and nightmares, and the painter par excellence of hell and its demons.Featuring brand new photography of recently restored paintings, this exhaustive book, published in view of the upcoming 500th anniversary of Bosch’s death, covers the artist’s complete works. Discover Bosch’s pictorial inventions in splendid reproductions with copious details and a huge fold-out spread, over 110 cm (43 in.) long, of The Garden of Earthly Delights. Art historian and acknowledged Bosch expert Stefan Fischer examines just what it was about Bosch and his painting that proved so immensely influential.The author: Stefan Fischer studied art history, history, and classical archaeology in Munster, Amsterdam, and Bonn. In 2009 he completed his doctoral thesis “Hieronymus Bosch: Malerei als Vision, Lehrbild und Kunstwerk.” His specialist fields are Netherlandish painting of the 15th to the 17th centuries and museology. В условиях реалистического художественного климата поздней готики и раннего Возрождения нидерландский художник Иероним Босх (ок. 1450–1516) был более чем аномалией. Картины Босха наполнены гротескными сценами с фантастическими существами, поддающимися всевозможным человеческим желаниям, фантазиям и страхам. Одним из его величайших изобретений было использование фигуральных и сценических изображений, известных как «дроллерии», в которых чудовищные и гротескные образы используются для иллюстрации греха и зла, и перенесение их из маргиналий иллюминированных рукописей на крупноформатные панно. Наряду с традиционными гибридами человека и животного, такими как кентавры, и мифологическими существами, такими как единороги, демоны, драконы и грифоны, мы также встречаем бесчисленное количество смешанных существ, свободно придуманных художником. Многие второстепенные сцены иллюстрируют пословицы и фигуры речи, широко используемые в эпоху Босха. Например, в триптихе «Искушение святого Антония» художник изображает дьявола-посланника в коньках, напоминая о популярном выражении, что мир «катается на льду», то есть сбился с пути. В частности, в своем изобразительном переводе пословиц Босх был настоящим новатором.Босх, настоящее имя которого было Йеронимус ван Акен, был широко копирован и имитирован: количество сохранившихся работ последователей Босха превышает собственное творчество мастера более чем в десять раз. Сегодня только 20 картин и восемь рисунков с уверенностью относятся к творчеству Босха. Он по-прежнему считается провидцем, изобразителем снов и кошмаров, а также превосходным художником, изображающим ад и его демонов.Эта исчерпывающая книга, изданная в преддверии 500-летия со дня смерти Босха, содержит совершенно новые фотографии недавно отреставрированных картин и охватывает все творчество художника. Откройте для себя живописные изобретения Босха в великолепных репродукциях с обилием деталей и огромным разворотом длиной более 110 см (43 дюйма) с изображением «Сада земных наслаждений». Искусствовед и признанный эксперт по Босху Стефан Фишер исследует, что именно в Босхе и его живописи оказало столь огромное влияние.Автор:Штефан Фишер изучал историю искусства, историю и классическую археологию в Мюнстере, Амстердаме и Бонне. В 2009 году он защитил докторскую диссертацию «Иероним Босх: живопись как видение, учебное пособие и произведение искусства». Его специализация — нидерландская живопись XV–XVII веков и музееведение.
кешбэк от 16 ₴

Decades’ worth of images have been distilled down to 512 pages of photographs in this ultimate retrospective collection of Nobuyoshi Araki's work, selected by the artist himself.First published as a Limited Edition and now back in a new format to celebrate TASCHEN’s 40th anniversary, the curation delves deep into Araki’s best-known imagery: Tokyo street scenes; faces and foods; colorful, sensual flowers; female genitalia; and the Japanese art of kinbaku, or bondage. As girls lay bound but defiant and glistening petals assume suggestive shapes, Araki plays constantly with patterns of subjugation and emancipation, death and desire and with the slippage between serene image and shock.Describing his bondage photographs as “a collaboration between the subject and the photographer”, Araki seeks to come closer to his female subjects through photography, emphasizing the role of spoken conversation between himself and the model. In his native Japan, he has attained cult status for many women who feel liberated by his readiness to photograph the expression of their desire.About the seriesTASCHEN is 40! Since we started our work as cultural archaeologists in 1980, TASCHEN has become synonymous with accessible publishing, helping bookworms around the world curate their own library of art, anthropology, and aphrodisia at an unbeatable price. Today we celebrate 40 years of incredible books by staying true to our company credo. The 40 series presents new editions of some of the stars of our program—now more compact, friendly in price, and still realized with the same commitment to impeccable production. В этом ретроспективном сборнике работ Нобуёси Араки, отобранных самим художником, все изображения десятилетий были сведены к 512 страницам фотографий.Впервые изданная ограниченным тиражом, а теперь вернувшаяся в новом формате в честь 40-летия TASCHEN, эта коллекция посвящена самым известным изображениям Араки: Уличные сцены Токио, лица и продукты питания, красочные, чувственные цветы, женские гениталии и японское искусство кинбаку, или бондаж. Когда девушки лежат связанные, но непокорные, а сверкающие лепестки приобретают привлекательные формы, Араки постоянно играет с моделями порабощения и освобождения, смерти и желания, а также со скольжением между безмятежным изображением и шоком.Описывая свои бондажные фотографии как «сотрудничество между объектом и фотографом», Араки стремится приблизиться к своим объектам через фотографию, подчеркивая роль разговорной речи между собой и моделью. В родной Японии он стал культовым для многих женщин, которые чувствуют себя раскрепощенными благодаря его готовности сфотографировать выражение их желания.О серииTASCHEN исполняется 40 лет! С тех пор как в 1980 году мы начали свою работу в качестве культурных археологов, TASCHEN стал синонимом доступного книгоиздания, помогая книжным червям по всему миру собирать свою собственную библиотеку искусства, антропологии и афродизии по беспрецедентным ценам. Сегодня мы отмечаем 40 лет невероятных книг, оставаясь верными своему кредо. В серии «40» представлены новые издания некоторых звезд нашей программы - более компактные, по более доступной цене, но выполненные с тем же стремлением к безупречному производству.
кешбэк от 20 ₴

To explore the Tarot is to explore ourselves, to be reminded of the universality of our longing for meaning, for purpose and for a connection to the divine. This 600-year-old tradition reflects not only a history of seekers, but our journey of artistic expression and the ways we communicate our collective human story. For many in the West, Tarot exists in the shadow place of our cultural consciousness, a metaphysical tradition assigned to the dusty glass cabinets of the arcane. Its history, long and obscure, has been passed down through secret writing, oral tradition, and the scholarly tomes of philosophers and sages. Hundreds of years and hundreds of creative hands?mystics and artists often working in collaboration?have transformed what was essentially a parlor game into a source of divination and system of self-exploration, as each new generation has sought to evolve the form and reinterpret the medium. Author Jessica Hundley traces this fascinating history in Tarot, the debut volume in TASCHEN’s Library of Esoterica series. The book explores the symbolic meaning behind more than 500 cards and works of original art, two thirds of which have never been published outside of the decks themselves. It's the first ever visual compendium of its kind, spanning from Medieval to modern, and artfully arranged according to the sequencing of the 78 cards of the Major and Minor Arcana. It explores the powerful influence of Tarot as muse to artists like Salvador Dali and Niki de Saint Phalle and includes the decks of nearly 100 diverse contemporary artists from around the world, all of whom have embraced the medium for its capacity to push cultural identity forward. Rounding out the volume are excerpts from thinkers such as Eliphas Levi, Carl Jung, and Joseph Campbell; a foreword by artist Penny Slinger; a guide to reading the cards by Johannes Fiebig; and an essay on oracle decks by Marcella Kroll. About the series Library of Esoterica explores how centuries of artists have given form to mysticism, translating the arcane and the obscure into enduring, visionary works of art. Each subject is showcased through both modern and archival imagery culled from private collectors, libraries, and museums around the globe. The result forms an inclusive visual history, a study of our primal pull to dream and nightmare, and the creative ways we strive to connect to the divine. Изучать Таро - значит изучать самих себя, получать напоминание о всеобщем стремлении к смыслу, цели и связи с божественным. Эта 600-летняя традиция отражает не только историю искателей, но и наш путь художественного самовыражения и способы передачи нашей общей человеческой истории. Для многих на Западе Таро существует в тени нашего культурного сознания, как метафизическая традиция, отнесенная к пыльным стеклянным шкафам арканов. Его история, долгая и неясная, передавалась через тайные письмена, устную традицию и ученые тома философов и мудрецов. Сотни лет и сотни творческих рук - мистиков и художников, часто работающих в сотрудничестве, - превратили то, что было по сути салонной игрой, в источник предсказаний и систему самоисследования, а каждое новое поколение стремилось развить форму и по-новому интерпретировать средство. Автор Джессика Хандли прослеживает эту увлекательную историю в книге «Таро» - дебютном томе серии «Библиотека эзотерики» издательства TASCHEN. В книге раскрывается символический смысл более 500 карт и произведений оригинального искусства, две трети из которых никогда не публиковались за пределами самих колод. Это первый в своем роде визуальный компендиум, охватывающий период от Средневековья до современности и искусно расположенный в соответствии с последовательностью 78 карт Больших и Минорных арканов. В книге исследуется мощное влияние Таро как музы на таких художников, как Сальвадор Дали и Ники де Сен-Фалль, а также представлены колоды почти 100 современных художников со всего мира, каждый из которых использовал этот инструмент для развития культурной идентичности. Завершают книгу отрывки из произведений таких мыслителей, как Элифас Леви, Карл Юнг и Джозеф Кэмпбелл, предисловие художницы Пенни Слингер, руководство по чтению карт Йоханнеса Фибига и эссе о колодах оракулов Марселлы Кролл. О серии В «Библиотеке эзотерики» исследуется, как художники веками придавали форму мистицизму, воплощая тайное и непонятное в непреходящие, провидческие произведения искусства. Каждая тема раскрывается с помощью современных и архивных изображений, собранных у частных коллекционеров, в библиотеках и музеях по всему миру. В результате получилась всеохватывающая визуальная история, исследование нашей первобытной тяги к снам и кошмарам, а также творческих путей, которыми мы стремимся установить связь с божественным.
-31%
Состав Искусственная кожа / Вид Чехол / Бренд Toto / Вес, кг 0.1 кг / Принадлежность Смартфоны, телефоны и аксессуары / Вес в упаковке, кг 0.2 кг / Страна бренда Украина / Цвет Черный
-31%
Состав Искусственная кожа / Вид Чехол / Бренд Toto / Вес, кг 0.1 кг / Принадлежность Смартфоны, телефоны и аксессуары / Вес в упаковке, кг 0.2 кг / Страна бренда Украина / Цвет Черный
кешбэк от 40 ₴

Peter Lindbergh and Azzedine Alaia, the photographer and the couturier, were united by their love of black, a love that they would cultivate alike in silver print and solid color garments. Lindbergh ceaselessly turned to black and white to signify his search for authenticity in the faces he brought to light. Alaia drew on the monochrome of timeless clothes to create veritable sculptures for the body.In this book, the unique dialogue between the two artists is immortalized in print. Illustrating their community of spirit, its images are a celebration of their artistic partnership and testament to their history-making achievements in photography and fashion.Despite their geographically opposed origins, Lindbergh and Alaia pursued similar horizons. At the same time as Lindbergh’s reputation in Germany was growing thanks to his work in Stern magazine, and he set up his studio in Paris in 1978, Alaia was the couturier shrouded in discretion whose sophisticated techniques were a treasured secret amongst the most important clients of Haute Couture.Alaia became the architect of bodies, revealing and unveiling them, while Lindbergh distinguished them by shining a light on their soul and personality. Step by step, they became the creators that dominated their respective disciplines. Both rejected any artifice that distracted from their true subject, and it is with great ease that they came together for a number of powerful collaborations.Shared inspirations and aesthetic values are visible throughout their work. A beach in Le Touquet and the streets of old Paris reference a mutual love of black and white cinema and vast panoramas. The backdrop of an engine room illustrates the memory of an industrial German landscape for one and references the inordinate passion for functional design and architecture held by the other. Alaia’s clothes act as pedestals for the smiles and eyes of the women who wear them: Nadja Auermann, Mariacarla Boscono, Naomi Campbell, Anna Cleveland, Dilone, Lucy Dixon, Vanessa Duve, Helene Fischer, Pia Frithiof, Jade Jagger, Maria Johnson, Milla Jovovich, Lynne Koester, Ariane Koizumi, Yasmin Le Bon, Madonna, Kristen McMenamy, Tatjana Patitz, Linda Spierings, Tina Turner, Marie-Sophie Wilson, Lindsey Wixson. For Lindbergh, who built his notoriety on the images of these supermodels, the authenticity of their traits is all that matters. The result is a potent black and white catalogue that reverberates with truthfulness and beauty.The book accompanies the exhibition Azzedine Alaia, Peter Lindbergh at the Fondation Azzedine Alaia, 18 rue de la verrerie, Paris, France.With contritutions by Fabrice Hergott, director of the Musee d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paolo Roversi, photographer, and Olivier Saillard, fashion historian and director of the Fondation Azzedine Alaia, Paris.About the AuthorPeter Lindbergh (1944–2019) was a master of his craft who made his mark in the halls of photography history, with such credits as shooting the first American Vogue cover under Editor-in-Chief Anna Wintour, bringing together for the first time a group of young women who would become the ’90s supermodels, and numerous exhibitions at renowned institutions including Victoria & Albert Museum in London and Centre Pompidou in Paris, as well as in solo exhibitions at Hamburger Bahnhof, the Berlin Museum for Contemporary Art, Bunkamura Museum of Art in Tokyo, the Pushkin Museum of Fine Arts in Moscow, and Kunstpalast in Dusseldorf. Фотограф Питер Линдберг и кутюрье Аззедин Алайя были объединены любовью к черному цвету, которую они одинаково культивировали в серебряных отпечатках и однотонных нарядах. Линдберг постоянно обращался к черно-белому цвету, чтобы подчеркнуть свое стремление к аутентичности в лицах, которые он выводил на свет. Алайя использовал монохромность вневременной одежды, чтобы создавать настоящие скульптуры для тела.В этой книге уникальный диалог между двумя художниками увековечен в печати. Иллюстрируя их духовное родство, изображения являются празднованием их художественного партнерства и свидетельством их исторических достижений в фотографии и моде.Несмотря на географическую удаленность их родины, Линдберг и Алайя стремились к одним и тем же горизонтам. В то время как репутация Линдберга в Германии росла благодаря его работе в журнале Stern, и он открыл свою студию в Париже в 1978 году, Алайя был кутюрье, окутанным тайной, чьи сложные техники были сокровенным секретом среди самых важных клиентов Haute Couture.Алайя стал архитектором тел, раскрывая и обнажая их, а Линдберг выделял их, освещая их душу и личность. Шаг за шагом они стали творцами, доминирующими в своих дисциплинах. Оба отвергали любые уловки, отвлекающие от их истинного предмета, и с большой легкостью объединились для ряда мощных совместных проектов.Общие вдохновения и эстетические ценности прослеживаются во всех их работах. Пляж в Ле-Туке и улицы старого Парижа отражают общую любовь к черно-белому кино и обширным панорамам. Фон машин
кешбэк от 16 ₴

In 1965, Tom of Finland began flirting with the idea of an ongoing character for his panel stories, the ultimate Tom’s Man. He tried out a blond named Vicky-a common male name in Finland-followed by a Tarzan-inspired Jack. Then in 1968 Tom settled on Kake, a dark-haired, mustached leatherman who often wore a tight white T-shirt bearing the motto “Fucker.” Kake lived up to this moniker, a sort of post-Stonewall, hyper-masculine Johnny Appleseed traveling the world on his motorcycle to spread the seeds of liberated, mutually satisfying, ecstatically explicit gay sex. Tom lived out many of his most personal fantasies through Kake, and Kake’s international fans made him the template for what came to be known as the gay clone look of the 1970s. Between 1968 and 1986, Tom published 26 episodes of Kake adventures, most as 20-page booklets.Tom of Finland – The Complete Kake Comics collects all of these stories in one volume. Return with Kake to the days when men were men, sex was carefree, and everyone wore a big thick mustache.About the AuthorDian Hanson is a senior editor and writer for TASCHEN, with over 50 books to her credit. In addition to ARNOLD, her recent works include The Art of Pin-up, Masterpieces of Fantasy Art, and The Fantastic Worlds of Frank Frazetta.Read here how it all began.Touko Laaksonen, the boy who would become Tom of Finland (1920-1991), began drawing cartoons at age five. His favorite subjects were the rough manly men of his native Finland. He found success in the Finnish advertising industry but secretly continued creating his increasingly erotic drawings of hyper-masculine men. In 1957 he submitted some drawings to the American magazine Physique Pictorial and the “Tom of Finland” legend was born. By the late 60s Tom’s “dirty drawings” became the standard for gay art, and Tom’s Men a template for a new gay masculinity. В 1965 году Том Финляндский начал заигрывать с идеей постоянного персонажа для своих панельных историй, окончательного варианта Человека Тома. Он попробовал блондина по имени Вики - обычное мужское имя в Финляндии - и затем Джека, вдохновленного Тарзаном. Затем в 1968 году Том остановился на Каке, темноволосом, усатом кожаном человеке, который часто носил обтягивающую белую футболку с девизом «Fucker». Кейк оправдывал это прозвище - этакий постстоунволлский, гипермужественный Джонни Яблоко, путешествующий по миру на мотоцикле, чтобы распространять семена раскрепощенного, взаимно удовлетворяющего, экстатически откровенного гей-секса. Том воплотил в жизнь многие из своих самых личных фантазий через Kake, а международные поклонники Kake сделали его образцом того, что стало известно как гей-клоны 1970-х годов. В период с 1968 по 1986 год Том опубликовал 26 эпизодов приключений Каке, большинство из которых были 20-страничными буклетами.Tom of Finland - The Complete Kake Comics собирает все эти истории в одном томе. Вернитесь вместе с Каке в те времена, когда мужчины были мужчинами, секс был беззаботным, а все носили большие густые усы.Об автореДиана Хэнсон - старший редактор и писатель компании TASCHEN, на ее счету более 50 книг. Помимо ARNOLD, среди ее последних работ - «Искусство пин-ап», «Шедевры фэнтези-арта» и «Фантастические миры Фрэнка Фразетты».О том, как все начиналось, читайте здесь.Тоуко Лааксонен, мальчик, ставший Томом Финским (1920-1991), начал рисовать карикатуры в пять лет. Его любимыми сюжетами были грубые мужественные мужчины его родной Финляндии. Он добился успеха в финской рекламной индустрии, но втайне продолжал создавать свои все более эротичные рисунки гипермужественных мужчин. В 1957 году он отправил несколько рисунков в американский журнал Physique Pictorial, и родилась легенда о Томе Финском. К концу 60-х годов «грязные рисунки» Тома стали стандартом гей-искусства, а «Люди Тома» - образцом новой гей-мужественности.
кешбэк от 10 ₴

Get your kicks for less! Legs, legs, and more legs for a song Many loved The Big Book of Legs but some found it just too darn big, weighing in at nearly seven pounds. True, it was packed with shapely legs spanning six decades, from the first shy emergence of the ankle in the 1910s, through the rolled stockings and rouged knees of the 1920s, to the Betty Grable ’40s, the stockinged and stilettoed ’50s, on into the sexually liberated ’60s and ’70s, but it could still put a dent in your own thighs if you sat reading for too long. Fortunately here at TASCHEN we listen to your groans of agony as well as your moans of ecstasy; thus, this light and portable new edition, packing over 100 of the choicest photos from the original volume, as well as 38 new photos, into a compact (and frankly adorable) package. From Betty Grable to Bettie Page, the greatest legs of the 20th Century can be found within, shot by Irving Klaw, Bunny Yeager, and the incomparable Elmer Batters, father of leg art. There are silk and nylon stockings, high heels in abundance, curvy calves, taut thighs, playful toes and towering arches—with no bothersome text to get in the way. Could leg love get any sweeter? Получите свои удары за меньшую цену!Ноги, ноги и еще раз ноги за песнюМногим понравилась «Большая книга ног», но некоторые сочли ее слишком большой - она весит почти семь фунтов. Правда, в ней собраны изображения стройных ног, охватывающие шесть десятилетий, от первых робких появлений лодыжек в 1910-х годах, через чулки и грубые колени 1920-х, до Бетти Грейбл 40-х, чулок и шпилек 50-х и до сексуально раскрепощенных 60-х и 70-х, но она все равно может оставить вмятину на ваших собственных бедрах, если вы слишком долго просидите за чтением.К счастью, мы в TASCHEN прислушиваемся к вашим стонам агонии и экстаза, поэтому это легкое и портативное новое издание, в котором собраны более 100 самых лучших фотографий из оригинального тома, а также 38 новых фотографий в компактной (и откровенно восхитительной) упаковке. От Бетти Грейбл до Бетти Пейдж, величайшие ножки XX века, снятые Ирвингом Клау, Банни Йегер и несравненным Элмером Баттерсом, отцом искусства ног. Шелковые и нейлоновые чулки, высокие каблуки в изобилии, изогнутые икры, упругие бедра, игривые пальчики и возвышающиеся арки - и никакого надоедливого текста на пути. Может ли любовь к ногам быть еще слаще?
кешбэк от 84 ₴

The Helmut Newton SUMO in XL, revised by June Newton, with a making-of booklet Helmut Newton (1920–2004) always showed a healthy disdain for the easy or predictable, so it’s no surprise that the SUMO was an irresistible project. The idea of a book the size of a private exhibition, with spectacular images reproduced to state-of-the-art origination and printing standards, emerged from an open, experimental dialogue between photographer and publisher. With the SUMO weighing in—boxed and shrink-wrapped—at 35.4 kg (just under 80 pounds), Newton created a landmark book that stood head and shoulders above anything previously attempted, both in terms of conceptual extravagance and technical specifications. Published in an edition of 10,000 signed and numbered copies, the SUMO sold out soon after publication and quickly multiplied its value. It now features in numerous collections around the world, including New York’s Museum of Modern Art. The legendary copy number one, signed by more than 100 of the book’s featured celebrities, broke the record for the most expensive book published in the 20th century, sold at an auction in Berlin on April 6, 2000 for 620,000 German marks—about 317,000 euros. Now, this XL edition celebrates 20 years of SUMO, the result of a project conceived by Helmut Newton some years ago. Revised by his wife June, the volume gathers 394 images and a booklet that takes us through the making-of this publishing venture—a spectacular tribute to the larger-than-life Helmut Newton, now in a friendly format. Helmut Newton SUMO в формате XL, переработанный Джун Ньютон, с буклетом о создании изданияХельмут Ньютон (1920–2004) всегда демонстрировал здоровое пренебрежение к лёгкому или предсказуемому, так что неудивительно, что проект SUMO оказался для него непреодолимым. Идея книги размером с частную выставку, со зрелищными изображениями, воспроизведёнными по самым современным стандартам подготовки и печати, возникла из открытого, экспериментального диалога между фотографом и издателем. С SUMO, вес которого — в коробке и упаковке — составляет 35,4 кг (чуть менее 80 фунтов), Ньютон создал культовую книгу, которая возвышалась над всем, что предпринималось ранее, как в плане концептуальной дерзости, так и в технических характеристиках.Изданный тиражом 10 000 подписанных и пронумерованных экземпляров, SUMO был распродан вскоре после выхода и быстро увеличил свою ценность. Сейчас он входит во множество коллекций по всему миру, включая нью-йоркский Музей современного искусства. Легендарный экземпляр под номером один, подписанный более чем сотней знаменитостей, представленных в книге, побил рекорд самой дорогой книги, опубликованной в XX веке, и был продан на аукционе в Берлине 6 апреля 2000 года за 620 000 немецких марок — около 317 000 евро.Теперь это издание XL отмечает 20-летие SUMO, результат проекта, задуманного Хельмутом Ньютоном несколько лет назад. Переработанный его женой Джун, том объединяет 394 изображения и буклет, рассказывающий о создании этого издательского предприятия — впечатляющий трибьют Ньютону, человеку большего масштаба, теперь в удобном формате.
кешбэк от 1 ₴
-17%

Alice's Adventures in Wonderland is often a fairy tale written by the English mathematician, poet and writer Charles Lutwidge Dodgson under the pseudonym Lewis Carroll and published in 1865. It tells about a girl named Alice, who falls through a rabbit hole into an imaginary world inhabited by strange anthropomorphic creatures. The fairy tale enjoys steady popularity both in children and adults. The book is considered one of the best examples of literature in the genre of the absurd; it uses numerous mathematical, linguistic and philosophical jokes and allusions. The course of the narrative and its structure had a strong influence on art, especially on the genre of fantasy. "Alice in the Looking Glass" is a plot continuation of the work.
кешбэк от 10 ₴

Founded in 1848 as a secret society, the Pre-Raphaelites rejected classical ideals and the dominant artistic genre painting of their era for what they saw as a more spiritual, sincere, and naturalistic approach. Founded by William Holman Hunt, John Everett Millais, and Dante Gabriel Rossetti, they evolved into a seven-member “brotherhood” that included poets and critics as well as painters.Moving away from the classical compositions exemplified by Raphael (hence the group’s name), the Pre-Raphaelites rather turned to medieval culture and the jewel-like colors of Quattrocento art for inspiration. Their principal themes were initially religious, but also included subjects from literature and poetry, as exemplified by Sir John Everett Millais’s famous Ophelia, drawn from Shakespeare's Hamlet. Inspired by the theories of John Ruskin, they were also committed to the close study of nature.This book presents key works from the Pre-Raphaelite group to introduce their reactionary principles, their dazzling colors, their interest in love, death, and nature, and their extensive influence on latter-day Symbolism and beyond. Основанные в 1848 году как тайное общество, прерафаэлиты отвергли классические идеалы и господствующую жанровую живопись своей эпохи ради, как они считали, более духовного, искреннего и натуралистического подхода. Основанное Уильямом Холманом Хантом, Джоном Эвереттом Милле и Данте Габриэлем Россетти, движение вскоре превратилось в семичленное «братство», в которое входили не только живописцы, но и поэты и критики. Отказываясь от классических композиций, олицетворённых Рафаэлем (отсюда и название группы), прерафаэлиты обращались к средневековой культуре и ювелирным краскам искусства Кватроченто. Их основными темами сначала были религиозные сюжеты, но также и мотивы из литературы и поэзии, как в знаменитой «Офелии» сэра Джона Эверетта Милле, вдохновлённой «Гамлетом» Шекспира. Вдохновлённые теориями Джона Рёскина, они также стремились к внимательному изучению природы. Эта книга представляет ключевые произведения прерафаэлитов, чтобы познакомить с их реакционными принципами, ослепительной цветовой палитрой, интересом к темам любви, смерти и природы, а также с их обширным влиянием на более поздний символизм и другие направления.
кешбэк от 40 ₴

Packaging with Purpose The winning packaging designs from the 2021 and 2022 Pentawards In our seventh edition of The Package Design Book, we explore the world’s leading packaging design innovations from the 2021 and 2022 Pentawards competition. Now for the first time, it showcases entries into its new Sustainable Design category, highlighting designs from established industry professionals and young talent striving to reduce the impact of packaging on the planet. This edition strongly focuses on innovative packaging design that honors sustainability, diversity and has an inclusive approach to design at its core. Submissions from over 60 countries have pushed the boundaries of visuals to create meaningful designs that are both a pure expression of their brands’ values and a delight for the consumers who buy them. This book epitomizes beautiful design concepts that were developed with integrity. Alongside the thousands of submissions for the competition, the Pentawards Jury has also grown to an eclectic mix of 50 members representing 25 brands and 25 design agencies, including Amazon, Mars Food, Vault49, Estee Lauder, Superunion, Coty, WWF, and Stranger & Stranger. This volume comprises state-of-the-art packaging design that is not only witty, noble, and contemporary but illustrates the impact of this design discipline. Упаковка с цельюПобедители конкурса Pentawards 2021 и 2022 годовВ седьмом издании The Package Design Book мы исследуем ведущие мировые инновации в области дизайна упаковки, представленные на конкурсе Pentawards 2021 и 2022 годов. Впервые книга включает работы, участвовавшие в новой категории Sustainable Design (Устойчивый дизайн), где представлены проекты как признанных профессионалов, так и молодых талантов, стремящихся сократить воздействие упаковки на окружающую среду.Это издание акцентирует внимание на инновационном дизайне упаковки, в основе которого лежат устойчивость, разнообразие и инклюзивный подход. Работы из более чем 60 стран расширяют границы визуальных решений, создавая осмысленные проекты, которые одновременно отражают ценности брендов и приносят удовольствие потребителям. Эта книга воплощает примеры прекрасных дизайнерских концепций, созданных с честностью и ответственностью.Наряду с тысячами заявок, представленных на конкурс, жюри Pentawards также расширилось и теперь включает 50 членов, представляющих 25 брендов и 25 дизайнерских агентств, среди которых Amazon, Mars Food, Vault49, Estee Lauder, Superunion, Coty, WWF и Stranger & Stranger. Это издание представляет собой собрание лучших образцов современного дизайна упаковки — остроумного, благородного и актуального — демонстрирующего влияние этой дисциплины на современный мир.
кешбэк от 118 ₴

Suave yet short-tempered, Donald Duck was Walt Disney’s cartoon bad boy, a more complex foil to the ever-optimistic Mickey Mouse and a box-office draw from his earliest silver screen appearances. It was in comics that Donald continued to soar creatively, thanks to Carl Barks, the self-taught cartoonist whose masterful and imaginative work turned the quarrelsome quacker into a cultural icon.Spanning 1942 to 1950, this deluxe volume collects some of Barks’s earliest and most iconic tales from the Four Color anthology series, including Lost in the Andes, Luck of the North, Donald Duck and the Mummy’s Ring, and Donald Duck Finds Pirate Gold. Throughout these top-selling adventures—Donald Duck comic strips helped keep the Disney studio afloat during the lean years of World War II—Barks masterfully blended humor, action, and sharp characterization, crafting stories that remain as wise as they are hilarious.Barks’s synthesis of exaggerated cartoon characters with lush, realistic backgrounds, some researched from the pages of National Geographic magazine, created an entirely new art form, immersing readers in Donald’s triumphs and troubles. Introducing beloved supporting characters like identical nephews Huey, Dewey, and Louie, Scrooge McDuck, and lucky cousin Gladstone Gander, these escapades enthralled younger audiences but were far from childish. They were sophisticated, complex, and often dark tales of behavioral insight and graphic brilliance.With hundreds of beautifully restored reproductions and an extended essay by Disney historian Jim Fanning, this collection is a fitting tribute to the sailor-suited hero and the revered "Duck Man"—an official Disney Legend and comic book king. Мягкий, но вспыльчивый, Дональд Дак был «плохим мальчиком» мультфильмов Уолта Диснея — более сложным антиподом всегда оптимистичного Микки Мауса и кассовым любимцем с первых появлений на экране. Однако именно в комиксах Дональд достиг творческих высот благодаря Карлу Барксу — самоучке-мультипликатору, чьи мастерские и изобретательные работы превратили сварливого селезня в культурный символ. Охватывая период с 1942 по 1950 год, этот роскошный том объединяет некоторые из самых ранних и знаковых историй Баркса из антологии Four Color, включая Lost in the Andes, Luck of the North, Donald Duck and the Mummy’s Ring и Donald Duck Finds Pirate Gold. Во всех этих популярных приключениях — комиксы о Дональде Даке помогли студии Disney выжить в трудные военные годы — Баркс виртуозно сочетал юмор, действие и точную психологическую характеристику, создавая истории, которые остаются столь же мудрыми, сколь и забавными. Синтезируя преувеличенные мультяшные образы с детально проработанными реалистичными фонами, нередко вдохновлёнными страницами журнала National Geographic, Баркс создал совершенно новую художественную форму, погружающую читателя в победы и неудачи Дональда. Представляя любимых персонажей — племянников Хьюи, Дьюи и Луи, Скруджа МакДака и удачливого кузена Гладстоуна Гандера — эти истории очаровывали юных читателей, но вовсе не были детскими. Это были утончённые, многослойные и порой мрачные рассказы о человеческом поведении и визуальном гении. Сотни прекрасно восстановленных репродукций и расширенное эссе историка Disney Джима Фэннинга делают этот сборник достойной данью герою в матроске и легендарному «человеку-утке» — официальному Легенде Disney и королю комиксов.
кешбэк от 16 ₴

Toward the end of his monumental career as a painter, sculptor, and lithographer, an elderly, sickly Matisse was unable to stand and use a paintbrush for long. In this late phase of his life-he was almost 80 years of age-he developed the technique of "carving into color," creating bright, bold paper cut-outs. Though dismissed by some contemporary critics as the folly of a senile old man, these gouaches decoupees (gouache cut-outs) in fact represented a revolution in modern art, a whole new medium that reimagined the age-old conflict between color and line.This edition of the first volume of our original award-winning XXL book provides a thorough historical context to Matisse's cut-outs, tracing their roots to his 1930 trip to Tahiti and continuing through to his final years in Nice. It includes many photos of Matisse, as well as some rare images by Henri Cartier-Bresson and the filmmaker F. W. Murnau, with texts by Matisse, publisher E. Teriade, the poets Louis Aragon, Henri Michaux, and Pierre Reverdy, and Matisse's son-in-law Georges Duthuit.In their deceptive simplicity, the cut-outs achieved both a sculptural quality and an early minimalist abstraction, which would profoundly influence generations of artists to come. Exuberant, multi-hued, and often grand in scale, these works are true pillars of 20th-century art, and as bold and innovative to behold today as they were in Matisse's lifetime. К концу своей монументальной карьеры живописца, скульптора и литографа пожилой, больной Матисс не мог долго стоять и пользоваться кистью. На этом позднем этапе своей жизни - ему было почти 80 лет - он разработал технику «вырезания в цвете», создавая яркие, смелые бумажные вырезки. Несмотря на то, что некоторые современные критики считали эти вырезанные гуашью работы глупостью дряхлого старика, на самом деле они стали революцией в современном искусстве, совершенно новым средством, переосмыслившим извечный конфликт между цветом и линией.В этом издании первого тома нашей оригинальной книги XXL, получившей множество наград, представлен подробный исторический контекст вырезок Матисса, прослеживающий их истоки до его поездки на Таити в 1930 году и вплоть до последних лет жизни в Ницце. В книгу включено множество фотографий Матисса, а также редкие снимки Анри Картье-Брессона и режиссера Ф. В. Мурнау, тексты Матисса, издателя Э. Териада, поэтов Луи Арагона, Анри Мишо и Пьера Реверди, а также зятя Матисса Жоржа Дютуа.В своей обманчивой простоте вырезы достигли как скульптурного качества, так и ранней минималистской абстракции, которая окажет глубокое влияние на последующие поколения художников. Буйные, многоцветные и зачастую грандиозные по масштабу, эти работы являются настоящими столпами искусства XX века, и сегодня они выглядят так же смело и новаторски, как и при жизни Матисса.
кешбэк от 10 ₴

The work of the artist couple Christo (1935–2020) and Jeanne-Claude (1935–2009) resists categorization. It is a hybrid of art, urban planning, architecture, and engineering, but above all an aesthetic uniquely their own: surreal and ethereal environmental interventions that have graced monuments, public parks, and centers of power alike.This compact book spans the complete career of the couple who were born on the very same day, met in Paris, fell in love, and became a creative team like no other. With rich illustration, it spans Christo and Jeanne-Claude’s earliest projects in the 1950s right through to The Floating Piers, installed at Lake Iseo, Italy, in 2016. The book celebrates all of the couple’s most famous environmental interventions, such as The Gates in New York’s Central Park and the Wrapped Reichstag in Berlin, while also featuring early drawings and family photos unknown to the wider public. Творчество художников Кристо (1935–2020) и Жанны-Клод (1935–2009) ускользает от привычной классификации. Это гибрид искусства, градостроительства, архитектуры и инженерии, но прежде всего — это эстетика, не похожая ни на одну другую: сюрреалистические и эфемерные вмешательства в окружающую среду, преображающие памятники, общественные пространства и центры власти.Эта компактная книга охватывает весь творческий путь уникального тандема, родившихся в один день, встретившихся в Париже, влюбившихся и ставших настоящей креативной парой. Богато иллюстрированное издание прослеживает их путь от первых проектов 1950-х годов до грандиозного The Floating Piers, установленного на озере Изео в Италии в 2016 году.В книге представлены самые известные масштабные проекты Кристо и Жанны-Клод, такие как The Gates в Центральном парке Нью-Йорка и Wrapped Reichstag в Берлине. Также здесь можно найти ранние эскизы и семейные фотографии, ранее неизвестные широкой публике.
кешбэк от 13 ₴

In celebration of the world's favorite animal, we bring you over 400 photographs of or about dogs. With pictures from the 19th century to today, the collection includes works by Man Ray, Eric Fischl, Wolfgang Tillmans, Donna Ruskin, Fatima NeJame, Vincent Versace, and of course Elliott Erwitt and William Wegman. Together, their pictures, unique in style but united in canine affection, are testimony if ever there was one that dogs are not only best friends, but also pure photographic inspiration. Forget #dogsofinstagram, this is real canine art, showing how the camera has been key witness to dogs in all their diversity, character, and friendship, from pensive pooch portraits to four-pawed action shots. As intellectually as it is visually stimulating, the book includes captivating essays tracing the presence of dogs in the history of photography and their relationship with humans across the decades. В честь самого любимого животного в мире мы представляем вам более 400 фотографий собак или их изображений. В коллекции представлены снимки от XIX века до наших дней, среди которых работы Ман Рэя, Эрика Фишля, Вольфганга Тильманса, Донны Раскин, Фатимы Неджаме, Винсента Версаче и, конечно, Эллиотта Эрвитта и Уильяма Вегмана. Их фотографии, уникальные по стилю, но объединенные собачьей привязанностью, свидетельствуют о том, что собаки - не только лучшие друзья, но и чистое фотографическое вдохновение. Забудьте о #dogsofinstagram, это настоящее собачье искусство, показывающее, как фотокамера была ключевым свидетелем собак во всем их разнообразии, характере и дружбе, от задумчивых портретов до экшн-снимков на четырех лапах. Книга, как интеллектуальная, так и визуальная, включает в себя увлекательные эссе, прослеживающие присутствие собак в истории фотографии и их взаимоотношения с людьми на протяжении десятилетий.
кешбэк от 7 ₴

Bridging the gap Expressionist pioneer Ernst Ludwig Kirchner heralded a new perspective in 20th-century painting Ernst Ludwig Kirchner (1880–1938) is regarded as one of the key figures in 20th-century European art. A Modernist to his bones, he sent seismic waves through the art world with his hard-edged, intensely colored paintings and disseminated his ideas through Die Brucke art movement and the MUIM-Institut school of modernist painting, both of which he cofounded. Kirchner’s work reconciled past and present through an Expressionist prism, reflecting the latest avant-garde ideas in art, while exploring traditional academic approaches and subjects. His works tackled social, moral, and emotional questions with a fierce intensity. Distorted perspectives, rough lines, and unusual colors were mainstays of his practice, as well as a recurring interest in capturing the human form, whether in frenetic city vistas such as Berlin Street Scene (1913) or in his famously decadent studio. In this introductory book, we explore the stretch of Kirchner’s career through Germany and Switzerland, including his founding of Die Brucke, and his inclusion in the Nazis’ infamous “degenerate art” exhibition in 1937. Along the way, we’ll encounter vivid landscapes, stark nudes, intense urban settings, and, above all, a persistent emphasis on the emotional experience of painter and viewer.About the series:Each book in TASCHEN’s Basic Art series features: a detailed chronological summary of the life and oeuvre of the artist, covering his or her cultural and historical importance a concise biography approximately 100 illustrations with explanatory captions Преодолевая разрывПионер экспрессионизма Эрнст Людвиг Кирхнер открыл новую перспективу в живописи XX векаЭрнст Людвиг Кирхнер (1880-1938) считается одной из ключевых фигур в европейском искусстве XX века. Модернист до мозга костей, он вызвал сейсмические волны в мире искусства своими жесткими, интенсивно окрашенными картинами и распространил свои идеи через художественное движение Die Brucke и школу модернистской живописи MUIM-Institut, соучредителем которых он был.Работы Кирхнера примиряли прошлое и настоящее через экспрессионистскую призму, отражая новейшие авангардные идеи в искусстве и одновременно исследуя традиционные академические подходы и темы. Его работы с ожесточением затрагивали социальные, моральные и эмоциональные вопросы. Искаженные ракурсы, грубые линии и необычные цвета были основными в его практике, как и постоянный интерес к запечатлению человеческой формы, будь то в суматошных городских пейзажах, таких как «Сцена на берлинской улице» (1913), или в его знаменитой декадентской студии.В этой вводной книге мы исследуем путь Кирхнера через Германию и Швейцарию, включая его основание Die Brucke и включение в печально известную выставку нацистов «дегенеративное искусство» в 1937 году. По пути мы встретим яркие пейзажи, суровую обнаженную натуру, напряженную городскую обстановку и, прежде всего, постоянный акцент на эмоциональном опыте художника и зрителя.О серии:В каждой книге серии «Основы искусства» от TASCHEN представлены:подробное хронологическое изложение жизни и творчества художника, охватывающее его культурное и историческое значениекраткая биографияоколо 100 иллюстраций с пояснительными подписями